Movies & Issues

INGMAR BERGMAN (1918-2007)

2007-07-30T08:39:00.000-07:00

Fresas Silvestres

The Virgin Spring

Persona

Gritos y Susurros

From the Life of Marionettes

El Silencio

Fanny y Alexander

La Pasión de Ana

El Huevo de la Serpiente

Saraband

Escenas de un Matrimonio

La Hora del Lobo

ZODIAC

2007-07-24T15:44:00.000-07:00

Me tomó un cierto esfuerzo (y una segunda vista) apreciar ZODIACO, pero finalmente me llegó. Ahora es, de momento, mi película favorita en lo que va del año. De hecho, me parece extraño que una película así haya sido financiada por un estudio grande. ¿David Fincher no explicó a nadie su idea de cómo iba a ser esta película? ¿O cómo es que se salió con la suya? ZODIACO es una larga, compleja e intencionalmente frustrante película que esperemos, pone punto final a la explotación de la figura del asesino serial como pivote para películas de género mediocres.

Para cuando Fincher hizo SEVEN, ya había suficientes imitaciones de EL SILENCIO DE LOS INOCENTES en el panorama. Pero SEVEN ha logrado sobrevivir. De hecho, es la única “otra” película sobre asesinos seriales, además de la de Johnathan Demme, que ha prevalecido en el colectivo. Va más allá de ser un simple thriller. Es una verdadera pesadilla y una película profundamente pesimista cuyas características se sienten sinceras. Su estética no es un artificio, y aunque fue muy imitada en los años siguientes, lo que en los copiones ya se siente viejo en SEVEN se siente atemporal. Todo un logro. Y tal vez fue por eso que le confiaron tanto este proyecto que, de muchas formas, es la antítesis de SEVEN.

ZODIACO está bien plantada en la realidad. Recrea con obsesivo detalle todos los aspectos posibles de la investigación que varios personajes en distintos momentos desde los años 70 llevaron a cabo para encontrar al asesino. De hecho, los personajes son secundarios a la investigación. Salen y entran de la película de acuerdo a su relevancia con los hechos y no al revés, lo cual es bastante arriesgado por sí sólo. La dinámica que se sigue es la de un constante intercambio de información. Estos personajes hablan y hablan y hablan, todo el tiempo, durante tres horas, siempre sobre el Zodiaco y las pistas que hay para encontrarlo. Rara vez sabemos algo de sus vidas internas fuera de este microcosmos que se convierte en su obsesión y en la destrucción moral de su persona. En esa instancia, el trabajo actoral está cabrón. Los tres actores principales (Jake, Ruffalo y Downey) logran que estos monigotes parlanchines se conviertan en personajes completamente redondeados y desarrollados. Y lo hacen sin un texto que les eche la mano o les facilite el trabajo. No que el texto sea malo. Después de todo, ese es el punto del guión. Lo que pasa es que ellos hicieron su tarea. Sí, los personajes sólo hablan de pistas, lugares, colores de ropa, contactos, pero cada línea, cada gesto, tiene un origen en el proceso interno que están viviendo, y es chingón darte cuenta que, aunque nunca lo dicen, su obsesión crece con cada escena. Ruffalo está genial (¿alguna vez no lo está?) dándole a su detective la voz y la actitud correcta. Downey, quién una y otra vez demuestra ser uno de los mejores actores de Estados Unidos, debería ser nominado al oscar por lo que hace aquí.

La misma atención al detalle que se tiene en la recreación de los lugares y épocas que aparecen en la película (te sientes en los 70’s), se tuvo para recrear los hechos. La mayoría de las películas alteran los hechos para beneficio del drama. Aquí no. La postura de Fincher fue que hay gente que sufrió por estos asesinatos, que hay personas cuyas vidas nunca volvieron a ser las mismas, así que no hay por qué cambiar nada. Y funciona, se siente real, haciendo todo más inquietante y doloroso. Las escenas donde se recrean asesinatos son escalofriantes en su sobriedad. Mucho más que, por ejemplo, los estilizados y excesivamente geeks asesinatos que han estado proliferando en las películas tipo SAW en los últimos años.

ZODIACO se toma su tiempo. Pero hay que dar crédito al hecho de que a pesar de ser una película tan cargada de información, nunca, ni por un segundo, se torna aburrida. Siempre está pasando algo, interna y externamente. La primera vez que la vi tuve uno o dos momentos de impaciencia, pero debo atribuírselo al pinche Cinépolis Cumbres y su pinche necedad de seguir poniendo el volumen BAJO. ¿Por qué siguen haciendo esto? No sé. En Xalapa no lo han hecho las veces que he ido al cine. Es absurdo que tenga uno que venir a Xalapa para escuchar una película propiamente. Por otro lado, escuché que Fincher había mezclado la película primero en Mono, y luego en Stereo, de acuerdo al año en que se estaba desarrollando la trama, pero no me di cuenta de eso cuando la vi, en ninguna de las dos ocasiones.

Fincher siempre ha sido un cineasta con un sentido visual desarrollado (su trabajo temprano en videos para Madonna, por ejemplo, lo demostró desde un principio), y ZODIACO no es la excepción, aunque esta vez el enfoque es distinto. No hay nada flashy o juvenil respecto al refinamiento visual de esta película. No es “in your face”, como lo que hizo anteriormente en Fight Club o Panic Room. Tampoco se usa demasiado la tecnología de efectos visuales digitales. Está rodada en video de alta definición y la atmósfera es creada con luces y colores de una forma sutil, aunque virtuosa. Una película que consiste mayormente de diálogos informativos puede ser visualmente monótona, y Fincher hace todo lo que está a su alcance para hacer de cada toma una experiencia interesante en ese rubro. Las soluciones visuales funcionan al punto de desaparecer, y así lo visual ayuda a la historia y no al revés. Desde la toma inicial donde supuestamente estamos viendo la calle desde el punto de vista del mismísimo Zodiaco dentro de su auto, la experiencia es inquietante e inspirada en ese sentido. Entre más lo pienso, más me gusta esta cinta.

Desde el año pasado como en octubre, comencé a escuchar críticas entusiastas respecto a ZODIACO. Se habló de posibilidades de premios de la academia y de una obra madura por parte de un director que siempre había prometido rebasar sus propias expectativas. Luego, el estudio no supo cómo tratar a Zodiaco, o cómo mercadearla, y pospusieron su estreno hasta marzo o abril, lo cual en el mundo del cine Hollywoodense significa la muerte en taquilla (demasiado lejos del verano) y en premios (demasiado lejos del invierno). Digamos que le dieron en la madre, pero eso no impidió la celebración de la crítica ni el pequeño culto de admiradores que se está formando alrededor de la película. Para fin de año, espérenla en las listas de “lo mejor de”...en unos años más, sólo habrá crecido en estatura.

JACK Y LA GAVIOTA

2007-07-13T15:08:00.000-07:00

Algunas personas nacen para ser estrellas de cine. Como Jack Nicholson. El wey se va al mediterraneo de vacaciones, y antes de jambarse una pizza lo tortura una gaviota, con la que se pelea y termina compartiendo una rebanada. Si te sucede algo así y las cámaras lo captan y se ve así de gracioso y a la gente le dan ganas de ver la película aunque esa película no exista, eres una estrella de cine.

ESTO NO ES UNA BROMA

2007-07-06T08:07:00.000-07:00

Lo más gracioso va a ser escuchar a personas quejarse de cómo esta película "arruina" sus recuerdos de la serie original, que la neta era una mierda.

MOVIES & ISSUES AL SERVICIO DE LA COMUNIDAD

2007-07-05T14:55:00.000-07:00

¿Te sientes solo? ¿A nadie le importan tus problemas? ¿Crees que quisieras un hijo pero no estás dispuesto a pagarle la universidad todavía? Pues tengo algo para ti. Comunícate a esos teléfonos y llévate uno de los cinco cachorritos beagle que le quedan a Pepe y Astrid en su casa. Sí, son así de lindos. ¿Quién sabe? Tal vez ahora sí podrás ser feliz.

AFTER

2007-07-05T10:04:00.000-07:00

La vida como debe ser.
http://lpcoverlover.com/category/nudes/
Este site está increible.

LA CASA DEL TUNEL

2007-07-05T09:48:00.000-07:00

http://www.designverb.com/2007/06/11/tunnel-house

LYNCHLAND EMPIRE

2007-07-03T14:58:00.000-07:00

Hace algunos meses escribí aquí mismo acerca de DUMBLAND, la serie de cortos animados hechos completamente por David Lynch, primero para su website y luego editados en un dvd. Su principal punto de interés, dije en aquel entonces, era su naturaleza de expresión artística de parte de un sólo individuo sin el filtro de los colaboradores. Es decir, un producto audiovisual hecho al mismo nivel de solitario que una pintura. El cine tan personal como se puede.

La más reciente película de Lynch, INLAND EMPIRE, es un paso más en esa dirección. Y es un gran paso, cuya importancia tal vez vaya a ser apreciada con más claridad en algunos años. Tres años de rodaje, sin guión, con una cámara de video y un grupo de actores dispuestos a seguirle el juego a su director han dado como resultado algo que Lynch ha buscado desde ERASERHEAD hace 30 años, y a lo cual se ha aproximado en algunas ocasiones: una película completamente impresionista.

De hecho, a INLAND EMPIRE no se le puede juzgar, analizar o estudiar como a una película común y corriente, porque cualquier teoría o “regla” acerca de cómo debe ser un filme es tirada por la borda una y otra vez desde el inicio hasta el final. De hecho, la narrativa que Lynch propone es una que pasa a segundo, tercer, cuarto plano. Esta es una película de sensaciones, texturas, sonidos, y emociones. La historia viene después. La interpretación, por fin, puede ser tan diversa como las personas que la busquen. Siendo claros, ¿Recuerdan esos últimos diez o quince minutos de MULHOLLAND DRIVE donde todo parece aclararse pero no y donde la sensación de “what the fuck?” se apodera de uno y te das cuenta que es mejor dejar de intentar comprender la película en términos razonables? Pues INLAND EMPIRE son esos minutos multiplicados por 30...

Seguro, la condición de experimento mayor de INLAND EMPIRE la convierte en divisora de opiniones. Hasta los fans podrían caer en las opiniones encontradas, dividiéndose entre aquellos que consideran el estilo de Lynch como “raro” y “curioso”, y los que estén dispuestos a entrar de lleno en su propuesta.

Por regla, yo nunca leo nada acerca de películas que quiero ver sino hasta después de verlas. Rara vez conozco la trama. Lo único que me interesa saber son detalles técnicos: quién dirige, quién actúa, quién escribe o fotografía. Prefiero entrar a la sala sin idea de nada. Algunos me han visto taparme los oídos en el cine durante los trailers (que tienden a contar toda la pinche película de una forma espantosa). Pero INLAND debe ser la primer cinta de mi vida que es inmune a esto. Podría contar escenas enteras sin arruinar la experiencia, porque es todo tan críptico y sensorial que no importaría.

Y dadas sus características, puede resultar fácil para algunos tildar despectivamente a INLAND como algún tipo de experimento amateur, comparable con películas de estudiantes de arte que todavía no saben bien qué pedo, pero definitivamente no es así. Se requiere harto talento y seguridad para lograr una película de tres horas como esta. Lynch es capaz de hacerte sentir por personajes que ciertamente, no conoces, ni siquiera tras horas de verlos en situaciones bizarras sin tener la coherencia a la que estamos acostumbrados. Es muy sorprendente la reacción emocional que obtiene del público tomando esto en cuenta (o sin tomarlo, de hecho). Y especial crédito se merece Laura Dern, la protagonista, que se entregó por completo al experimento y brinda la actuación de su carrera. No cualquiera tiene los huevos para hacer algo como lo que ella hace aquí con tanta convicción. Si los óscares fueran relevantes ella hubiera estado al menos nominada en la última entrega.

Una de las cualidades que hemos llegado a agradecer de Lynch es la belleza estética de sus películas. Artista plástico de origen y aún pintor y escultor, si algo ha tenido en su haber son hermosas combinaciones de colores, texturas y luces. Hasta las actrices son un caramelo (las chicas que aparecen aquí son suficiente razón para no quejarse de nada). Inicialmente, la reacción ante el footage de video de INLAND puede ser decepcionante. Pero miren bien lo que hace y se torna hermoso. Lynch le saca el provecho de una forma espectacular. Como él dice, la oscuridad del video le da más “espacio para soñar”. Ahora está convencido de seguir con digital por el resto de su carrera, y con experimentos como éste en puerta, no le queda de otra realmente.

Todo esto no quiere decir que INLAND EMPIRE carezca de lógica. Estoy seguro que la tiene. Lynch mismo afirma que es de vital importancia que el creador tenga una explicación para sí mismo de lo que está haciendo. No le gustan los trucos, ni las arbitrariedades. Pero no lo van a escuchar a él explicando nada en el futuro cercano. “La gente debería de sacar sus propias conclusiones”. Tal vez en una tercera, o cuarta vista yo le encuentre a algún sentido “normal”, pero no lo considero necesario. De hecho, a los cinco minutos de comenzada esta película, me di cuenta que era inútil tratar de comprender algo en el sentido usual y mejor me dejé llevar, disfrutando momento a momento, de lo que se me ofrecía. Y me resultó chingón. Sentí miedo, lástima, compasión, inquietud, risa, y otras cosas que las palabras no pueden describir del todo.

¿Es una película perfecta? No sé. Como dije, ni siquiera sé cómo juzgarla, qué parámetros tomar. Es como ver una pintura en movimiento. Sé que en la primera vista, algunas escenas (como la de la vecina que llega a tomar café) no cuajan completamente, pero mayormente sí. Mayormente me queda la sensación de haber nadado en una pesadilla hermosamente elaborada. Tal vez pudo haber sido menos larga, pero tal vez necesito volverla a ver. Y de hecho, lo haré en cuanto pueda.

Lo que sí sé es que, como obra importante dentro del que probablemente es el cineasta americano más importante de la actualidad, tal vez estemos ante un parte aguas. ¿Es este el futuro del cine? Durante más de cien años, el cine ha estado confinado mayormente a contar historias. Ha sido una variación de la literatura, o casi un prisionero. Ha habido esporádicos intentos en todo este tiempo por liberarlo, por hacerlo un medio expresivo más que narrativo, pero la naturaleza del mercado ha hecho esto muy difícil. Con la democratización de los recursos, tanto de producción, como de distribución (INLAND EMPIRE fue distribuida por internet, ningún distribuidor grande la quizo agarrar), tal vez en algunos años, con la libertad que eso implica, más y más cineastas encuentren el espacio para darle al cine nuevas dimensiones. Y nada más por eso, INLAND EMPIRE y lo que representa en todos los sentidos, me emociona mucho.

MARIHUANA PARA LOS TENSOS

2007-07-03T14:55:00.000-07:00

THE BIG ONES

2007-07-03T14:33:00.000-07:00

Muchos de los grandes cineastas, tras años o décadas de contar con cierto apoyo de la crítica y el público, deciden aventarse una película que la lógica indicaría es mejor dejar por la paz. Grandes producciones, usualmente de altos presupuestos difíciles de reunir, con frecuencia rondando o sobrepasando las 3 horas de duración, con temas “importantes” o centradas más en pintar un lienzo gigante que en simplemente contar una historia íntima. Yo las llamo “The Big Ones”, pues son proyectos gigantescos pero personales, y mi la mayoría de los cineastas que tienen reconocimiento lo intentan al menos una vez. Y puedes sentir en cada segundo que “they mean business”, que esta no es una empresa cualquiera para ellos. No siempre funcionan, pero en general al menos son fascinantes en un sentido estrictamente megalómano. Enumero algunas “from the top of my head”:

AKIRA KUROSAWA
A este wey, tal vez más que a cualquier otro, le debemos este tipo de películas. Él fue quien popularizó las películas de 3 horas cuando básicamente nadie las hacía. Su éxito le permitió sumergirse en varias durante su larga carrera, de las cuales, para mí, la que cumple más con las características de una big one es RAN, su adaptación del Rey Lear al Japón Medieval, una majestuosa épica que incidentalmente es una de las visiones más oscuras de la humanidad que se hayan plasmado en el cine. Una reflexión del siglo XX, el siglo de la luz y la oscuridad más profundas.

OLIVER STONE
Stone es otro de los que no le teme a nada, pero su proyecto más personal, el sueño de su puta vida, no fue lo que el mundo esperaba. ALEXANDER (que vi dos veces para cerciorarme de lo desatinada que fue) nomás no dio una. Como quiera, Stone ya había hecho una épica íntima y fascinante que sí está chida, sobre otro líder, éste decadente, en el 95. Se llama NIXON.

SERGIO LEONE
Hay gente, como Sergio Leone, que no sabe trabajar en pequeño. Chequen EL BUENO, EL MALO Y EL FEO, una película bastante simple pero gigantesca, para muestra. Por eso, su Big One es más big one que lo usual. Dedicado por diez años a hacerla, ONCE UPON A TIME IN AMERICA es la clase de película que ya no se hace. Larguísima, compleja, llena de detalles, y hecha con un amor que se escurre de la pantalla. Nadie intentó siquiera igualarla en Hollywood hasta el día en que el siguiente en la lista tuvo la suerte.

MARTIN SCORSESE
Por treinta años, Scorsese intentó llevar GANGS OF NEW YORK a la pantalla, y nunca se le hizo hasta que Leonardo di Caprio, con el éxito de TITANIC en la bolsa, convirtió a lo que una vez fue planteado como un “western espacial” en una película con posibilidades comerciales. GANGS no es la obra maestra que pudo ser (nunca veremos el corte original de cuatro horas que Miramax obligó a cortar), pero igual que Stone, tal vez sin proponérselo, Scorsese ya había hecho una épica bastante magistral en CASINO, y se aventó otra extraordinaria con THE AVIATOR.

LUCCINO VISCONTI
Con IL GATOPARDO, Visconti logró una de sus mejores películas, y una de las más celebradas de la historia. Tremenda meditación sobre la mortalidad a través de la historia de una familia de aristócratas enfrentando la revolución siciliana. Tiene a Burt Lancaster en el que él describió como “mi mejor trabajo”, y cuenta con una de las secuencias claves del cine moderno, la del baile en la fiesta, que dura 45 minutos, y que dice todo sin usar las palabras.

INGMAR BERGMAN
Bergman es tan brillante que toda su obra se siente fríamente calculada. Incluso cuando no te gusta la película, sabes que el tipo puso en la pantalla justo lo que quería. Con FANNY & ALEXANDER, se despedía del cine (aunque hace un par de años retornó brevemente con SARABAND, hermosa). Y como despedida fue fastuosa, larga, increíble. No cualquiera puede decidir despedirse del cine con una obra maestra, pero Bergman lo hizo. Todo en ella es perfecto.

FRANCIS FORD COPPOLA
Si por él fuera, todas sus películas serían big ones. De hecho, casi todas lo son. Ciertamente en sus créditos esta la big one por excelencia: APOCALYPSE NOW. Se necesitaba de él para que un proyecto planeado como cine de guerrilla, en 16mm, se tornara en lo que finalmente fue. Pero el resto de su obra contiene otros tantos intentos por cosas similares: EL PADRINO 2 es bastante ambiciosa, ONE FROM THE HEART, TUCKER, DRACULA...Hay muchas. De hecho, la falta de apoyo para su visión es lo que lo obligó a retirarse del cine en los últimos años (ya terminó su más reciente película pequeña), pero sigue amenazando con de alguna forma, hacer realidad su proyecto soñado, MEGALÓPOLIS. El nombre lo dice todo.

JAQUES TATI

PLAYTIME es la gran obra de Tati, una de esas películas incomparables literalmente, porque de verdad, no hay por dónde compararla. Extraña, graciosa, sin trama, sin personajes. El mundo creado por Tati, de vidrio, metal y futurismo, al servicio de sí mismo. Casi todos los que la ven coinciden en que la mejor manera de vivir esa experiencia es como originalmente se planeaba: en un cine con pantalla para 70mm. Única.

DAVID LEAN
Junto con Kurosawa, es el master de lo grandote. Todavía lo imitan, pero vean LAWRENCE DE ARABIA y se darán cuenta que casi todo palidece en comparación. Ademas, el sí logra sin problema darle igual balance a la grandiosidad de la producción con la intimidad de la historia. Es una película imposible de concebir hoy en día, un verdadero acto de fe que se haya hecho como se hizo, y ahí está. Su fama está justificada.

FEDERICO FELLINI
La épica postmoderna, aquella ubicada en una realidad cercana en vez de en tiempos pasados o imaginarios, comenzó con LA DOLCE VITA. Y Fellini básicamente se quedó en esa onda por el resto de su carrera. Sus dos verdaderas big ones, en el sentido de que su grandiosidad iguala a su contenido, son LA DOLCE VITA, la película más alegre sobre la desesperanza, y 8 ½, hasta ahora la confesión más personal que un cineasta haya puesto en la pantalla.

KUBRICK
Podría dar un sólo ejemplo, pero está claro que este wey, después de 2001, operó en la zona big one en cada película. He meant business all the way.

EL CIELO DE MISSOURI

2007-05-30T11:28:00.000-07:00

Para esa gente vacía que dice que no hay nada que valga la pena ver en U.S. and A. como si la fronteras no fueran una irrelevante invención del hombre.
http://www.missouriskies.org/rainbow/february_rainbow_2006.html

DOS AUTORITARIOS

2007-05-30T08:54:00.000-07:00

Iba a escribir un post sobre lo irónico de la situación de las televisoras tanto en México como en Venezuela, pero creo que este cartón de Helguera dice todo lo que podría yo decir al respecto.

POR NADA

2007-05-30T08:48:00.000-07:00

"Casey murió por nada... murió por un país al que le importa más quién será el próximo American Idol que saber cuántas personas morirán en los próximos meses".

La activista gringa Cindy Sheehan, (hablando de su hijo Casey, muerto en Irak en el 2004) en la carta que anuncia su retiro del movimiento pacifista por su natural malviaje ante los ataques de republicanos y demócratas por igual, y la apatía general de una cultura occidental demasiado acostumbrada a vivir y pensar como idiotas.

REGRESA dirección GRITADERO

2007-05-24T11:08:00.000-07:00

Lugar: Sala Experimental del Teatro de la Ciudad

¿Cuándo? Lunes 28 de mayo a las 7 y 9 pm.

Debo aclarar que por alguna razón el blogger alteró los colores del jpg del póster, pero como se me hizo gracioso lo dejo.

Así es. La obra que dirige mi chica la Antígona junto con Laura está de vuelta con motivo del Encuentro Estatal de Teatro. La novedad en esta ocasión es el estreno de Aly en uno de los papeles. She's hot.

Por favor dejémos de pretender que el lunes por la noche alguien tiene algo importante qué hacer y vayan a ver la obra. Cuesta 30 pinches pesos pedorros. Y va a haber tamales.

CON USTEDES: THE JOKER

2007-05-24T11:00:00.000-07:00

Heath Ledger como El Guasón

Con esta still (la primera) de cómo se va a ver El Guasón en la próxima movie de Batman de Christopher Nolan, de pronto me siento más inclinado a verla que antes. This is some scary shit. La idea de que esta vez el guasón va a ser un villano más onda oscura que payasa y que Heath Ledger se ve claramente como una nueva versión del Coronel Kurtz de Apocalypse Now pueden hacer de esta una de esas actuaciones legendarias, sobre todo con Ledger. En Brokeback Mountain su trabajo fue espectacular, parece que la idea es seguir así.

THE SHAWSKANK REDEMPTION

2007-05-22T15:34:00.000-07:00

So...Acabas de ser sentenciado a 23 días de cárcel, en teoría, porque manejaste sin permiso y bajo la influencia del alcohól; en realidad, porque eres el ejemplo viviente de una existencia vacía, sin sentido alguno, un producto mutante del capitalismo y de la cultura decadente el nuevo milenio y tu sentencia está provocando que personas que no se conocen se abracen en las calles para felicitarse. ¿Y cual es la mejor manera que se te ocurre para sutilmente demostrarle al mundo que ya estás cambiando y que tus old crazy ways son parte del pasado? ¡Pues te apareces frente a los paparazzis que te siguen a todos lados con un libro de autoayuda y una biblia bajo el brazo! ¡Claro! Ya que en el mundo moderno no hay señal más elocuente de una persona hurgando profundo en su alma y auto examinándose, que leer the big book y libros de autoayuda de Sanborns. Eso es de verdad, soul searching. Y otros lugares comunes más que desafían a la sátira.

ADIVINA LA CITA

2007-05-22T11:28:00.000-07:00

"Wanna smoke? You don't smoke, do ya? What are you, one of those fitness freaks? Go fuck yourself."

LINK

2007-05-22T11:27:00.001-07:00

Este blog me hizo reír:

http://chidoguan.blogspot.com

ÚLTIMAS CONSECUENCIAS

2007-05-22T10:36:00.000-07:00

Ya había visto la portada en un idioma parecido al ruso del dvd de BORAT y me había parecido un detalle gracioso, pero aún así no estaba preparado para la última bromita de la película: el disco en el que viene. Caí completamente cuando el domingo abrí mi copia de BORAT y me encontré con esto:
Por un momento estuve a punto de ir a pelearme a Sahari's pero entré en mis sentidos y decidí probarla ante la duda: "¿Y si así es?"...y sí, así es.

ARMA MORTAL 5

2007-05-22T09:48:00.000-07:00

Ahora que Mel Gibson es oficialmente "too old for this shit", Danny Glover se ha encontrado otro carismático egocentrista para hacer de las suyas: Hugo Chávez. El buen enemigo "del imperio" y Glover, quién es un activista famoso, se han unido para realizar una película basada en la vida de Toussaint Lovertoure, el wey que engendró el movimiento que liberó a Haití hace muchos, muchos años. De esta producción de 18 millones de dólares podemos esperar, de entrada, claras referencias de lucha por la libertad de las américas, un héroe que le vale madre el mundo con tal de lograr sus cometidos, y un imperio villanesco a la darth vader que le lava el cerébro a niños, mujeres, y esclavos.

¿Qué pensará Mel de todo esto?

EL TRASERO DE EVA LONGORIA JUGANDO VOLLEYBALL

2007-05-22T09:26:00.000-07:00

A ver si así entra más gente aquí.

TRIPAS

2007-05-15T14:52:00.000-07:00

La noticia de un "deal" bastante seguro para una trilogía de películas de Tintin, el personaje de historietas de Georges Remí, podrías ser bastante inconsecuente si no fuera por los nombres asignados a la silla de los directores. Aunque todo puede cambiar en cualquier momento, la idea de una trilogía donde la primera parte sería dirigida por Steven Spielberg y la segunda por Peter Jackson suena interesante. Al menos.

La idea es utilizar la misma tecnología con la que animaron a Gollum en El Señor de Los Anillos y así aventarse las tres, lo que implica que toda la onda puede ser trippy. Algo, visualmente, nuevo.

Por otro lado, es evidente que Steven Spielberg ya no está tan renuente a involucrarse como director en proyectos cuyo propósito primario sea hacer dinero. Dreamworks ya fue, y ahora tiene que jugar el juego como los demas, aunque sea Steven Spielberg. Su movida para dirigir la cuarta película de Indiana Jones también estuvo motivada por la lana. Lo que se dice es que para poder darle lana para hacer su película sobre Lincoln con Liam Neeson tuvo que doblarse y revivivir un personaje que la neta, es muy probable que haya sido mejor dejarlo en paz. No que no pueda sacarse algo recool de la manga.

FOR THE CHILDREN

2007-05-10T10:09:00.000-07:00

Aparentemente, Piratas del Caribe 3 dura 170 minutos. That's it. No necesito más razones. No voy a desperidicar tres horas de mi vida para ver, una vez más, a Johnny Depp "divirtiéndose". Fuck that shit. Orlando Bloom tiene el personaje más aburrido de las franquicias de la década, Geoffrey Rush, Bill Nighy, Chow Yun Fat, todos ellos grandes actores, necesitan pagar los recibos de sus mansiones y lo entiendo. La única razón de peso para ver el festival de los excesos es Keira Knightley, pero para eso está You Tube.

Personalmente, quiero a Johnny Depp de vuelta. Antes de Piratas, podías confiar en él para involucrarse en proyectos arriesgados e interesantes. Ahora hace películas "para sus hijos". Pinches güercos, arruinan todo. ¡Sí al aborto!

DE COCO A COCO

2007-05-09T09:50:00.000-07:00

En lo alto de una palmera
Platican dos cocos
Un coco le dice al otro:
“Pronto llegará nuestro momento”
“Cierto es lo que dices”, responde el otro.
Mirando el eterno paisaje,
El primer coco comenta:
“Ha sido un buen trip”
“Seguro”, asevera su compañero.
“Oh, espero ser una semilla,
Caer, hundirme, y algún día,
No muy lejano, salir de la tierra,
Y convertirme en una palmera,
Con mis propios coquitos,
Pequeños hijos de puta,
En el buen sentido de la palabra, claro”,
Dice mientras una dulce lágrima,
De coco y sabor a coco,
Se escapa por su mejilla peluda.
“Oui”, comenta su escucha,
A quien el francés le resulta
Un idioma bello y sutil.
Sintiendo el viento estremecer
Sus duros cuerpos colgantes
El más parlanchín de los dos
Siente la necesidad de aclarar algo.
“Y espero que tu sueño se cumpla,
Caer y que te partan en pedazos,
Y te vendan con limón y chile en polvo
Afuera de alguna secundaria de gobierno”.
“Grazze”, responde aquel, quien a veces
Habla italiano para no abusar del francés.
“Que al caer alguien allá abajo
Te recoja y te ponga en un vasito
Y te venda por diez pesitos”
Los temblores lo sacudieron
Todavía un poco más...
“Parece que es el momento”
Dijo el coco sentimental
“Adiós amigo...adiós”
Sin moverse demasiado
El otro coco, el más pragmático
Y frío de los dos, le dijo:
“¿Sabes qué? Eres un pendejo”
Casi cayendo, más que sorprendido,
Contestó: “¿Qué dices?”
“Un pendejo sentimental”, le dijo el otro...
“Porque todo mundo sabe
Que los únicos cocos que caen
De lo alto de una palmera
Son los que ya no sirven”
“Q-q-que?!?!?!”, alcanzó a responder
Cuando el viento lo tumbó finalmente
Y cayó y cayó y cayó hasta el suelo
Mientras su aburrido compinche
Respiraba aliviado de librarse
De su sosa y poco sofisticada compañía
Y dijo medio sonriendo:
“Eso”.

VIEJITOS CON ONDA

2007-05-09T09:12:00.000-07:00

Peter Coyote tiene razón cuando dice que la diferencia entre los 60’s y las décadas siguientes es que hoy vas a un concierto a ver a alguien “actuar” la rebeldía, y en aquel entonces de verdad estabas viendo a un rebelde en el escenario. Cuando la actitud se mimetizó con la música como producto, el rock comenzó a morir un poco. Se ha convertido en otra faceta más del mercado, una hamburguesa distinta, por decirlo de alguna forma. Hoy en día, la verdadera rebeldía es difícil de encontrar en cualquier ámbito. El conformismo es la regla, y creo que hemos llegado a una situación en que las nuevas generaciones están tan dentro del sistema que ni si quiera se dan cuenta que su rebeldía es parte del mismo. La música “rock” como género musical, no tiene nada de diferente del pop, o de la balada romántica.

Darse una vuelta por MTV es una experiencia deprimente, eso es de todos sabido, pero aún las bandas independientes, oscuras, extrañas, no pueden evitarlo, “rockear” se ha transformado en un requisito. Ves a los tipos con su ropa rockera, su peinado cool, su maquillaje en los ojos, su actitud primero que nada, su necesidad de emular lo que han visto hacer a otros por cuarenta años, lo que sus padres vieron. It’s old. Plain old. Y cuando los jóvenes suenan a viejos, la cosa es bajoneante. El deja vu se ha convertido en lo más común. Los artistas se escuchan iguales, se ven iguales, proponen lo mismo una y otra vez. Algunos son más únicos que otros, pero es raro el que sobresale como un verdadero original. A más opciones de distribución, menos probabilidades de encontrar la aguja en el pajar.

Todo esto viene a colación porque me he dado cuenta que, en los últimos tres meses, los discos que más he disfrutado son de “viejitos”. Francamente me he cansado del trip “rockero” juvenil, de la necesidad de “demostrar” frescura, del coolness antes de la música y las letras vacías y muchas veces superficiales. Probablemente sea una fase, pero es una fase que ha resultado rica. A veces, un ruco sin nada qué demostrarle al mundo se saca de la manga cosas mucho más interesantes, substanciales y finalmente, modernas, que lo que cualquier güerco puñetas podría. La paradoja es esa precisamente, que la música de los viejitos me está sonando más fresca y nueva que la de los espermas.

Ali Farka Touré nació en Malí en 1939 y murió ahí en marzo del año pasado. Miembro de la nobleza de su país, a pesar de las protestas de sus padres se enseñó a tocar la guitarra y a tocar el blues, género que tiene sus orígenes por esas regiones. Igualmente influenciado por la versión “original” de este género que por la americana, vivió feliz haciendo esto como su hobby, siempre inspirando respeto y admiración, mientras se dedicaba a lo que él consideraba su vocación: la agricultura, como granjero de arrozales. Durante los últimos años de su vida fue además alcalde de su pueblo. Ry Cooder lo “descubrió” en los noventas y le dio fama mundial, pero aún así, a pesar de probar las mieles del éxito y recorrer el mundo tocando, prefirió retornar a su país y vivir como agricultor, hasta hace un par de años, cuando se le diagnosticó cáncer en los huesos, y de pronto, el tiempo se acababa.

SAVANE, su último disco, suena exactamente como el último disco de alguien que sabe que lo es. Cuidadosamente elaborado y simple, completo. Un recorrido por África y sus raíces musicales en una mezcla unificadora de blues y algo de reggae. Toure no es un rock star. No necesita de solos espectaculares ni de presumir sus habilidades por encima de nadie. En su disco, una y otra vez se hace acompañar de coros, saxofones, harmónicas, todos luciéndose de una forma tan sutil que hipnotiza. El sentimiento es su mejor arma y lo sabe. Sientes una calma que viene con la madurez y la claridad que un adolescente no puede tener. Sus letras, que igual abarcan contenido social que mitos, leyendas y poemas sobrenaturales, te hablan de un ser humano que ha vivido lo suficiente como para aceptar con paz y dignidad el fin de su existencia. La rebeldía superficial se la deja a los chamacos. No es un disco que “rockeé” en el sentido que nuestras mentes alimentadas por medios masivos tenemos fijado, sino en el sentido profundo. SAVANE es un disco de paisajes internos. Cada sonido envuelto en virtuosismo parece estar ahí con el único objetivo de darte un poco de placer. Y finalmente, de verdad, rockea.

Desde Rumania, un grupo de caballeros de la mediana a tercera edad han demostrado que para rockear alteradamente, brincar, bailar y hacer desmadre como demente ni siquiera necesitas una guitarra. Originarios de un pueblo remoto llamado Zece Prajini (que significa literalmente “Diez Campos”), habitado por 400 personas, los doce integrantes de Fanfare Ciocarlia (una parte considerable de su población), han heredado el oficio de hacer música de sus antepasados quienes lo han hecho por generaciones. Son gitanos, y sus tataratatarabuelos les han ido pasando sus instrumentos de metales (trompetas, trombones, etc.) mismos que nunca han cambiado y que han perdido el brillo que tuvieron en algún momento hace cien años. No saben leer música, pero saben tocarla de una forma extraordinaria. Comenzaron como grupo de bodas en la región, actividad en la que, se dice, han llegado a tocar 30 horas seguidas como locos con tal de seguir la fiesta. Eventualmente, con la globalización, fueron descubiertos y llevan varios discos, de los cuales, GILI GARABDI, el último, es definitivamente el mejor. Sólo basta ponerlo para comenzar a bailar. No tienen empacho en mezclar la música balcánica con el jazz americano. Cuando se les preguntó si podría haber influencia del jazz gringo en la música de vientos balcánica, el más viejo de ellos contestó: “¿Quién puede decir que nuestros primos que emigraron a Estados Unidos no ayudaron a inventar el jazz allá?”.

El disco en cuestión es una completa fiesta desmadrosa. Se avientan desde el tema del 007 hasta una versión sabrosísima de “Caravan”. Y hay lugar para lo sublime y lento, para bailar despacito, aunque siempre volviendo a los brincos. Otra referencia extraña es lo mucho que esta música suena como el género banda de Sinaloa y el noroeste de México. Hay momentos en que literalmente parece que estamos escuchando quebradita o que va a entrar a cantar Valentín Elizalde. En su disco anterior, Baro Baio (Una Boda Internacional o algo así), ya están fuertes, pero en este último, el nivel de virtuosismo es mucho muy sorprendente. Aquí hay momentos para el lucimiento de todos, y lo único que queda es tener la esperanza de algún día poder verlos en vivo. La gente que lo ha hecho termina con los pies hechos mierda de tanto bailar, ¿Y quién no quiere acabar hecho mierda de tanto bailar?

De los discos que voy a recomendar, ESTUDANDO O PAGODE, del brasileño Tom Zé, es definitivamente el más complejo, extraño y melódico. También es mi favorito. Mi experiencia con este disco fue amor a primera oída. Hasta el día de hoy, me ha resultado imposible encontrar una traducción respetable de las letras, y aunque tengo una noción bastante clara de sobre qué trata, la verdad no es algo que inicialmente me haya importado mucho. Este tiene que ser uno de los discos más inventivos, creativos y frescos que haya escuchado en mucho tiempo. Rola tras rola, cambio de ritmo tras cambio de ritmo, acorde tras acorde, este disco es sorprendente. Tom Zé, es un ex bossanovista ex tropicalista de 70 años de edad. Un verdadero ruco. Old school. Empeñado en molestar. Su música, por toda su simpleza y pegajosidad, es elaborada hasta en el más mínimo detalle. Su disco, es una obra de arte completa, pensada, con un discurso fijo, tan divertida como intelectual.

“Yo no hago música”, dice, “hago periodismo cantado”. Se refiere a la naturaleza provocadora de sus letras, en cuyo discurso incorpora la música, los géneros y los sonidos como herramientas para la expresión de ideas que, como lo indica el título, “estudian” a la música misma, a la cultura brasileña, y en el caso de este disco, a la opresión histórica del hombre sobre la mujer. Elaborado en el formato de una opereta, dividido en tres actos, ESTUDANDO A PAGODE es un análisis lleno de ritmo, primero, del género de la pagoda, popular entre los barrios de nivel socioeconómico bajo de Brasil, caracterizado por sus letras sexistas y su visión machista del mundo, y a partir de ahí, de toda la cultura global, en la que, primero, la mujer ha sido vista como un “mal necesario” y una “bendición”, pero siempre convertida en objeto, incluso en nuestros días, en nuestra hipócrita cultura moderna, en la que la mejor herramienta de venta de cualquier cosa, ya sean frijoles, rocas o autos, es poner por ahí a una vieja bien buena en pelotas.

Sus letras son políticamente incorrectas, y hablan del machismo siendo machistas, de la opresión de la mujer oprimiéndolas, dándole a unos lo que piden poniéndoles la cáscara de plátano por debajo para que caigan. Con la ayuda de varios cantantes masculinos y femeninos, en la opereta intervienen personajes históricos, mitológicos, bíblicos y culturales del Brasil moderno. Hasta la letra de “All You Need is Love” de Los Beatles es satirizada de forma mordaz. La música, es un goloseo de guitarrazos suaves y novedosos, de percusiones y efectos auditivos modernos. Zé hace lo que un joven nunca haría: le pide ayuda a músicos más jóvenes para que su música no suene vieja. ¿Habrá güercos ahí afuera que le pidan ayuda a los rucos para que su música no suene tan banal y simplona? Incluso inventó un instrumento musical surgido de las regiones de la pagoda brasileña, hecho con las hojas del ficcus, y que hace un sonido que se podría definir como de mosquito agonizante. La ricura de este disco da para muchas muchas muchas oídas. La irreverencia es tanta que sólo un viejo podría explayarse así en ella. Nada mejor que una canción que hable del amor, y de un hombre haciendo un pacto con una mujer para lograr la igualdad de género (sin que ella intervenga nunca) para luego ser interrumpido por una que le dice: “Mangos, eres un bueno para nada”. O con el final feliz de buena vibra y amistad entre los sexos, sólo para rematar con una voz que nos recuerda que es hora de comenzar a recapitular sobre lo acontecido a la mujer en los últimos siglos, como diciendo: “nada ha terminado, nada ha empezado”.

Si a alguien le interesa escuchar alguno de estos tres discos, estaré contento de pasárselos via yousendit.com, o denme un cd y se los quemo.

LOS IDIOTAS

2007-05-02T09:18:00.000-07:00

La verdadera historia detrás del "comeback" de Britney Spears hace un par de noches en el House of Blues de San Diego, en donde "performeó" por primera vez en años, el verdadero asunto revelador, si podemos llamarle así, no es lo patético de su actuación, que apenas duró 15 minutos de lip synch, ni su lastimosa y evidente necesidad de atención, o el vestuario de stripper de la Zota 2000, o la pancita y llantitas que la hacen ver francamente ridícula intentando verse sexy. Tampoco es su peluca. Lo realmente espeluznante de todo este desagradable espectáculo es digerir la idea, el simple pensamiento, de que hubo una cantidad considerable de personas (o donadores cerebrales), que tuvieron la disposición para deshacerse de 125 dóalres de su dinero para verla. Así es. 125 dólares. En momentos así, es necesario hacer una pausa en nuestras vidas diarias y pensar detenidamente en nuestro lugar y propósito en el universo. Ver a nuestro alrededor y considerar las posibilidades que nos ofrece el entorno. Esto es lo que hemos logrado. Este es el tipo de caca en la que estamos metidos. Vivimos en un entorno en el que personas supuestamente de inteligencia normal, con estudios y preparación, pobladores de un país poderoso, y de un nivel económico que da para lujos y cosas buenas de la vida, está dispuesta a invertir las ganancias que cuestan más que simple trabajo en

esto. Peor aún, los asistentes pagaron 125 dólares por adelantado debido a "un rumor" de que Britney estaría ahí. Ni siquiera era cosa segura. Tras el evento, es decir, tras 20 minutos, la mayoría de estos pobres idiotas "se mostraron decepcionados". Y yo me alegro, francamente. Gente que paga 125 dólares por ver a Britney Spears, merece que la decepción sea la constante de su vida. No es algo personal contra Britney, pero a estas alturas, todos sabemos que no hay nada, NADA, que ver ahí, ni qué escuchar, ni qué absorber. La vida está llena de placeres que enriquecen el espíritu, y sin embargo, hay miles de personas ahí afuera que prefieren comer caca con sal todos los días, y quedarse en la ruina económica en el camino. Si una persona considera razonable, sensato, lógico, aceptable en los términos de nuestra existencia, soltar si quiera diez dólares por una farsa motivada por el morbo, su vida es un triste e interminable malviaje. No puede ser de otra forma, no puede ser realmente divertido ni interesante estar dentro de ese cerébro. Es un inválido mental. Sí, puede ser duro lo que estoy diciendo, pero no me importa. Esto no es un trip de "cada quién sabe lo que hace" o "para todo hay gustos". Esta es una clara situación de gente viviendo en la mierda y contenta con ello. Esto sería deprimente si no fuera porque es tan gracioso. Britney no es el bufón aquí, de todos modos. Ella cobró por eso, es millonaria, pued estar desesperada y calva, alterada y confundida, pero ella ríe al último. Los fans, de ella y de todos esos pequeños artistas chafirules, de los RBDs, Paulina Rubios, Lindsay Lohans, Paris Hiltons del mundo, ellos son verdaderamente patéticos. Lo siento mucho, pero están más allá de cualquier ayuda razonable. Me parece pertinente burlarnos abiertamente de ellos. De todos modos, no se dan cuenta.

DRAMA/MEX

2007-04-24T16:32:00.000-07:00

A pesar de los medio patéticos intentos por hacer un cine “comercial” en México (vease Niñas Mal, Cañitas y ese tipo de caquitas), el cine mexicano anda de rush con las propuestas más arriesgadas o si no tan arriesgadas, al menos honestas. Me caga la madre, honestamente, esta oleada de gente que sin haberse fumado aunque sea una movie de Fellini o Bergman quieran hacer cine “de taquilla” con el género del horror y la comedia y pretender que todo va a salir bien porque el cine se puede hacer con formulitas. La dura realidad es que las formulitas a veces funcionan en las medicinas pero no en muchas otras cosas, y menos en el arte. Independientemente de eso, el cine mexicano respira cuando las propuestas parten de una idiosincrasia nacional, tan amplia como esta puede ser, y no cuando parten de las mentes de personas que andan viendo como hacerle pa “vivir del cine”, concepto que, como es sabido, sólo algunos han sabido maniobrar, y yo me atrevería a decir, sólo algunos han tenido la suerte de tropezarse con....

DRAMAMEX es una joyita. Un experimento buena onda por el que sin duda alguna vale más la pena pagar 45 pesos que por Niñas Mal, Prueba de Fé, 300 y cuanta otra Cajita Feliz anden poniendo en los cines en la siempre deprimente época de abril. Es una no historia, de no personajes, en no situaciones, en un no país. Tan abierta es, que cualquiera puede sacar felizmente sus conclusiones sin sentir que es un pendejo que no le entendió a la película.

Y eso está bien chido. Tal vez el crowd que llena las salas de Rebeldes con Causa y Norbit no lo entendería, pero este es el tipo de películas que te recuerdan las infinitas posibilidades del cine, aunque sea en chiquito, o con recursos limitados.

Ubicada en Acapulco, lo cual le da un toque bastante gracioso a todo el asunto, DRAMAMEX es como asomarte de una manera voeyoeuristica a un día en la vida de tres personajes que pueden ser intensos o estúpidos, pero nunca aburridos, a menos que tú seas aburrido...Tres personajes: un viejo harto de su vida de oficinista, una buenona que no sabe si andar con el novio bueno menso o el novio malo pendejo, y una verdadera prostituta de corazón de oro, como hace mucho no se ve en el cine. Todos deambulando libremente en el universo costeño, igualmente feliz que deprimente de una película que se siente fresca hasta en los movimientos de cámara, todos en mano, todos libres.

Las actuaciones, por lo mismo de la libertad, pueden ser irregulares. No todos cumplen a la altura, pero la naturalidad compensa la falta de rigor y acaba siendo todo un universo coherente en cuanto a estética y discurso.

Lo más chido de DRAMAMEX es su renuencia a concluir con algo definitivo. Esto puede sonar primitivo, pero todavía hay un mundo de gente ahí afuera que insiste en que las películas, a huevo, tienen que tener un final, pero como dijo el gran Robert Altman: “el único verdadero final es la muerte”. Así que, sin decir demasiado, para no arruinar las sorpresas, y porque DRAMAMEX es una movie que no requiere de sinopsis, que se mueve como el agua y se disfruta como la playa, ir a verla es un regalito, es el regalito de navidad que no creías que te iban a dar, mucho menos con tanto juguete lujoso y tonto al lado. Grazze.

ADIOS AL MITO BÉLICO

2007-04-24T16:04:00.000-07:00

El gran dilema del cine de guerra ha sido: ¿Cómo comunicar un mensaje anti-guerra sin retratar a la guerra como algo atractivo? No importa lo desagradable, tensionante, espantosa que pueda ser la guerra, el cine no puede evitar embellecerla, ya sea haciéndola espectacular, alucinante, adrenalínica, o haciéndola la ocasión perfecta para momentos de heroísmo, iluminación, descubrimiento interno, catarsis.

Clint Eastwood, creo, lo logró. Entre su doble entrega de FLAGS OF OUR FATHERS (La Conquista del Honor) y LETTERS FROM IWO JIMA por fin, ha llevado al cine la completa y total desmitificación de la guerra. Por primera vez, una película de guerra (dos en este caso) admite, elocuentemente, que no hay nada que haga que pelear una guerra valga la pena. Ni el honor, ni el dinero, ni siquiera la defensa propia. La guerra es la muerte de todo lo que sí vale la pena, entregarse a ella es perderlo todo aunque seas ganador. Este mensajito puede sonar predecible y mamón, pero basta con sólo considerar las películas bélicas de los últimos años para darse cuenta lo difícil que es verdaderamente comprometerse con esa filosofía.

Las dos películas de Eastwood son un logro desigual. FLAGS inicia muy bien, con un tremendo cinismo en el que pareciera que hasta se burlan de las películas “heroicas” como SAVING PRIVATE RYAN. Los soldados que aparecen en la foto histórica que luego se convirtió en estatua, poniendo la bandera gringa en Iwo Jima, ni siquiera están seguros de ser los mismos que aparecen en la fotografía. La hipocresía de la guerra en los altos mandos casi parece de comedia. El dolor de los soldados acentúa la futilidad de su heroísmo. Desgraciadamente, tiene tres protagonistas de los cuales solo uno realmente es un personaje. Ryan Phillipe y Ben Chaplin no tienen absolutamente nada qué hacer. Sus personajes son tan equis que ni me acuerdo qué pedo con ellos en toda la película. Además, los últimos veinte minutos todo se viene abajo, con una narración en off que explica lo que se debió de mostrar con acciones y el cambio de tono, del fresco cinismo inicial, al cansado, aburrido, been there done that trip de que los soldados pelean por sus compañeros, blablabla....Lástima.

Sin embargo, LETTERS es una obra maestra. Fácilmente la mejor película de Eastwood. Va más allá de ser simplemente una película de la segunda guerra mundial en iwo jima, es tan extraña que parece japonesa, no gringa. Al contar la historia desde el lado de “los perdedores”, con un ejército esperando la derrota sin manera de escapar, con el escenario de la isla volcánica de tierra gris y soldados atrapados en cuevas, la sensación de ahogo es tal que se convierte en una especie de poema de la muerte. Más que ninguna otra película que recuerde, LETTERS logra retratar a la guerra como algo “feo”, gris, sin mucho chiste, sin ninguna cualidad redentora. Eastwood, un hombre que va para los 80 años de edad, no siente necesidad de justificar la guerra, la ve como lo que es, un ejercicio en sinsentido. Es tan persuasivo en su discurso, que ni siquiera la idea final de que las experiencias de guerra sirven para dar testimonio de que cosas terribles como esas han sucedido, logran sacudir la sensación constante de que no hay nada más inútil que la acción de destruirse unos a otros. Sólo la he visto una vez como para analizarla con más detalle, pero es una gran obra, que poco a poco irá ganando terreno y muy probablemente, termine siendo más celebrada que cualquiera de las otras películas nomindas al Oscar este año.

POR LA VIDA (Cartones de www.jornada.unam.mx)

2007-04-24T15:40:00.000-07:00

No quiero externderme demasiado en un tema que francamente no lo amerita, pero lo que ha sucedido estos últimos días con el asunto de la iglesia, el aborto y el gobierno del DF es asqueroso. Cualquier ser humano consciente de la situación actual sabe perfectamente bien que la iglesia católica, problemente por encima de cualquier otra institución religiosa, NO TIENE LA AUTORIDAD MORAL para hablar de posturas a favor de la vida o en contra de ella. Ninguna otra institución en la historia de nuestro planeta se ha especializado de una forma tan descarada de derramar sangre humana en favor de su poder, ya sea institución política, económica, comercial, artística o de cualquier otra índole.

La franca ironía, o mejor dicho el franco cinismo con el que la institución católica manipula las cuestiones de fe para satisfacer sus posturas políticas y viceversa es algo preocupante, y no menos lo es la tenebrosa y altamente cuestionable relación cercana entre el PAN y la misma. México es, a pesar de las necedades de muchos, un estado laico donde supuestamente la cuestión religiosa queda fuera de la ecuación en materia de ley y en los últimos días, desde que Calderón es presidente, parece que la línea divisoria entre lo que le corresponde al estado y lo que le corresponde a la iglesia se pone borrosa. Es absurdo, es muy penoso además, que la gente escuche a "defensores de la vida" que encubren a pederastas, gastan el dinero obtenido de forma fraudulenta en tangas, y se dedican a enaltecer el legado cultural de nuestro país de formas patéticas, como el pendejo de Eduardo Verastegui, quien probablemente, le hace más daño que bien a su causa, pues como nunca ha dicho una sola cosa inteligente en su vida, no tenemos por qué pensar lo contrario ahora que se declara "en contra del aborto".

Lo peor es pensar que esta luchita por una pinche ley pedorra para legalizar el aborto sea algo tan importante. ¿Problema ético? Seguro. ¿Dilema moral? Por supuesto. ¿Decisión facil? Para nada. Pero no tiene por qué ser cuestión de partidos políticos, como sucede con el evidentemente retrogrado PAN. ¿Qué pedo con el PAN? ¿De verdad este es el gobierno que queremos? ¿Una bola de moralinos hipócritas que prefieren preocuparse de si al aborto es legal o no por cuestiones religiosas ante problemas de verdad importantes como el hambre, la pobreza y la corrupción en todas las esferas de la autoridad nacional? ¿Empeñados en "erradicar" cosas inerradicables como el aborto y las drogas? Me parece que estos no temas y no asuntos les sirven para distraer a la opinión pública mientras los verdaderos temas y los verdaderos asuntos importantes se quedan olvidados.

Mi opinión personal es que el aborto es una decisión que, por lo difícil, dura, complicada que es, no debe quedar en manos de simplistas que ven la vida en blanco y negro, sino de la persona que se lo va a hacer. Es tan simple como eso. Manifestarse en una postura "a favor de la vida", es de verdad una broma macabra tomando en cuenta el estado de las cosas, el modo de vida, el discurso ideológico que puebla nuestra era. ¿Y qué es estar a favor de la vida? Puedo decir con certeza que la filosofía de "que nazcan todos los que nos manden" no es estar a favor de la vida, puesto que ha contribuido a un problema de sobrepoblación, falta de recursos, deterioramiento del ecosistema y miles de otros problemas que se podrían controlar con un control natal verdadero.

Los abortos son una realidad desde hace miles de años. Nunca ha importado si son legales o ilegales, ni tampoco va a importar ahora. Las chicas seguiran abortando si lo creen necesario, o si sienten que es lo que deben hacer. Podríamos intentar que ellas tampoco murieran en el intento, pero es es demasiado para los católicos, quienes cada vez más, me convenzo, no entienden ni su propia fe.

BEATLEJUICE

2007-04-19T11:30:00.000-07:00

MOVIES

2007-04-03T13:02:00.000-07:00

THE BLACK DAHLIA, de Brian de Palma
Una película que como base real utiliza uno de los crímenes no resueltos más infames de la historia de Hollywood, no debería de apoyarse, mucho menos construirse alrededor de un triángulo amoroso ficticio que se vuelve tedioso, aburrido y frío. El trabajo detallado de dirección de arte, fotografía, vestuario y todo lo demás, incluyendo la habilidad de Brian de Palma para elaborar complejas secuencias de acción y suspenso, no salvan a esta película de que se siente demasiado larga y de su resolución, tan rebuscada que para cuando llegan a ella, ya no te importa.

WHY WE FIGHT, de Andrew Jarecki
Una de las razones por las que los documentales tienen hoy más éxito que nunca es porque ya no es un requisito ser completamente objetivo. Tras finalmente reconocer que la objetividad en el arte no existe, y tras el triunfo de Michael Moore, ahora es común que una película documental sea abierta y transparente respecto a su agenda. La gente tiene una manera más fácil de identificarse o no identificarse con un discurso, y sentir que tal o cual documental, “va dirigido” a personas como ellos mismos. Eso no quiere decir que todos sean igual de poderosos que una visión como Bowling For Columbine. WHY WE FIGHT, parte del discurso de despedida de Eisenhower para armar una liga con el mundo actual en lo que él se refiere como el complejo militar industrial. A pesar de todos sus fascinantes testimonios, y su enorme capacidad para ser entretenido e interesante en todo momento, la película es tan persuasiva que acaba sintiéndose más como un panfleto que como un documento de análisis. El problema es que ni siquiera está intentando serlo. Sin embargo, como fuente de datos, para luego uno en soledad, reflexionar sobre sus fines y advertencias, es de lo mejor que hay por ahí actualmente.

AN INCONVINIENT TRUTH, de Davis Guggenheim
La ganadora del Oscar con Al Gore tiene el mismo defecto que la anterior. Pero con más notoriedad. Por un lado, es un elocuente documental sobre el calentamiento global, que cumple con su cometido de crear la sensación de querer hacer algo al respecto. Por el otro, parece un panfleto político para Al Gore. Al ver esta película no puedes evitar pensar que el tipo quiere ser presidente otra vez. Lo que me molesta no es que sea presidente, sino que use una película sobre calentamiento global para fortalecer sus chances políticas. De esta forma, siento que la película se balconea sola, pues con esas armas, cualquiera de esos individuos brillantes que dicen que el calentamiento global no es más que una invención, tienen algo más de que quejarse.

LÉNFANT, de Los Hermanos Dardenne
Los Hermanos Dardenne tienen un estilo sobrio pero imposible de ignorar. Buscan crear la ilusión de completa objetividad, de observar más que narrar o controlar como creadores, el destino de sus personajes. La cámara siempre está a una distancia lo suficientemente larga como para nunca sentir la intimidad requerida por un personaje para identificarse con él. Su protagonista es la clase de persona más temible, un ser incapaz de sentir amor e incapaz de darlo a cualquier persona. La cámara lo sigue como un espía, y el resultado es una película fascinante. El audio de la “vida diaria” se convierte en piedra angular tanto como las imágenes. Los actores están perfectos. De todos modos, la historia general se desarrolla de una forma bastante predecible, y todo el tiempo me estuvo recordando específicamente a Sweet & Lowdown, de Woody Allen, que maneja más o menos un personaje central parecido en su inhumanidad. Cuando llegó el final, pensé que me gustaría ver las dos películas seguidas. La película está chida, pero no creo que lo suficiente como para ganarle el Premio de Cannes a History of Violence...

LA MUERTE DEL SR. LAZARESCU, de
Estoy seguro que es culpa de los traductores del DVD que una película que se anuncia en su propia caja como “la mejor comedia negra” del año haya sido para mí, una experiencia poderosa pero deprimente, triste, con esporádicos casi inexistentes brotes de humor. Tengo entendido que en el rumano, su idioma original, todo es de risa loca. Pues habrá que esperar algunos años tal vez para que alguien la traduzca bien. Por lo pronto, es de todos modos altamente recomendable, con una frialdad y una atención clínica a cada método y detalle de la noche en que un hombre llama a una ambulancia y su largo, tortuoso camino en la agonía de no poder ser aceptado en ningún hospital hasta su muerte, que funciona tan bien como cine de denuncia que como exploración casi biológica de la muerte del cuerpo humano.

SCOOP, de Woody Allen
Woody Allen es una máquina. Año tras año, de forma puntual, desde hace como 40, una película. A veces dos. No acaba una cuando ya está preparando la otra. Tiene 70 años. Y la verdad está en tremenda forma. Yo pensaba que Scoop iba a ser algún tipo de desastre como Anything Else, pero me reí más que con cualquier película de Allen en años. Sólo él puede hacer funcionar líneas como “Ese hombre es un mentiroso y un asesino, y lo digo con todo respeto”. Si bien Scarlett Johansonn y Hugh Jackman están a la altura, cada vez que Woody está en escena controla la controla completamente. Increíble que a los 70 años, sigue teniendo la misma capacidad de roba escenas de siempre. Espero que llegue a los 100.

DREAMGIRLS, de Bill Condon
Otro musical sobreestimado, fabricado con los óscares en mente, con todo de lujo menos la pasión. La neta bastante aburrido. Las cosas suceden sin ningún tipo de aviso o confrontamiento lógico, se ganchan de la idea de que es un musical para dejar que las canciones arreglen con un cambio de ritmo lo que en realidad debería resolverse con acciones consecuentes a la historia. Las canciones duran demasiado y sin excepción, todas acaban repitiendo la misma estrofa una y otra vez para que las voces se “luzcan” y te dan ganas de irte. Eddie Murphy es divertido pero cada vez que parece va a tener un verdadero buen momento para lucirse como actor, la película cambia su enfoque a otra cosa. Después de un rato, me di cuenta que lo mejor que podía hacer era ver a Beyonce.

PERFUME STORY OF A MURDERER, de Tom Tykwer
El libro que se consideraba infilmable resulta ser una película bastante cool. Una reinvención de la “película de época”, en gran parte debido a las intenciones oscuras que conlleva la historia de Grenouille. Imposible comparar entre el libro y la película. Es en casos como estos, precisamente, donde no tiene caso hacer una comparación así. La película funciona perfectamente como película. El libro como libro. La secuencia final es uno de los mejores momentos del cine del 2006.

THE PURSUIT OF HAPPYNESS, de
La que yo llamo “the poor will smith movie”. La peor clase de película, que utiliza la pobreza para dar un “mensaje” sobre la “lucha” del “hombre común”, ignorando de paso el cinismo básico de basar la idea de felicidad alrededor del dinero, de medir el éxito por el mismo, y de hacerse de la vista gorda respecto a las causas de una situación social grave como la pobreza económica. Cada extravagancia malviajante le sucede a Will Smith en esta película, sin que por un momento se cuestione cómo es que llegó ahí en primer lugar, ya sea por sus propias acciones, o por las ajenas (del gobierno, de su entorno). Con un lenguaje cinematográfico que le tira al neorrealismo, con cámara en mano, encuadres y colores “gritty”, pero con un discurso vacío que enaltece la idea caníbal del capitalismo de que cualquiera puede salir de pobre nomás con que trabaje, y que el que no es por huevón. Cuando Vittorio de Sica hizo El Ladrón de Bicicletas y Umberto D., estaba tratando de estudiar la Europa de la Posguerra, no solo de de retratar la lucha del hombre común. Aquí, no hay nada. Excepto el masturbatorio placer que puede dar ver a un hombre sufrir las situaciones más crueles y salir de ellas librado como un millonario.

TAMBIÉN LOS ENANOS COMENZARON PEQUEÑOS, de Werner Herzog
Muchos artistas son “raros” nomás por ser raros. Sus excentricidades, dentro y fuera de su obra, son más parte de un performance que otra cosa. Werner Herzog no es un excéntrico por convicción, sino un excéntrico debido a sus convicciones. Nada le parece demasiado extraño. Y aquí tenemos uno de sus numeritos más perturbadores, cómicos y provocadores. Una película acerca de una rebelión de enanos, contra los que los cuidan, otros enanos. Una tras otra, las absurdas escenas desafían las percepciones y la paciencia. Pero nunca deja de ser inquietante.

LA SCIENCE DE REVES, de Michel Gondry
Lo siento, pero me aburrí un chingo con esta película. Nunca terminé de interesarme por lo que estaba sucediendo. Aunque visualmente nunca deja de ser un espectáculo, no pasa de ahí. El humor me pareció soso. Honestamente creo que un actor como Jim Carrey le saca más provecho al tipo de visión caricaturesca que implica estar en una película de Michel Gondry, pero nadie más desatinado que él mismo en esta ocasión. Si va a hacer una película mayormente en inglés debería de aceptar que alguien que domine el idioma le haga los diálogos, al menos.

HALF NELSON, de
Una de las mejores movies del 2006. Comparada con la honestidad y brutalidad de esta película con su personaje principal y su entorno social, la artificialidad desvergonzada de la “poor will smith movie” parece una comedia de “buddys”. Un maestro de historia en secundaria, inteligente y preocupado socialmente, adicto al crack. Un retrato duro de Estados Unidos post 9/11, envuelto en Irak, desmoronándose por dentro y destruyendo por fuera. Ryan Gosling en una actuación de poca madre que pone todo su de por sí ya excelente trabajo en “The Believer”, “The Notebook”, etc., en una nueva perspectiva. Tiene algunos de los momentos más emocionalmente devastadores en mucho tiempo.

MOLOCH, de Aleksandr Sokurov
Otra representación de Hitler en sus últimos días, igual que LA CAÍDA. Pero Sokurov elige una realidad alterada, completamente teatral, representacional, a momentos cómica y excesiva. Da la sensación de estar viendo un sueño o una pesadilla, de estar más en el estado de ánimo de un loco que observándolo de fuera. Todo muy chido. Excepto el ritmo casi moribundo y los largos ratos donde nada realmente interesante sucede. A pesar de sus defectos, vale la pena conocer el experimento.

LADY VENGEANCE, de Park Chan WookLa segunda parte de la “trilogía de venganza” que inicia con “Simpatía por el Señor Venganza” y termina con “Oldboy”, es otra obra maestra. De hecho, es mucho mejor que Oldboy, y eso es decir algo. Un cine nuevo, fuerte, operático, de factura de primer mundo. Cuando ves películas así sientes que estás viendo el futuro. Nuestros tiempos encapsulados en visiones psicodélicas y estridentes. Los humanos como arquetipos, la civilización, aún salvaje en sus cimientos, imposibles de ignorar cuando los impulsos más primitivos se utilizan para satisfacer los más desarrollados. Lady Vengance tiene un sentido del humor que se siente derivado, tanto visual como actoralmente, del cine de Wes Anderson. Es una combinación extraña que acaba por funcionar.

MARIE ANTOINETTE, de Sofia Coppola
Con esta película, Coppola no sólo crece enormemente tanto en narrativa como en el nivel de perfección técnica logrado, sino que se reconfirma como una visión única, con un estilo que evoluciona a lugares cada vez más interesantes. Esta es una producción hecha con elegancia y delicadeza, se nota hasta en el más mínimo detalle. Es como un enorme pastel. Coppola logra tejer la historia de la villana favorita de Francia alrededor de una sensación juvenil y de inocencia. Abandona la idea de hacer un retrato político y decide hacer uno puramente femenino, íntimo, que a propósito deja fuera la influencia externa que de pronto se aparece en la forma de una turba lista para hacer lo que sea. Dunst está perfecta en el papel, igual que el resto de los actores, el vestuario, la fotografía y cada uno de los aspectos técnicos. Si bien su idiosincracia puede resultar incomprensible para muchos, especialmente para gente de generaciones más arriba, para las nuevas sensibilidades no es nada difícil entender la realidad presentaba de una forma tan ligada a la intimidad donde todos somos tan parecidos.

BLOOD DIAMOND, de Edward Zwick
Blood Diamond no sabe si ser una película dura y desgarradora sobre la comercialización ilegal de diamantes o una movie hollywoodense de aventuras y acción donde una mujer como Jennifer Connelly puede andar en shorts en la selva de Tanzania sin ser violada por los ejércitos de la guerrilla. Cree que puede ser ambas. Cree que puede mostrar escenas de violencia cien por ciento realistas con asesinatos de niños por niños y pasar inmediatamente a una de seducción entre los dos actores bellos, Leonardo di Caprio y Jennifer Connelly, en las que sus ojos azules y sus pieles bronceadas hacen que se te olvide que acabas de ver como masacran una aldea, para luego, ser interrumpidos por alguna explosión y comenzar de nuevo la acción; este patrón se repite toda la película, y se vuelve más una artimaña del guión para no lidiar con las consecuencias de la historia que un recurso orgánicamente surgido de la dirección de la misma. DiCaprio y Djimon Hounsu levantan el material con sus excelentes actuaciones. DiCaprio siempre ha sido un actorazo, pero sus trabajos en los últimos años son de verdad dignos de recordarse. Es una lástima que la visión siempre superficial y facilona de Edward Zwick se interponga en el camino para hacer una película que trate al tema con la seriedad que se merece, y no con franco oportunismo. Las intenciones son buenas, pero le falta.

NOTES ON A SCANDAL, de Richard Eyre
Si los estudios tuvieran los huevos, todas las películas comerciales serían así. Material arriesgado pero dulcificado con los ingredientes propios de un thriller tipo atracción fatal, coronado con el trabajo espectacular, neta que simplemente espectacular, de dos de las mejores actrices actualmente. Era cosa de dejar que Judi Dench y Cate Blanchett hicieran lo suyo para que una película retorcida, oscura, divertida y sexualmente tensa como Notes on a Scandal funcionara. Hay un placer extraño que da toda la película, simplemente de verlas actuar, decir sus líneas, adueñarse de la pantalla. Constantemente robándose una a otra la cámara, apoyadas por un impecable cuadro de actores de reparto. La música de Phillip Glass, una vez más es la cereza en un pastel bellamente fotografiado y cuidadosamente diseñado para ser tan entretenido como sea posible. Además, usa la brevedad como su mejor arma.

JESUS CAMP, de
Honestamente, Jesus Camp es la mejor película de terror que he visto en mucho tiempo. Es un documental de terror. Tal vez haya quien no concuerde conmigo. Tal vez haya quien piense que ver a niños de 11 años llorando por “sentir a Jesús dentro de ellos”, hablando en lenguas, convencidos de tener la verdad en su boca, no sea terror. Una verdad que incluye que todos los que no crean en Jesús son sus enemigos, que el calentamiento global es un mito, que la teoría de la evolución debería enseñarse en las escuelas solo si se enseña el “creacionismo”, y que no importa lo que el ser humano le haga al planeta pues, Jesús nos salvará y por eso hay que aprovechar los recursos que nos dé. Estuve tan perturbado mientras veía Jesus Camp que aún días después me es difícil comprender la humanidad básica de los pequeños robots que pueblan el elenco de esta película. Es una experiencia bastante fuerte. Lástima que, unas escenas con un periodista radial cristiano se sienten forzadas como contrapunto de vista, y fracasan en su intento de contrarrestar la falta de conflicto en la película. De hecho, hubiera sido mucho más poderosa si nos hubieran mantenido todo el tiempo sólo desde la perspectiva de los cristianos radicales que buscan “recuperar América para Jesús”.

TIDELAND, de Terry Gilliam
Esta película es el tipo de desastre que solo alguien con la creatividad de Terry Gilliam podría hacer. Gilliam es el ejemplo primario del director que ha batallado tanto para hacer cada una de sus películas que a veces me pregunto de donde saca la fuerza para seguir dedicándose a esto. Todas sus películas han implicado fuertes batallas ideológicas entre él y la gente de Hollywood que las financía. En otras ocasiones, todo parece salirle mal, como se muestra en el documental Lost in la Mancha, el making of de su frustrado intento por filmar El Quijote, en donde hasta la lluvia se le aparece para llevarse las cámaras en una inundación. A mi parecer, ha luchado tanto de una forma tan absurda que ya no toma en serio recomendación alguna y se apega a “su vision” de una forma necia que da como resultado malviajes como Tideland. La diferencia entre el Terry Gilliam de mediados de los ochenta y noventa con el de ahora es que antes sus películas sí estaban chidas (Brazil, Las Aventuras del Barón Manchausen, 12 Monos) y de un tiempo para acá, en realidad no (Fear and Loathing in Las Vegas, Hermanos Grimm). TIDELAND tiene una idea inicial que parece hecha a la medida de su director: una niña con una madre alcohólica que la odia y un padre rockero adicto a la heroína se queda sola cuando los dos mueren de sobredosis y comienza a imaginar un mundo de fantasía en el que vive aventuras tipo Alicia en el País de las Maravillas onda dark, onda Gilliam. Jennifer Tilly, como la madre, genial, y Jeff Bridges, luciéndose como el padre, terminan siendo los puntos más cool de este desmadre. La excesiva estridencia de la propuesta visual y estética, y la incapacidad de Gilliam para restringirse un poco en su afán por hacer de cada toma “un trip” la vuelven casi insoportable. Después de todos estos años, sigue empeñado en usar solo lentes angulares en todas las tomas, aún cuando no son necesarios, y aunque supuestamente la película está narrada desde el punto de vista de la niña, es imposible de tomar en serio tal afirmación pues, no hay otro punto de vista en una película de Terry Gilliam más que el de Terry Gilliam. Aunque tiene sus momentos, TIDELAND no es un viaje que me volvería a aventar, como sucedió con todas las películas de Gilliam desde 12 Monos.

THE PRESTIGE, de Christopher Nolan
Christopher Nolan se está convirtiendo en el arquetipo del cineasta moderno. Virtuoso, adaptable, capaz de entregarse de igual forma y sacarles resultados brillantes a proyectos tan distintos como Memento, Insomnia y Batman Begins. Una extraña mezcla entre ateur y director de oficio al que se le puede confiar una franquicia, sin que eso signifique que abandone proyectos personales como THE PRESTIGE. Esta película realizada en el inter entre el primer Batman y el que viene, tiene toda la crema que se le pueda echar a unos tacos. Como Memento, es una historia compleja, rebuscada, pero se hace fácil de seguir gracias al empeño del director y a unos actores entregados por completo a la ficción. THE PRESTIGE no se trata de nada realmente. Es otro juego de astucias como MEMENTO, en el que lo interesante es la forma, visual y auditiva, en que todo se desarrolla. Es otro ejemplo de cómo, idealmente, debería ser el cine comercial. Ver algo completamente consciente de que es una película, al tanto del artificio (el nivel técnico es otra cosa), y al mismo tiempo creerte tanto la ficción que estés verdaderamente entretenido por dos horas con una historia que constantemente cambia de rumbo y sorprende.

THE LAST KING OF SCOTLAND, de Kevin McDonald
Tal vez pase tiempo para que el cine internacional aprenda que una película sobre África debe intentar ser menos occidental. No es chido que la historia de ese continente esté siendo reducida a semi cintas de acción con música de orquesta y protagonistas blancos cínicos. De todos modos, esta movie tiene algo enorme a su favor y que minimiza cualquier defecto: Forest Withaker. Este es el tipo de actuación histórica que hace que actores negros, gordos y feos como Withaker terminen ganando óscares. Cada vez que el tipo aparece en la pantalla es electrizante. Nada más por él, esta es una película que no se puede perder.

CULTURA DE GENIOS

2007-02-12T18:58:00.000-08:00

La palabra “genio” ha sido tan sobreusada que se ha convertido en una molestia. Especialmente entre los artistas. Hoy en día, está cabrón conocer a un escritor, cineasta, músico, pintor que no se refiera a alguno de sus colegas contemporáneos como “genio”. No se bien a que se deba esto. Puede ser a la necesidad interna del individuo de sentirse parte de algo importante, al anhelo de reconocer en nuestro tiempo y lugar, en nuestras cercanías, algo valioso. ¿Y cómo definir a un genio? ¿En qué consiste, realmente, ser genial? ¿Hay categorías? ¿Niveles? ¿Clases o tipos? ¿Es lo mismo un genio que un virtuoso? ¿Cual es la cualidad, la chispa que hace sea más que simplemente notable? ¿Que sea genial?

Si es difícil decidir esto en los términos puramente cuantitativos de las ciencias exactas, en el arte se convierte en una pesadilla. ¿Cómo lo juzgas? Usando una escala, se podría decir que para genios, Leonardo da Vinci. Y de ahí para abajo. Si Mozart era un genio, ¿John Lennon era un genio? ¿Se pueden comparar? Honestamente no lo sé. El término se ha usado tanto, que al menos una vez al mes leo sobre alguien que es un genio. Pero si todos son genios, entonces nadie es genio.

Menciono todo esto porque en THE DEVIL AND DANIEL JOHNSTON, el documental que cuenta la bizarra y triste historia del músico de culto americano, más de uno se refiere a él como un genio. Un genio musical que, sin embargo, nunca pudo aprender a tocar la guitarra decentemente. Pero eso nunca lo detuvo. Tampoco significa que el tipo no haya hecho, en sus propios términos limitados, música tan de corazón, tan cruda en su expresión emocional, que haya logrado el éxito y rebasado sus defectos. Si la música es mayormente sentimientos, él supo como explotarlo.

No quisiera entrar en detalles sobre la vida de Daniel Johnston, para eso está la película. Basta con mencionar lo más importante: un chico muy imaginativo y altamente creativo de USA decide ser “artista” y lo logra por pura convicción, pero una combinación de su enfermedad mental, sus demonios personales y el abuso de drogas lo llevan casi a la perdición total, no sin antes convertirse en artista de culto para gente como Kurt Cobain, Sonic Youth y Beck, así como otros miles de fans alrededor del mundo. En el proceso, casi destruye a su familia, su manager y a sí mismo.

Las razones de su éxito pueden ser muchas. Además de su determinación, está la suerte y el apoyo incondicional de otros. Y claro, su música y arte gráfico, que sólo se pueden calificar de “originales”. Sí, el tipo no sabe tocar la guitarra, pero sí sabe lo suficiente de música como para tocar bastante bien el piano, aunque se niega a hacerlo. Las canciones de sus letras podrían ser tomadas como enormes bromas de no ser por el crudo sentimiento y sinceridad que las acompañan. Su estilo musical es un acto de rebeldía en una época (de los 80’s para acá) en que la rebeldía ya no es más que un atributo más de los productos musicales.

La película es un viaje biográfico que intenta crear empatía por un tipo que a la larga parece hacer todo por perderla. Y la película lo logra. Si no te convence de que Daniel Johnston es un genio, al menos sí de que es un artista original y un individuo interesante. A lo largo de su duración, logra ponerte de su lado, quieres que logre su cometido, quieres que venza los obstáculos, se convierte en un héroe, un quijote. Por otro lado, es un excelente retrato de la fina línea en la que se mueve la efervescencia creativa y la demencia total. Johnston parece haber nacido para quedarse atrapado ahí sin remedio.

Las peripecias en las que Johnston se mete son dignas de leyenda, y su naturaleza auto destructiva lo hacen una figura fascinante. Pero el ángulo que más me interesó del personaje, y que no creo que haya sido intencionalmente incluido en el documental, es el de Johnston como resultado del choque cultural que surgió de la revolución ideológica de los sesentas y sus resultados. Hijo de una familia religiosa pero con tendencias liberales, Johnston nunca pudo reconciliar esas dos vertientes en su persona. Por un lado, un chico libre que quiere ser artista y vivir la vida del rock and roll, por el otro, un joven que aunque se negaba a ir a la iglesia, quedó marcado para siempre por la imaginería religiosa que se metió en su psique y nunca se fue. Por otro lado, es un hijo de los sesentas en el sentido de que no le bastaba simplemente ser músico o dibujante. Él quería ser famoso. Para él, ser artista significaba no solamente dedicarse al arte, sino ser reconocido por él. Su obsesión por la fama es un motor tan importante para él como su impulso de sentarse a escribir una canción. Nada lo hace más feliz que salir en MTV. Es de esos niños post era hippie que sueñan con dejar sus trabajos en McDonald’s y ser ricos y famosos de la noche a la mañana, siendo descubiertos como los grandes genios creativos que se han convencido de que son.

En ese sentido, la película se torna emocionalmente desgarradora cuando el protagonista logra su objetivo y en vez de darle la paz esperada, sólo lo catapulta a lo que literalmente se le puede llamar un infierno. No creo que sea importante si Daniel Johnston es un genio, personalmente no lo creo, sé que hay miles de Daniel Johnstons ahí afuera, soñando con ser famosos por su talento, pensando en las posibilidades del éxito. Pero para el final de la película, si algo queda claro es que ser o no ser genio en realidad no es importante.

Que el director nunca juzgue a Daniel Johnston constituye su mayor acierto. Deja que solo nos cuente su historia y nosotros saquemos las conclusiones. Supongo que cada quien interpretará la historia y sus imágenes como quiera. Habrá quienes verán en el hombre gordito y apaleado por la vida, tocando en Suecia y vendiendo sus dibujos por miles de dólares a un tipo que ríe al último. Habrá quienes sientan tristeza de alguien cuyas aspiraciones artísticas siempre estuvieron contaminadas y desviadas por una sed de fama y reconocimiento superficial. Habrá quienes crean que el tipo está completamente loco. Seria interesante, tal vez más que esta película, otra en la que en vez de crear simpatía por una figura así se intente llegar al fondo del por qué un tipo que evidentemente tenía serios problemas mentales logra un éxito producto, en gran medida, debido a ellas, y que analice la clase de cultura en la que vivimos, en la que hay genios por todos lados.

BRAVEHEART EN YUCATÁN

2007-02-12T18:43:00.000-08:00

Ahora resulta que aquí en México toda la banda es experta en la cultura maya. Gente que no ha leído un libro sobre el tema en su vida ha condenado a APOCALYPTO por retratar de forma “deplorable” a “nuestros ancestros”. Sí, también ahora resulta que nomás porque nacimos en territorio mexicano, por default, los mayas son nuestros ancestros.

Así es, para mucha gente los mayas son ancestros. Están muertos. Desaparecieron hace mucho mucho tiempo por culpa de los españoles. Y todos esos indios del sur de México, Guatemala, Belice, Salvador y Honduras no son más que una bola de indios huevones en el peor de los casos, y unos pobrecitos desafortunados en el mejor. Aunque en realidad, ellos son mayas.

Lo peor de APOCALYPTO no son sus “errores” históricos, sino la santurronería con la que han saltado todos, desde “indigenistas” profesionales, pasando por los amateurs hasta los fresijipis que lo único que saben de los mayas es lo que le han escuchado a otros fresijipis más viejos que ellos, para quejarse de la visión “errónea” del no menos desquiciado cineasta Mel Gibson.

Hablemos primero de lo que sí es APOCALYPTO. Es una película de acción, típicamente hollywoodense, afín a la obra de su director, en la que un individuo de una comunidad pacífica ve su vida casi destruida por la invasión de otro grupo más fuerte que intenta acabar con ellos, y por consiguiente tiene que buscar la manera de liberarse. Básicamente, es Braveheart en Yucatán. El twist aquí es el discurso. La película argumenta que una cultura grandiosa que se convierte en imperio sólo puede terminar debido a sus propios vicios y errores. Si bien como espectáculo visual y auditivo, APOCALYPTO es impresionante y tiene toques de genialidad (la ví en el IMAX, eso ayuda), sus ambiciones como exploración de la decadencia de una gran cultura se quedan un poco a medias. Para Gibson, como ya lo demostró en La Pasión de Cristo, la decadencia se puede expresar en formas simplistas como exceso de violencia, comportamientos grotescos y asquerosidades de todo tipo. Sacrifica, a favor del ritmo vertiginoso y el espectáculo, una exploración más profunda de este aspecto de su argumento. Lo único que sabemos de esta cultura decadente, es que invaden pueblos pacíficos, matan, violan y hacen todo tipo de cosas muy feas, pero no hay mayor análisis de lo que, en teoría, sería la podredumbre interna, o las causas de la muerte moral y espiritual de esa cultura. Existen teorías, por ejemplo, que dicen que los procedimientos agrícolas de los mayas se jodieron la selva y eso influyó en su decadencia, lo cual hubiera sido un buen paralelo con nuestro mundo actual, más nada se menciona de algo así (hubiera estado chido, los fresijipis se hubieran enojado más). Sin embargo, la película no sufre demasiado por eso. Es tan ágil y eficiente en su narrativa, y funciona tan bien como película de acción, que no creo que vaya a haber otra cinta de su género en el año que logre tan bien su cometido. Digamos que, para una película hablada en maya, sin estrellas, y con el nivel de violencia que contiene, prueba que cualquier tipo de escenario funciona si la historia y el desarrollo de la misma están bien estructurados.

Ahora hablemos de lo que no es.

APOCALYPTO no es, como algunos han querido decir, un retrato “denigrante” de los mayas. De hecho, como tanto los “buenos” como los “malos” son mayas, y los dos grupos son retratados de formas tan diferentes, es difícil siquiera afirmar que la película trate de hacer un retrato de la cultura completa. Los buenos, por ejemplo, son bastante normales. Los primeros quince minutos de la película se dedican a presentárnoslos. Una pequeña comunidad donde todos trabajan en equipo, ríen, se ayudan. Todavía más, Gibson logra establecerlos a todos como individuos, con cualidades y personalidades distintas. En contraste, los “villanos” no tienen características únicas. Todos se portan y reaccionan igual. Esto va acorde con su discurso. Una sociedad “primitiva” tiene más humanidad que aquella que se ha “civilizado”.

Ha habido quejas por todos lados, en programas de alto nivel intelectual y vibra amigable con los grupos indígenas de nuestro país como “Venga la Alegría” y “Hoy”, de que APOCALYPTO se obsesiona por retratar a los mayas como una bola de salvajes que vivían entre la mierda al tiempo que ignoran el hecho de que eran “unos genios”, que descubrieron el cero, que eran grandes astrónomos, blablabla. Opiniones hechas por gente simplista que no entiende algunas cosas básicas sobre los seres humanos.

Sí, la cultura maya descubrió el cero, y sabemos por sus calendarios, que tenían un profundo conocimiento del comportamiento del universo. Eso lo podemos decir también de los seres humanos de hoy, pero no es lo mismo hablar de Albert Einstein que de los cantantes de reggaeton. El hecho de que los sacerdotes y las altas esferas del poder tuvieran ciertos conocimientos no quiere decir que todos los tenían. El hecho de que los líderes mayas vivían como reyes y apreciaban el arte y las cosas finas de la vida no quiere decir que todo el pópulo estaba igual. La historia del hombre no es así. No lo fue así nunca ni lo es así ahora. ¿Cuánta gente conocen que escucha a Mozart todos los días?

La visión jipiosa de los mayas es de cuento de hadas. Inditos super buena vibra que vivían agarrados de la mano y viendo las estrellas todas las noches, nobles de espíritu inquebrantable, unos “genios”. Aparentemente, un caso único en nuestra historia: una civilización de alcances romanos que llegó ahí nomás por sus buenas intenciones. Guerreros justos que nunca hicieron nada salvaje. ¿Cómo piensan que son las guerras? ¿Cómo piensan que eran las condiciones de vida de la gente no sólo de América, sino del mundo en los 1400?

Esto además, sin considerar el hecho que cualquiera puede encontrar en un libro al respecto o en wikipedia (y que es tan debatible como cualquier otra afirmación), de que la cultura maya tuvo un periodo llamado preclásico y otro posclásico, en el que entra lo que se denomina la “decadencia” maya, y que para cuando llegaron los españoles, los mayas estaban sólo en ciudades-estado que se dividían en dos tipos: de mercaderes y “decadentes”, donde los pobladores ya habían adoptado la visión y costumbres de los aztecas, el imperio del momento, y que puede explicar los similitudes entre las costumbres de los dos grupos que aparecen en la película. Sí, todos los imperios de la historia han tenido una época de esplendor y otra de decadencia y graciosamente todos se han parecido en ese respecto. Mel Gibson ha dicho que su intención con APOCALYPTO es hacer una referencia justamente, de esto, hasta cierto punto, debido a su postura política respecto a la guerra de Irak.

Y por cierto, la llegada de los españoles no está ahí para significar que llegan a “salvar” a nadie. Es un punto bastante claro acerca de cómo cada vez que una cultura termina llega otra y se apodera.

Para cada queja de inconsistencia o inexactitud histórica, hay un contra argumento, y de todos modos, ¿De dónde saca la gente que una película tiene que ser un retrato exacto de una cultura? ¿De dónde sacan que eso es de hecho, posible?

Hay mucha gente ahí afuera que no entiende el arte. No entienden de licencia artística, ni de cómo se puede usar un hecho histórico para argumentar algo como artista. No entienden que una película, incluso un documental, es una realidad alterada cuando mucho, y una ficción, cuando menos. Si quieren saber más de los mayas, deberían de leer un libro al respecto, buscar datos en Internet, y aún así tomar todo con recelo. APOCALYPTO, una película de acción hollywoodense, no es una fuente fidedigna de datos históricos sobre los mayas, de la misma forma en que TRAINSPOTTING no es un retrato fidedigno de los escoceses, SCHINDLER’S LIST de los alemanes, o HARRY POTTER de Inglaterra.

NO TICKEY...

2007-01-17T09:47:00.000-08:00

So...los censores chinos, siempre caracterizados por su mente abierta y soltura social, han decidido no aprovar que LOS INFILTRADOS pase por sus cines porque dentro de la trama de la película, se menciona brevemente que los chinos quieren comprar tecnología de hardware avanzada de los Estados Unidos. "Esa parte de la trama es completamente innecesaria", dice una fuente del gobierno chino, "(los censores) simplemente no comprenden por qué la cinta involucra a China. Pueden hablar de Iran e Irak si quieren, pero no hay por qué involucrar a China".

Tengo entendido que la paranoia china ha disminuido con los años. Solía ser algo verdaderamente terrible, pero esto es bastante idiota, ¿no? Sobre todo tomando en cuenta que, con toda seguridad, por aproximadamente veinte pesos, cualquier chino que quiera ver INFILTRADOS lo puede hacer comprándola pirata en la calle. Supongo que es una manera más del gobierno chino de joder con la economia gringa.

LOVE ME TWO TIMES

2007-01-17T09:33:00.000-08:00

Las posibilidades del arte son infinitas. Tan grandes como las personas quieran que sean. Esa inspiradora idea está detrás de una película próxima a estrenarse en sundance llamada ZOO. Es un documental que toma como punto de partida la muerte de un hombre en Estados Unidos que murió el año pasado a causa de...bueno...se lo cogió un caballo.

Y no fue un accidente. La zoofilia no es nada nuevo, pero nunca deja de ser impactante cuando te enteras que a un tipo le rompe el recto un equino, y que no estaba solo, pues había gente con él, otros aficionados a las mismas actividades cuando sucedió. El documental, que se está dando a conocer como "the horse fucking movie", aspira, supongo, a ser más que simple explotación. Uno de sus puntos clave, tengo entendido, es que hay lugares en Estados Unidos donde el sexo con animales todavía es legal. Habrá que ver de qué se trata y si logra traspasar los límites del humor al que su tema se presta. Por lo pronto, para ir tomándolo en serio (o tal vez no) una pequeña muestra de lo que la gente que coge con caballos pasa. Advierto de antemano que esto es bastante fuerte, la mayoría que lo vea deseará no haberlo hecho.

http://www.bangedup.com/post.php?media=3468

GREAT SUCCESS

2007-01-08T10:05:00.000-08:00

BORAT, cuyo título en inglés es genial (Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazhastan), es una película rara. No porque trate de serlo. No es rara como uno se referiría a una película de arte “normal” que es rara nomás, precisamente, porque no es normal. BORAT es rara por lo que es, y por lo que provoca en el público. No estoy seguro si BORAT es, como algunos críticos se han apresurado a decir, “una de las mejores comedias satíricas desde Dr. Strangelove”, pero sí sé que, para variar, es una película verdaderamente subversiva, tan confiada en su propia gracia que pierde el miedo de ofender. No que piense que no es ofensiva, sino que piensa que su ofensividad es perdonada por su efectividad humorística. Puedo decir sin dudarlo que es una película extraordinariamente estúpida, y al mismo tiempo, con la misma seguridad, puedo decir que es una película extraordinariamente inteligente. Qué tanto de ambas cualidades es digerida por determinada audiencia es algo que variará, siguiendo con las paradojas, invariablemente.

Cuando escuché por primera vez de BORAT, ni siquiera sabía de qué se trataba, ni de dónde venía, ni quién es Sacha Baron Cohen. Pero su inusual éxito taquillero (casi 100 millones en dos semanas) despertó mi curiosidad. Tuve la suerte de verla por primera vez en Madrid, en un cine de versión original, con una audiencia ideal, completamente consciente del tipo de película que estaba viendo, alerta al humor y comprensiva desde los burdos chistes sexuales y escatológicos hasta de los más sutiles detalles satíricos acerca de la religión, el machismo y lo políticamente correcto. Un público ideal para una película así. Mis vistas consecuentes en México me han puesto a pensar si un país en vías de desarrollo, con una audiencia honestamente poco sofisticada, está lista para algo así. Estoy hablando de varias personas saliéndose de la sala en momentos en los que otros estaban en una franca e ininterrumpida carcajada. Se podría argumentar que para todo hay gustos, pero algo me dice en mi cabecita que más bien estas personas se sentían ofendidas simplemente porque no entendían el chiste. Y eso en el mundo real no se llama tener una opinión distinta, sino no ser lo suficientemente astuto. O para este caso, informado. Pero no quiero divagar ni condenar al público mexicano que se ofende por chistes que degradan a las mujeres, los ancianos, los judíos, los gordos, los tontos, los listos y a todos los demás que se puedan incluir. Sólo quería ilustrar que a pesar de su gran éxito, BORAT es una película que, de una forma u otra, toca una llaga. Porque para chistes de doble sentido, pelados, corrientes y de pésimo gusto, ahí están todas las Scary Movies del mundo, que aquí y en Europa llenan las salas y todos salen bien contentos. Es obvio que el humor de BORAT incomoda por su franqueza y su yaciente visión oscura y muy perturbadora de lo que cómodamente todos los demás llamamos, como si estuviéramos exentos de ello, como los “ciudadanos americanos”.

En España, donde el sentimiento anti yanqui es abierto y súper “in”, las carcajadas fueron prácticamente ininterrumpidas desde el primer crédito hasta el último. Yo en lo personal, no me había reído nunca así en un cine. Acá en Monterrey, donde los gringos son más imitados que criticados, la cosa fue diferente. Sin embargo, ni los españoles ni los mexicanos somos tan lejanos de la realidad gringa como quisiéramos pretender. La verdad, Borat no sería ni tan graciosa ni tan incómoda para unos y otros si no nos sintiéramos al menos un poco identificados con ese americano promedio. Después de todo, por algo se le conoce como “el Imperio”. Su ideología, su perspectiva, su idioma incluso, es algo que todos o conocemos o practicamos, unos más que otros. BORAT, el personaje, viene de Kazajstán, un país real del que casi nadie sabe nada, a pesar de ser el noveno más grande del mundo. Quién sabe si la gente se ríe de lo absurdo de lo que la película retrata como Kazajstán, o de la ingenuidad de creer que así es y pensar que lo chistoso es ver como dos culturas distintas chocan. Supongo que es una combinación de las dos cosas. Y no sólo eso. Uno de los detalles más geniales de BORAT, es que su humor antisemita no sólo es elaborado por un judío, sino que mientras todo el tiempo creemos que el personaje central está hablando en kasajo, en realidad está hablando en hebreo. No sólo no sabemos nada de Kazajstán, sino que el “americano”, o para este caso, “la persona occidental” promedio tampoco sabe demasiado de judaísmo. Podrían estar hablando ruso y tampoco sabríamos distinguir la diferencia. El pueblo de Kuscek, de donde viene Borat, no es Kazajstán sino Rumania, y tampoco estamos capacitados para distinguir las diferencias. Nuestra ignorancia es graciosa, pero no lo sería si no fuera por el empeño moderno de hacer chiquito el mundo y encapsularlo en estereotipos que no tienen nada que ver con la realidad. Por eso y por este nuevo fenómeno hilarante de la modernidad de ser “políticamente correcto” y respetar a todos, es que los incautos que Borat encuentra en la calle prefieren guardar silencio ante sus extravagancias que reaccionar con la incredulidad que sería mucho más razonable. Es sólo hasta que Borat se pasa de la raya y llega a situaciones abusivas que algunos, repito, algunos, muestran el enojo.

Y cuando este enojo aflora, es bastante perturbador. Todo el racismo, clasismo y chauvinismo del americano común, con su miedo al otro y su constante paranoia global, explota. Escenas simples como la de los neoyorquinos que ni siquiera permiten que Borat se les acerque sin soltarle alguna amenaza ultra violenta, pasando por el viejo del rodeo que le aconseja rasurarse el bigote para que parezca italiano en vez de un “maldito musulmán”, hasta la caída de la careta de las damas de sociedad que le permiten hasta que lleve su mierda en una bolsa de plástico a la mesa, pero se malviajan cuando les presenta a su invitada, una prostituta gorda y negra, dejan entrever una psique occidental, más que simplemente americana, que maneja una constante doble moral. Nadie se salva de la crítica feroz de Baron Cohen. Las feministas, tal vez uno de los símbolos modernos más “civiles” quedan paradas como una bola de viejas presuntuosas incapaces de ejercer la tolerancia que, idealmente, no tendrían problema en manejar. Los universitarios de la casa cámper, ya alcoholizados, no sólo dejan claro que a las feministas les queda mucho trabajo por hacer en cuanto a concientización de respeto hacia las mujeres, sino que en ese caso, también a los de los derechos civiles de las minorías y de los homosexuales.

Y si cualquiera de esas instancias fuera poca cosa, la escena del rodeo con Borat cantando el himno nacional gringo con letra kasaja, es tan demencialmente subversiva que raya en la anarquía pura. Para ese momento, le tenemos tanto miedo a Borat por su tendencia a meter la pata como a sus “víctimas” por su mentalidad reaccionaria.

La ironía más grande de BORAT, y la más clara, es que se trata de un reportero de un país “atrasado” que va a Estados Unidos y no encuentra demasiadas diferencias substanciales. Tan racistas como él, tan machistas, tan inconscientes. La estética de documental falso que la cinta plantea logra el cometido de convertirse en invisible. Llega un punto en el que ya no importa qué escena es completamente real y qué escena fue hecha con un guión. Hasta donde yo sé, hay una combinación de ambas, y no han sido pocos los miembros del “elenco” que han entablado demandas contra la Fox y Baron Cohen por “burlarse de ellos”, incluyendo a la gente del pueblo rumano donde inicia la cinta. Pero nadie ha ganado, en gran medida porque a todos se les pagó bastante bien y se les hizo firmar un contrato. Personalmente, yo no tomaría demasiado en serio a ninguna de estas personas. Si eres lo suficientemente torpe como para de hecho creer que a un hombre adulto hay que enseñarle a limpiarse el trasero, te mereces que se burlen de ti a nivel mundial.

No se si BORAT está al nivel de Dr. Strangelove. Para mí esas son palabras mayores. Estamos hablando de una película hecha en los 50’s que todavía se siente vigente. El tiempo será el juez de semejante afirmación, pero sí estoy seguro de dos cosas: nunca me reí tanto en un cine, y hace muchos años, tal vez demasiados, que una comedia no se atrevía a tan abiertamente reflejarnos a todos en el espejo de la locura que representa lo que creemos que somos. Y al menos por eso, hay que aplaudirle.

DJ SCORSESE

2007-01-08T09:44:00.000-08:00

Hacia los años sesenta, la costumbre de utilizar canciones pop y rock exitosas no estaba muy arraigada en el cine. La onda era crear canciones originales explícitamente para las películas, con la intención de hacer un disco soundtrack que acompañara la cinta y se vendiera bien. Hacer el soundtrack de una película exclusivamente de música ya existente no fue algo que comenzó sino hasta Kubrick y 2001, al menos en el cine industrial. Sin embargo, fue Martin Scorsese el que popularizó esta técnica que con el paso de los años se convertiría en recurso casi obligado de los cineastas del mundo. Y también sigue siendo el mejor en hacerlo, como cualquiera que haya visto The Departed lo puede comprobar. Su uso the “Comfortably Numb” de The Band y “Gimme Shelter” de los Rolling Stones en esa película es bastante acertado, por decir lo menos. Su editora de siempre, Thelma Schoonmaker, ha dicho en varias ocasiones que Scorsese tiene algo así como una memoria fotográfica pero en sonido, y que es capaz de recordar básicamente cualquier pieza musical que haya escuchado, su nombre, su interprete, y dónde la escuchó. Información que almacena en su cabeza y que a veces, años después, a la hora de escribir un guión o editar una película, le surge como una buena opción para tal o cual momento. Y aquí hay una lista de los que yo considero mis momentos favoritos musicalmente hablando, del cine de Scorsese.

Mean Streets (1972)
Su primer película, Boxcar Bertha, tiene muy poco que ver con el Scorsese que vino después. Cuando la terminó, tras mostrársela a John Cassavettes (su mentor y amigo) éste le dijo sin chistar: “acabas de desperdiciar un año de tu vida haciendo un pedazo de mierda”. Scorsese tomó nota, y dedicó todos sus esfuerzos a realizar entonces un trabajo más personal: “Who’s that Knocking at My Door?”. Como sólo la he visto una vez, no recuerdo bien momentos musicales que me hayan gustado, pero sí recuerdo de su primera obra maestra, Mean Streets, que comienza con un texto clásicamente Scorsesiano sobre la penitencia de la culpa en las calles, y la película inicia con el boom de la rola “Be my Baby” de The Ronettes. Cualquiera que haya visto la película una sola vez recuerda la canción, pues es una unión extraña pero efectiva de rock and roll y créditos iniciales.
Raging Bull (1980)
Los soundtracks de Taxi Driver y Alicia ya no Vive Aquí tienen su partitura original, pero en Raging Bull, película que Scorsese realizó tras una fuerte crisis de salud que casi lo mata, según sus palabras, puso “todo lo que sabía de cine”. El resultado es una de las grandes películas de la historia, y en ella, decenas de hits de los 40’s y 50’s poblaron la vida de los personajes. Sin embargo, es su uso del Intermezzo de la Cavalleria Rusticana de Mascagni, tanto en los créditos iniciales como en una larga toma a la mitad de la película, el que quedó para la historia. El protagonista Jake la Motta, en la cúspide de su carrera como boxeador, se prepara para salir al ring, y la cámara lo sigue sin cortar desde su cuarto de entrenamiento, pasando por los pasillos de la arena, a las gradas, hasta que se sube al cuadrilátero, dándole al momento el peso emocional y casi celestial que tiene para el personaje, tal vez el único momento de total felicidad que se le permite en toda la película.
GoodFellas (1990)
No tengo clara en la memoria After Hours, su película casi independiente de 1986, pero sé que ni King of Comedy ni La Última Tentación de Cristo, con sus partituras originales, incumben en este recuento. GoodFellas, otra de sus obras maestras, un ejercicio completo de virtuosismo cinematográfico, tiene muchos momentos musicalmente extraordinarios. La cinta cuenta con casi cien tracks de los 60’s, 70’s y 80’s, y muchos de ellos son usados de formas increíbles.

Desde la primera escena, en la que el protagonista Henry Hill dice su línea introductoria (“desde que tengo memoria, siempre quise ser un gangster”) e inicia “Rags to Riches” de Tony Bennet, la película se inyecta de una energía exorbitante que nunca para, y la canción sirve también para expresar el sentimiento nostálgico que tiene su narración, como de estar viendo hacia atrás a una época de reyes.

Luego viene “Then He Kissed Me” de The Crystals, utilizada en la hoy icónica toma conocida como “the Copa shot”, ese momento genial en el que con el uso de un steadicam (una invención nueva en la época), la cámara sigue a Henry y su novia mientras bajan de su auto, entran al Copacabana por la puerta de servicio, pasan por la cocina, y terminan en el salón en una mesa privada frente al comediante en turno. La escena, perfectamente orquestada y realizada, enfatiza el punto de vista de Karen, la mujer que acompañará a Hill por el resto de la película, mientras literalmente “entra” en su mundo, y la canción resalta la sensación de glamour y romance que para ella representaba entrar en él.

Cuando más tarde en la pelicula, Henry deja de vivir el idílico romance con su esposa y se distrae con una y otra novia, la secuencia en la que esto se ilustra va acompañada de “Pretend you Don’t See Her”, interpretada por Jerry Vale, poniendo en primer plano los sentimientos verdaderos de Henry hacia Karen, a pesar de sus acciones. Es un momento muy bello y sutil en medio de una cinta mayormente violenta.
Hay un momento a la mitad en el que Jimmy Conway (Robert DeNiro) el frío y calculador gangster, sin decir una sola palabra, decide que es hora de eliminar al autor intelectual del gran robo, Morrie. El momento exacto no tiene diálogos, simplemente Jimmy lo observa desde la barra del bar y del silencio surge "Sunshine of Your Love" de Cream, y la cámara se acerca a él lentamente mientras fuma un cigarro. La expresión de su rostro con la música es suficiente para dar a entender lo que viene, y es en mi opinión uno de los pedazos de actuación más logrados de la carrera de Robert DeNiro. Como dicen, sus ojos siempre han sido su arma secreta.
“Layla” de Eric Clapton, es una de las rolas usadas más radicalmente. Una vez que se ha visto la película, no se puede volver a escucharla sin pensar en la secuencia en la que uno a uno, van apareciendo los cadáveres de los gangsters que participaron en el robo de Lufthansa, ya sea en un cadillac rosa, o dentro de un camión de carnicería.

Y nada como la toma final, con Henry Hill refiriéndose a la vida típica del ciudadano americano, con su casa de rejas blancas y su periódico por las mañanas como “vivir como un imbécil” mientras el soundtrack suena con una versión del clásico de Sinatra “My Way”, interpretado por Sid Vicious.
Casino (1995)
Casino es básicamente GoodFellas a la décima potencia. Todo es más, más, más. La filosofía era que una película sobre excesos tenía que ser excesiva. Exceso de puntos de vista, exceso de luces, exceso de drogas, exceso de música. Y no me extrañaría que la película tuviera más de cien canciones en el soundtrack. Es difícil elegir, pero hay varios que sobresalen.

En primera instancia, uno de mis momentos favoritos del cine. Sharon Stone, en su papel de Ginger, la puta que enamora a Robert De Niro, ha sido cachada con las manos en la masa robándole a su amante en turno, y para salir del problema, tira las fichas del casino por todos lados, provocando un caos, todo esto mientras es observada por Sam (Robert De Niro) al ritmo de “Slippin and Slidin”, de Little Richard. Cuando Sam se acerca, sus miradas se cruzan, el cuadro con Ginger se congela, la canción es abruptamente interrumpida y comienza “Love is Strange”, por Mickey y Sylvia, dejando en claro en solo un segundo que Sam se ha enamorado de ella para siempre, y que a partir de ahí, la película se va a centrar en gran medida en su relación.

Jeff Beck y Rod Stewart (cuando aun rockeaba) interpretan “I ain’t superstitious”, tremenda rola prendida, en una secuencia genial en la que Sam observa lentamente como dos tramposos intentan robarle al casino por medio de claves transmitidas por aparatitos escondidos entre sus ropas. La música sube de volumen y es por medio de los movimientos de cámara que el sentir de Sam y la mecánica de la tranza se ilustra, mientras la intensidad de la secuencia sube con el sonido de la música.
Casi al final, cuando las piezas del dominó comienzan a caer y los personajes encuentran sus casi siempre trágicos destinos, suena “House of the Rising Sun”, interpretada por Eric Burdon, que acompaña la secuencia hasta el terrible momento en que Nicky Santoro, el enano desquiciado que hace Joe Pesci, recibe su merecido en un momento ultra violento incluso para los estándares de Scorsese.

Casino tiene muchos otros momentos musicales chingones, y la película en general, que en su momento fue recibida tibiamente por la crítica, ha ganado estatura con los años y seguramente lo seguirá haciendo en el futuro, por la simple razón que es una súper película que, en mi opinión, mejor que ninguna otra, ilustra las capacidades completas de Scorsese como cineasta.
El Aviador (2004)
Lo mismo seguramente sucederá con El Aviador (The Aviator), que por lo menos desde mi perspectiva es mejor y más compleja que Los Infiltrados (The Departed). Esta suerte de versión Scorsesiana de Citizen Kane sufrió en su estreno de lucir demasiado bien, y de disfrazarse demasiado bien de película biográfica estándar, aunque debajo de su cubierta pastel yace una dura condena del capitalismo occidental contemporáneo y un estudio de personaje excelentemente ilustrado.

El Aviador contó con una partitura original compuesta por Howard Shore y con un soundtrack de hits de los 20’s, 30’s y 40’s, que ayudan a crear algunos de sus momentos más logrados. El primero viene con una versión contemporánea de “I’ll build a stairway to Paradise”, interpretada por Rufus Sewell, que Scorsese usa en una de las primeras escenas de Howard Hughes echando la fiesta en el club Copacabana de Hollywood. La escena, en la que el personaje primero le pide a Louis B. Meyer cámaras prestadas para terminar su película Hell’s Angels (y que le son negadas con burla), y en la que luego le exige a su agente de prensa que se las consiga “robadas si es necesario”, cuenta con la canción cuyo título se explica solo para reforzar el retrato de Hughes como un ser ambicioso e imparable ante cualquier obstáculo.

Uno de los momentos más cool de El Aviador, llega en otra escena en el Copacabana y que siempre que la vi en el cine obtuvo gran respuesta del público. Hughes y Katherine Hepburn cenan en el club mientras la orquesta toca y la gente baila. Scorsese ha expresado su admiración por el cine de Fellini, una de sus grandes influencias, y particularmente de su capacidad para ser juguetón, como por ejemplo, en I Vitelloni, donde en un momento determinado, mientras los personajes platican en la calle, la película se detiene para que uno de ellos comience a bailar mambo. Aquí, sucede algo parecido cuando, sin ninguna motivación narrativa, la escena es interrumpida para que la orquesta cante el coro de la rola en turno, “Happy Feet”, con una toma de los cantantes sonriendo que siempre hizo reír a la audiencia con la que me tocó ver la película. Habría que verla para entender lo chido que está ese momento.

“Moonglow”, de Glen Miller, es la canción que acompaña un momento donde El Aviador hace uso de su estética de película del viejo hollywood, mientras Hughes y Hepburn extienden su cita romántica a un vuelo nocturno en avioneta por encima de Los Ángeles. El momento mágico, y tal vez el único verdaderamente romántico de la película, es acentuado por la frescura de los instrumentos utilizados en esta versión.

Cuando la película llega a su inevitable etapa oscura, mientras Howard Hughes lentamente comienza a perder la razón, su perturbación es acompañada por “Nightmare”, una inquietante rola de jazz lento que embona perfectamente con el momento y lo que se intenta expresar. Es evidente que la película cambia de tono a partir de ahí.

Y como dicen al final en Casino: that’s that.

BABEL

2006-12-14T19:28:00.000-08:00

Cuando supe de BABEL, quise verla de inmediato, pero faltaba mucho tiempo para eso entonces. Luego en Cannes se hablaba de una “obra maestra” y me entusiasmé más. Luego se estrenó en Estados Unidos y México mientras yo estaba en España y hubo tantos comentarios encontrados, con los negativos siendo siempre bastante más fuertes que los positivos que se me quitaron las ganas de verla.

Y justo ayer vi BABEL, después de sacarle la vuelta en un par de ocasiones, esperando nada en particular. La verdad, no sé qué película vieron los que no gustaron de BABEL. Es ágil, altamente emocional, clara, inteligente, puro cine clásico. Creo que quienes critican a BABEL tienen más un problema con Iñarritu o el guionista Guillermo Arriaga que con la película misma. Comentarios como “es lo mismo que Amores Perros” o “le quiso tirar a 21 Gramos” son malvibrosos y desgraciadamente, producto de la ignorancia. Pues BABEL es la tercera parte de una trilogía de la que Amores Perros y 21 Gramos son las otras dos. En todo caso, criticar a un cineasta porque sus películas se parecen es una tontería. Es tan torpe que ni siquiera voy a ahondar más en ello, no tiene caso.
BABEL es mucho menos melodramática que 21 GRAMOS y mucho más interesante que sus dos anteriores partes. Tal vez no es un clásico instantáneo ni una obra maestra para la posteridad como AMORES PERROS, pero sí es una de las mejores películas del año.

Lo que más resalta de BABEL es la mirada compasiva de Iñarritu y Arriaga. Ningún personaje es ridículo, nadie es realmente culpable de nada, nadie es señalado. Lo que me gusta es cómo en el universo de estas películas, todo empieza pequeño. Una chica quiere coger. Una señora quiere ir a la boda de su hijo. Unos niños quieren probar un rifle.

Como el trabajo idiosincrático y personal que es, BABEL forzosamente tiene que generar opiniones no sólo encontradas, sino contrarias. De ahí la enorme cantidad de detractores, y de apasionados defensores. De todos modos, cualquier persona que salga y diga que BABEL es “mala”, bueno, está mal.
Cuando menos, hay dos actuaciones espectaculares, de la mexico-americana Adriana Barraza y la japonesa Rinko Kikuchi. Esperen verlas recibir todo tipo de premios y nominaciones en los próximos meses. Brad Pitt tiene probablemente su mejor actuación desde 12 Monos, y en un papel bastante pequeño. Y Gael Garcia se luce en su poco tiempo en pantalla. La escena de la migra es una de las mejores de la película, recreando fielmente la sensación que sentimos los mexicanos cada vez que tenemos que cruzar la frontera y ser cuestionados por los estúpidos policías gringos y su actitud de “eres culpable hasta que yo diga lo contrario”.

Aunque en general la estética de BABEL es similar a la de AMORES PERROS y 21 GRAMOS, la simple escala de la producción y otros aspectos técnicos la hacen evidentemente distinta. El uso del sonido, en especial, es de mencionarse. En términos auditivos, esta vez la música y el sonido son partícipes más activos en la narración de la historia, mientras que en las otras dos películas el enfoque era más realista.
La fotografía de Rodrigo Prieto aprovecha al máximo las locaciones sin que la cosa se convierta en un despliegue de paisajes tipo “miren dónde andamos”, y sin sacrifica el elemento íntimo que caracteriza a la historia.

La sensación de tragedia inevitable que se siente todo el tiempo la hace una experiencia bastante tensa, y siempre interesante. La toma final, cuyos detalles no revelaré aquí, es hermosa.

Lo Irónico de BABEL es que, siendo una película sobre la falta de comunicación, justamente poco después de su estreno, Iñarritu y Arriaga se pelearon y no se hablan más, por cuestiones de egos, como siempre sucede con esta banda. No importa, la película es más elocuente que ellos.

KEVIN

2006-12-14T16:59:00.000-08:00

Cuando uno cree que las caricaturas no existen, aparece Kevin Federline. Este tipo es tan desagradable en todos los sentidos que incluso ha logrado que sienta lastima por Britney Spears.

Para añadir una más a la absurda lista de maldades que este ser despreciable, producto indudable de nuestra cultura pop celebradora de las celebridades vacías, ha efectuado en contra de su siempre sagaz noviecita all americana, ahí va esto: un libro revelador. ¿Revelador de qué? De las idiosincracias de Britney, claro. Tales como (y cito): "su salvaje hábito de beber, supuesto uso de drogas, su atracción sexual por otras mujeres, así como su supuesta creencia en los viajes por el tiempo".

He's bad man. He's really bad.

VOLVER

2006-11-16T04:35:00.000-08:00

Pedro Almodóvar es un maestro. Casi nadie lo pone en duda, excepto esos geeks que siempre existen por ahí que les gusta ser anti establishment y criticar lo que en realidad no vale la pena criticar. El típico ser infeliz, como dice Julian Schnabbel en SKETCHES OF FRANK GHERY, que ve APOCALYPSE NOW y se queja de que Robert Duvall está sobreactuando. Almodóvar es de esos, más allá del bien y del mal. Salvo verdaderos desatinos, como KIKA, el tipo simplemente hace un cine inclasificable dentro de los parámetros de lo bueno y lo malo, y a uno no le queda más que admitir en algún momento si la película gustó o no gustó.
Su facilidad como narrador es impecable. Como David Lynch, te puede mantener entretenido con las cosas más absurdas por dos horas y tú no lo notas. Va del drama a la comedia al melodrama al film noir a la nostalgia pueblerina al punk de una forma personal y obviamente suya. En sus últimas películas, las tramas han llegado a ser tan impredecibles y llenas de giros que se convierten en el tipo de películas que cuando alguien te pregunta de qué se tratan, no sabes ni por dónde empezar. VOLVER, es un poco demasiado para mí. Llega un punto en el que ya estaba cansado de tanto ir y venir. La odisea del personaje principal me resultó excesiva, pero específicamente la subtrama de Carmen Maura terminó por darme hueva. Hay algo acerca de Almodóvar cuando se pone meloso que no me gusta. La onda reconciliatoria, buena vibra, girls just wanna have fun que agarra VOLVER para el final es débil en intensidad, comparada con los momentos iniciales, sórdidos, de la ama de casa que limpia la sangre del asesinado en su cocina con servilletas. Cuando Pedro se pone denso, cuando quiere ser Hitchcock, me tripea mucho más que cuando quiere ser lindo.

Esto es algo que se nota hasta en las actuaciones. Y perdón, porque siento que voy contra la corriente aquí, pero Carmen Maura me desesperó, igual que el resto de las actrices exceptuando a Penélope Cruz (more about that later). Con el tono juguetón que manejan, no sé…la ñoñez fue un turn off.
Penélope, oh, Penélope. La virtud más grande e indiscutible de VOLVER radica en regalarnos, por fin, a Penélope Cruz. Después de convertirse casi en una tortura (es doloroso verla hablar en inglés) en todas esas películas gringas donde sólo la usan como atractivo visual, es francamente brutal verla rockear la pantalla de la forma en que lo hace aquí. Este es el papel de su vida y ha tomado la oportunidad como los grandes y neta que, estoy seguro casi nadie estará en desacuerdo conmigo (excepto los 2 o 3 geeks), el tour de force que pasa su personaje se vuelve creíble y simpático, gracias a ella. Es imposible no enamorarse de este personaje. De hecho, VOLVER le debe a su actuación la mayor parte de su encanto, a pesar de los toques visuales maestros de Almodóvar (es obvio que el tipo es un genio y hace todo con una clase y una maestría que distrae de los defectos de la película), de la banda sonora excelente y de la manufactura en general.

Y que irónico que nadie la ha usado tanto como dulce óptico como Almodóvar también. Se ve simplemente radiante. Se nota el amor que le tiene su director. Recuerda a Sophia Loren (hasta le pusieron un culo prostético para que se viera más monchosa). Hubo largos periodos de tiempo en los que en realidad yo estaba más interesado en simplementa verla a ella que en lo que sucedía a su alrededor, y me molestaba que desapareciera de la pantalla, especialmente para ver a las otras actrices, que simplemente se quedan en el camino.
Pero sí, too much. Esto no ha detenido a nadie de elogiar la película desmesuradamente. Me pregunto si Almodóvar no sufre lo opuesto a Martin Scorsese. Es decir, un constante lameculismo que no siempre corresponde a lo que está en pantalla (mientras Scorsese tiene que seguir tolerando que se le acuse de todo menos de ser un gran cineasta trabajando bastante bien). Hay algo de borreguismo en todo esto, pero en realidad no importa, tampoco nos vamos a poner muy densos. Después de todo, es mejor un Almodóvar excesivo y descontrolado que diez cineastas equis sin nada particular o interesante que decirle a nadie, ni a ellos mismos. Y siempre va a ser mejor un tipo que puede poner a Penélope Cruz a actuar de verdad y hacernos ver la pantalla como si fuera un milagro, que otro perfectamente correcto y olvidable.

EN EL HOYO

2006-11-16T04:05:00.000-08:00

EN EL HOYO, es para los parámetros del cine mexicano, todo un logro técnico y visual. Es una película impactante de ver, entretenida, moderna, pulsante con energía. Lo más probable es que acabe ganando un montón de premios. Su manufactura de primer mundo retratando al tercer mundo es rete atractiva para los festivales y los mercados de cine de la actualidad. Es totalmente trendy.

Sin ninguna narrativa o intento de narrativa coherente, EN EL HOYO trata básicamente de un grupo de los miles de trabajadores que laboraron en la construcción del segundo piso del periférico del D.F., los obreros que conforman el último eslabón en una cadena gigantesca, y que hacen un trabajo por el que lo más que reciben es un sueldo bastante miserable.

Juan Carlos Rulfo sabe cómo hacer visualmente atractiva una premisa de este tipo. No hay un solo momento en toda la película en que no estemos conscientes de la magnitud de la obra, incluso si no conocemos bien el periférico. Tomas hechas desde las alturas, colgados junto con los obreros en las columnas, time-lapses larguísimos, y una banda sonora que no descansa. Cuando no estamos escuchando los ruidos propios de la ciudad de México (que cualquier que haya estado ahí sabe nunca terminan o se dan algún descanso), escuchamos música hecha de los sonidos de las maquinas y los autos, algo parecido a lo que Bjork hizo en Dancer in the Dark.

En ese sentido, EN EL HOYO es un éxito. Nunca una película me había hecho sentir tan “dentro” del DF. Cada escena tenía un eco de reconocimiento. Si has estado ahí, al ver esta cinta sabes que estás en el DF y no en ningún otro lugar. También logra transmitir la sensación de peligro de muerte constante que implica ser un obrero en un proyecto como este, donde la mitad del día se la pasan amarrados ante el precipicio y, como sucede en un determinado momento, muchos pueden caer hasta el fondo y tal vez no vivir para contarlo.

Todo esto es alternado con entrevistas de un grupo de trabajadores: unos cuantos obreros, un transportista, y una vigilante que noche a noche aguarda frente a los conos naranjas con la esperanza de no ser atropellada. Sus perspectivas son interesantes, como con la chica, que habla de los fantasmas de los obreros muertos caminando cerca de la obra; o el transportista, quién tiene un nivel de reflexión profunda que ayuda a simpatizar con él inmediatamente. Los demás, no tanto, y es ahí donde todo esto falla. Rulfo no se decide a conocer a estos obreros más allá de la superficialidad de sus respuestas esquivas y parcas a temas demasiado generales como el amor, el trabajo, la vida…Los obreros viven con una careta de vacilón y juegos, y no parecen tomar nada en serio. Esto es gracioso al inicio, pero conforme la película progresaba comencé a sentir inconformidad porque quería saber más de estas personas y la información nomás no llegaba. “El Grande”, uno de los obreros, habla de tener tendencias violentas y poca paciencia, pero nunca llegamos a saber nada más sustancioso de él. El principal problema es que los personajes no pasan de la caricatura, a veces grotesca, del albañil chilango súper cotorro. Para eso, no tiene uno que ir al cine, sino nomás darse un rol por la ciudad. Al evitar estos confrontamientos que le darían humanidad a los protagonistas, nunca podemos realmente conocerlos detrás de la máscara. Cuando a uno de los personajes le preguntan, “¿Y el amor?”, y su respuesta, en su totalidad es: “Todo bien, todo bien en el amor”, solamente se repite lo que ha sido evidente por un rato ya en la película, y es que estas personas no se abren ni a chingazos y que bajo su respuesta escueta hay una verdad compleja que no vemos nunca ni por asomo, y por lo tanto, a pesar de lo “profundo” o “trascendente” o “vital” que pueda ser el tema del que se les cuestiona, no se puede decir que realmente conozcamos a estas personas ni sus verdaderas opiniones debajo del cliché, y en ese sentido, ¿para qué entonces, centrar el documental en su punto de vista en vez de simplemente hacerlo como un testimonio visual de la construcción de una obra arquitectónica urbana gigante? Pero bueno, tampoco arruina la película. Es bastante rica de ver y de sentir, como experiencia cinematográfica, y probablemente no vaya a afectar mucho ni en su éxito en taquilla ni en su recepción de premios. Todo bien, pues. Next.

LOS DIFUNTOS

2006-11-02T02:28:00.000-08:00

Lo voy a decir así pelón: THE DEPARTED (Infiltrados) es una obra maestra. Se une a MEAN STREETS y GOOD FELLAS como uno de los ejemplos más claros de chingonería en el cine de crimen. Está tan bien hecha y funciona tan perfectamente en todos sus aspectos que sales completamente feliz del cine por haberla visto. Te recuerda aparentemente sin ningún gran esfuerzo de por qué te gustan las películas. No es una obra que aspire a ningún tipo de grandeza y sin embargo, regodeándose en sus orígenes pulpy, se convierte en la combinación perfecta entre el cine como puro entretenimiento y lo que usualmente se llama séptimo arte.

El responsable es Martin Scorsese, a quién le dieron un guión que evidentemente funciona y lo hizo a la perfección. No he visto la serie de películas hongkonesas en las que se basa The Departed (Infernal Affairs), pero estoy curioso. Simplemente no se siente como un remake. Se siente como algo vivo por su propia cuenta, con su propia identidad, algo que curiosamente tiene que ver con el tema de la película.
THE DEPARTED se trata sobre dos personajes que mienten para vivir: un policía haciéndose pasar por gangster, y un gangster haciéndose pasar por policía. Es bastante simple, realmente, pero es puro cine con lo que esto se vuelve magistral. De la misma forma, la película, con su adaptación de Hong Kong a Boston hasta el último detalle, pareciera ser un remake pretendiendo no serlo.

La anécdota, que en primera instancia no suena nada interesante, es condimentada con todo lo que hace que una película esté chida. Los diálogos son intensos, llenos de humor y agilidad. La cámara se mueve fantásticamente de forma restringida (Scorsese se caracteriza por un estilo mucho más cinético que el que muestra aquí, creando tensión entre los personajes), y la trama va y viene de un personaje a otro deslizándose de forma tan suave que como espectador realmente sientes que la película se vuelve impredecible.
El punto clave de THE DEPARTED son los actores. Es un elenco de sueño con todos, absolutamente todos, luciéndose. No podría señalar a uno que no estuviera dando el máximo, pero especialmente Leonardo di Caprio es el que logra fabricar el personaje más inquietante, lleno de paranoia, emocionalmente destrozado, con una constante mirada de rata asustada que te hace sentir que en cualquier momento va a explotar. Pero no está solo. Matt Damon tiene amplio espacio para desarrollar su calculador criminal, y Jack Nicholson, como la personificación del mal, brinda una de sus actuaciones más coloridas. Mark Whalberg y Alec Baldwin se roban todas y cada una de las escenas en las que aparecen, y Martin Sheen te rompe el corazón. Es una competencia sana de talentos en la que todos salen ganadores. Hasta la chica, Vera Farmiga, está a la altura.

Scorsese siempre ha sido mejor como DJ que usando partitura original, y aquí vuelve a dar pruebas de que poner rolas pasadas es lo suyo. Nadie en el cine usa el rock como Martin Scorsese.

Yo no soy de los que ha criticado a Scorsese en los últimos quince años. Para mí, cualquier persona que no quiera reconocer el obvio valor de películas como La Edad de la Inocencia, Casino, Kundun, Bringing Out the Dead, Pandillas de Nueva York y especialmente El Aviador (una gran, gran película) están ciegos o son posers. Pero es obvio que THE DEPARTED tiene una energía especial, podías sentirla cuando la película corría y al salir por las reacciones de la gente. No había que buscarle mucho para darse cuenta que nos tenía a todos reteentretenidos, riéndonos en los momentos apropiados y sorprendidos, completamente rockeados con algunas de las escenas, especialmente cerca del final. Aunque la mitad de las críticas positivas para THE DEPARTED (que son básicamente unánimes hasta ahora) mencionan tediosamente que Scorsese por fin regresa a donde debe de estar (cine negro), yo no pienso subirme a ese bote quitándole mérito a una lista de películas tan chidas como las anteriores. THE DEPARTED es, simplemente, una lección de cine de un maestro que sabe exactamente como hacer esa precisa película.
Algo súper cool me sucedió antes de entrar a verla: Estaba con mis dos amigos haciendo fila en la dulcería para comprarnos una cerveza (“una cerveza con scorsese, a huevo”, decíamos) y esto estaba tomando demasiado tiempo. Un pobre tipo estaba atendiendo a todos de forma muy lenta y nosotros comenzamos a quejarnos. En nuestro malviaje, estábamos ensimismados. De pronto, uno de mis amigos escuchó que la persona de atrás hablaba sobre montaje y, por curiosidad, volteó. Espantado, de inmediato se volteó de nuevo con nosotros y dijo: “Almodóvar”. Apenas torcimos la cabeza, vimos que el pinche Pedro Almodóvar estaba detrás de nosotros en la fila de la dulcería, hablando por celular con alguien. Nos quedamos paralizados, como colegialas virginales cuando ven a algún ídolo idiota. No pudimos decir nada, además, claro, porque nunca dejó de hablar por teléfono y no se nos hizo cool interrumpirlo para saludarlo. Entró a ver THE DEPARTED, y al parecer la disfrutó mucho.

EL NICHO DE LOS CONFORMISTAS

2006-11-02T02:19:00.000-08:00

Yo soy de la opinión que no hay mejor definición de una persona "cuadrada" que tener gusto por Nicho Hinojosa. La verdad, sólo pensar en que ese farsante ha podido hacer una carrera de arruinar canciones ajenas a costa del siempre pésimo gusto provincial semi ranchero de los regiomontanos promedio, con su visión industrial de la vida y su orgullo chauvinista que los hace celebrar rolas tan llanamente feas y deprimentes como "Santa Lucía" me provoca malestar físico, y ganas de vomitar. Y he aquí la UR, mi ex escuela, y sé, la ex escuela de la mayoría de las personas a las que les mando el link de este blog, invitando a una reunión de ex alumnos que define la visión que tiene la escuela sobre los graduados: gente en sus late twentys que pasaron de ser unos monstruos de la ebriedad a los 18 años, al adulto joven aburrido con pancita que se sienta en un sillón en una casa con muebles blancos y toca la guitarra inspirándose en Nicho Hinojosa (ahora que lo pienso, eso YA sucedía en la carrera, pero no al nivel de ser el atractivo oficial de la fiesta). No hay peor símbolo del conformismo en México que escuchar o celebrar de alguna forma la existencia de Nicho Hinojosa, o de la gente que lo escucha. Para mí, no hay diferencia entre eso y estar clinicamente muerto. Es anti cool, anti inteligente, anti crítico, anti buenaonda, anti sexy, anti todo. Realmente es anti todo. Fuck that.

SUNSHINE IN

2006-11-02T02:13:00.000-08:00

En el presente, la comedia es, después del cine de terror para adolescentes, el género más económicamente viable. Usualmente implica mucho menos gastos que otro tipo de películas, y cuenta con la siempre útil etiqueta de ser primeramente escape para las patéticas vidas de los seres humanos de la actualidad. Esta simple lógica ha sido hábilmente asimilada por la industria cinematográfica de forma tal que si algo llega a las pantallas, tanto del cine americano como del resto del mundo, son comedias.

Pero la comedia es difícil también. Y no estoy hablando de los burdos y lastimosos excrementos que usualmente se nos quiere hacer pasar por comedias, ejercicios infantiles de mal gusto dirigidos a adolescentes vírgenes o personas adultas con inseguridades sexuales y gusto por chistes sobre fluidos corporales tipo Scary Movie. Tampoco estoy hablando de esas predecibles y deprimentes telenovelas que se hacen llamar “comedias románticas”, que nunca son graciosas excepto para mujeres adolescentes o treintañeras sin metas en la vida o matrimonios en crisis en etapa de negación. No estoy hablando del tipo de películas cómodas donde la gente va y se ríe de estupideces mientras engulle palomitas con mantequilla y coca colas gigantes preparándose para su muerte de un ataque cardiaco antes de los 60 años.

Estoy hablando de las verdaderas comedias. Esas pequeñas joyas que muestran el buen gusto incluso en situaciones escatológicas. De piezas de cine que caminan libremente entre la fina línea de lo puramente gracioso en términos físicos, lo ofensivo y la ternura que, como todo buen chocolate caliente, se asienta a mero abajo, oculta tras una capa de humor inteligente que incomoda solo a quien vive incómodo con su propia risa.
Este tipo de películas son tan raras que generalmente no se encuentran excepto en cintas que no son comedias, sino dramas salpicados de humor tipo BOOGIE NIGHTS o HAPPINESS, o si acaso en el tipo de películas extrañas de los hermanos Coen.

La década de los dosmiles es la década del humor ácido. Ningún comediante respetable y ninguna película humorística que se precie de serlo sin caer en los lugares comunes de los que hablé antes están fuera de dicha categoría. Solía haber dos maneras de ver el mundo: con risa o con llanto. Hoy, las buenas comedias usualmente hacen que el espectador se planteé: ¿Lloro o me río? La línea entre el drama y la comedia se hace cada vez más tenue.

LITTLE MISS SUNSHINE, en esos términos, es la mejor comedia del año y probablemente una de las mejores películas que vamos a tener del 2006. Sigue un poco con la línea que Wes Anderson inició en THE ROYAL TENENBAUMS, pero la calidez y la ausencia del marcado esteticismo de Anderson que le brindan sus directores Johnathan Dayton y Valerie Faris, la convierten en algo, precisamente, más real y menos acartonado o, para que no suene muy fuerte, fantasioso. La historia de LITTLE MISS SUNSHINE gira en torno a una familia completamente disfuncional donde el padre es un perdedor que da cursos de cómo ser un ganador, la madre lo odia, el abuelo inhala cocaína, el hijo se niega a hablar, y el cuñado gay pasa por una etapa suicida. La niña más pequeña, sueña con ganar un concurso de belleza para el que es más que obvio no tiene ninguna posibilidad. Es, justamente, el único tipo de familia que tiene sentido retratar en estos tiempos. Sería excesivamente aburrido ver, una vez más, una familia donde los problemas consistan en que el abuelo se siente viejo, la mamá abandonada, el padre apurado, y sean los hijos los que se drogan.

Un elenco de actores completamente entregados da vida con todo tipo de toques sutiles maravillosos a estos personajes infernales y los hacen simpáticos desde el primer momento. Y es la mirada de buena onda del guión y la dirección la que los hace ver como más divertidos que trágicos. Para el final de la película, después de estar con ellos por un par de días y volver al “mundo real” de concursos de bellezas y lo políticamente correcto, los únicos que parecen cuerdos son ellos.

LITTLE MISS SUNSHINE, con toda su frescura y buena vibra, con sus personajes entrañables y su elenco de primera, tardó cinco años en ser levantada como proyecto. A partir de su corrida en festivales ha ganado premios en Sundance y San Sebastián y ha sido una de las favoritas del público. Está a punto de recaudar los 60 millones de dólares en taquilla sólo en Estados Unidos. Una prueba más de lo ciego que puede ser el sistema ante lo que, visto en pantalla, parece lo más obvio. Que una película como LITTLE MISS SUNSHINE, precisamente por ser diferente, sobresale.

DO WE REALLY NEED THIS?

2006-10-31T10:16:00.000-08:00

¿Quién sabe? Igual y esto resulta ser el mero trip, pero por lo pronto me inclino a creer que la imagen de John Travolta con un traje gordo vestido de drag queen imitando a Divine en el futuro remake de Hairspray no es algo que el mundo estaba esperando, y que en general la situación mundial estaba menos peor sin él.

CHILDREN OF MEN

2006-10-25T11:48:00.000-07:00

Lo que más pasaba por mi mente al ver CHILDREN OF MEN, es el nivel de oficio al que los cineastas mexicanos que han tenido chance de trabajar han alcanzado con los años. Entre esta, EL LABERINTO DEL FAUNO y BABEL, estamos viendo los frutos de la inversión, por así decirlo, aunque es una pena que la inversión no se haya hecho completamente en México. EL LABERINTO DEL FAUNO es medio española, BABEL es gringa y CHILDREN OF MEN es británica.

Esta es la película que corona a Cuarón como, si no lo era ya, uno de los grandes. Hay que tener altas expectativas de él de ahora en adelante, la barra ha subido, el tipo está en un rush. No hay otra manera de explicarse el nivel de orquestación visual al que ha llegado, junto con Emmanuel Lubeszki, en esta película, en donde cada toma parece cuidadosamente diseñada, planeada y ejecutada. Iñarritu dijo hace poco, refiriéndose a CHILDREN OF MEN, que era “como Kubrick”, y aunque es un poco exagerado, creo que tiene algo de razón. Hay una sensación constante de estar viendo una pieza meditativa, llena de ideas, con substancia y simpleza al mismo tiempo.
CHILDREN OF MEN no es una película demasiado rebuscada. La anécdota es simple y el desarrollo de personajes escaso. Clive Owen, perfecto como el sujeto por el que nosotros vemos este extraño futuro tan parecido al presente, tiene pocos momentos de intimidad en su odisea. Todo está en función de la anécdota, sin que eso signifique que la película es meramente anecdótica. Y qué oportuna visión del “futuro”, con los seres humanos conscientes de su propia extinción, fronteras cerradas con ejércitos, maltrato a inmigrantes en sociedades “avanzadas”, es un futuro bastante cercano. Y uno de los encantos de la película es su sutileza, su poca inclinación el gran “momentum”, pero cuando éste llega, es casi sublime la forma en que Cuarón, Lubeszki, y todo el resto del crew expresan con imágenes lo que sería demasiado obvio con palabras.
El feeling de estar atestiguando el Apocalipsis mismo, expresado en la idea de una humanidad infértil sin esperanza de vida, pero aún inmersa en los mismos problemas y tonterías de siempre, hacen que la película sea triste sin llegar a ser cínica, en parte gracias el sentido del humor, y sobre todo a la sensibilidad de Cuarón, quién recordemos, siempre sabe donde meter la nota emocional sin martillarla demasiado.

Me pareció interesante que tanto Cuarón como Richard Linklater en A SCANNER DARKLY (ver más abajo) deciden usar varias veces a Radiohead en el soundtrack. Supongo que se han convertido en el sonido perfecto para el futuro que sabe a presente. Aunque Cuarón tiene otras selecciones musicales bastante cool.

El standout definitivo de CHILDREN OF MEN, a pesar de que es una gran película inteligente, se va forzosamente con Lubeszki y su chingonsísima fotografía. Hay cosas en esta película que son así nomás, visualmente excitantes. Los momentos finales, especialmente, son un verdadero trip.
También es curioso que le onda amigable con las drogas es coincidente también en CHILDREN OF MEN y A SCANNER DARKLY, pues todos los personajes simpatéticos fuman marihuana. Michael Caine tiene una excelente línea: “La gente se está muriendo, el gobierno regala kits suicidas, y la mota todavía es ilegal”.

Qué chido es ver que Cuarón ha llegado totalmente a su madurez como cineasta. Se siente tan seguro que lo único que podemos hacer es empezar a saborearnos el nivel de chidez que es posible que obtenga con su próximo proyecto en México acerca de la matanza de Tlatelolco. Si está al nivel de CHILDREN OF MEN puede ser que nos caiga algo histórico.

A SCANNER DARKLY

2006-10-25T11:23:00.000-07:00

La “guerra contra las drogas” es, para mí, una de las situaciones más dañinas en las que la humanidad se ha embrollado en los últimos cincuenta años. No hace falta ser muy inteligente para darse cuenta que, desde sus mismos fundamentos, la filosofía de “acabar” con las drogas no ha servido para absolutamente nada, y lo más probable es que en cuestión de prevención de consumo, daño a consumidores, torcedura de percepciones acerca de qué son las drogas y para qué sirven, narcotráfico, y especialmente en la cuestión de la desinformación, la “guerra contra las drogas” haya hecho mucho más daño que bien para su propia causa y para las contrarias. O sea que en pocas palabras es una pendejada.

Philip K. Dick (autor de ciencia ficción cuyas obras son populares en el cine (Blade Runner, Minority Report), era un junkie de los que conocieron el verdadero infierno de la heroína, la dependencia total, la pérdida de su individualidad, las alucinaciones; y basó A Scanner Darkly, en sus propias experiencias. Y ahora Richard Linklater, uno de los pocos cineastas que realmente se ha mantenido independiente (Slacker, Before Sunset, School of Rock), le aplica a la historia de Dick lo que se siente como justo el sabor que necesitaba.
Linklater, con su estilo laid back, inclinado a la comedia, resulta ser, a mi parecer, el director perfecto para no permitir que A Scanner Darkly se convierta en una película deprimente al mantener la esencia de la historia y capturar el sentido del humor y la imperfecta humanidad de los personajes que, en manos de otro, pudieron haber sido convertidos en clichés de drogadictos. Tal vez ayude que Linklater sabe de drogas.

A Scanner Darkly es un placer sensorial. Se ve genial, con la misma técnica de animación que Linklater usó en Waking Life, y con un soundtrack compuesto mayormente de Radiohead, consigue la vibra exacta entre humor negro y desesperanza que necesitaba la película.

Durante la mayor parte de la película, prácticamente no hay una trama, es solo la historia de un tipo que poco a poco comienza a ser presa de sus alucinaciones, pero junto con él están sus amigos, quienes en algún punto parecen ser tan irreales como cualquier otra pachequeada en su cabeza.

La animación de A Scanner Darkly no es gratuita, se integra orgánicamente con la historia al grado que en algún momento te olvidas de que estás viendo una película animada y te das cuenta que estás completamente absorbido por su desenvolvimiento, viviendo relajadamente las vidas de los personajes.
Linklater tiene mano maestra con los actores. Probablemente estemos ante la mejor actuación de Keanu Reeves (lo que significa que está actuando bien, para variar), y qué loco que lo haga en una película animada donde, además, viste un traje pachequísimo con el que constantemente cambia de rostro y apariencia física. Winona Ryder totalmente rockea como la chica junkie con aversión al sexo, y ni hablar de los enmarañados diálogos de marihuana que se avientan la dupla de Robert Downey Jr y Woody Harrelson. Estos dos weyes me hicieron reír solo en el cine como hacía mucho que no me sucedía. Como a la mitad hay una secuencia de un suicidio que considero una de las mejores escenas de comedia en años, todo en ella está perfectamente orquestado, el timing, los movimientos físicos, la música, la animación, es simplemente perfecta.

El punto donde A Scanner Darkly se separa de prácticamente todas las otras películas sobre drogas (y ciencia ficción) es en la visión humanista, humanizada que presenta acerca de los junkies, no como enfermos sin esperanza, no como seres que lo perdieron todo por su gula, ni como ángeles caídos, nunca con lástima, sino como víctimas, más que de las drogas, de un sistema que propicia lo que condena, y que no duda en utilizarlos como un arma más contra sí mismos.

DIRECCIÓN GRITADERO

2006-10-22T11:38:00.000-07:00

Aunque yo no he podido estar presente, sé de buenas fuentes que a Dirección Gritadero, la obra que dirige mi chica en conjunto con Laura Garciandía, le ha ido rebien. Y eso es cool. El diseño del cartel es la onda, ¿O no?

¿Y DONDE ESTÁN...LOS ESPAÑOLES?

2006-10-22T11:36:00.000-07:00

Cuando vine a Madrid hace seis años, España era todavía bastante diferente al resto de los países de la Unión Europea que están a su alrededor. Se podía sentir la onda española de una forma bastante fuerte, el espíritu latino, pues…De aquí a Francia había todo un trip distinto.

Hoy, España ES la Unión Europea. Sigue siendo más barato que Italia y Francia pero no importa, el Euro es implacable, todo se siente caro. Se siente homogeneizada. Y lo más loco, más de la mitad de las personas que veo en la calle no son españoles. A veces me siento en Colombia o algo, pero aquí de repente parece Sudamérica. Los acentos están por todos lados y vienen de todos lados. Además de los muchos marroquís, Madrid se ha llenado de chinos y vietnamitas, y ni se diga de latinos. Definitivamente los españoles se están convirtiendo rápidamente en una minoría en su propio país.

No hay nada qué hacer al respecto, en realidad. La historia es la historia, y las cosas cambian y si los europeos no quieren tener hijos, esa onda todavía no les llega a los inmigrantes de ningún lado. La mitad de los niños en muchos colegios de Madrid son de Bolivia. Ves a los latinos por todos lados. Simplemente estamos reconquistando al revés.

No todo es belleza. El otro día en el metro un policía no nos dejaba de ver, a mi y a mis compañeros, la mayoría evidentemente extranjeros. El tipo nos miraba asesinamente, golpeando despacio una monedita en las entradas para meter tu boletito del metro, su trabajo supongo, es checar que nadie se pase, un trabajo bastante inútil a estas alturas, donde si te intentas pasar la maquinita hace un desmadre que deseas no haber intentado la transa (trust me, i know). No dejó de vernos hasta que estuvimos fuera del alcance de sus ojos, y todo el tiempo me sentí como en Haz Lo Correcto, con esas miradas de odio entre razas.

Hay muchos grupitos de supremacía blanca en Europa, pero en ningún lugar son tan absurdos como en España, donde la mayoría tiene sangre africana de todos modos. Whatever. Es mejor que estas culturas se acostumbren a que la desigualdad social lo único que provoca son malviajes para todos, no solo para los que están abajo. Y mientras no esté cool abajo, muchos van a querer subir.

THE WIND THAT SHAKES THE BARLEY

2006-10-22T11:20:00.000-07:00

En mayo pasado, en Cannes, el suspenso giraba en torno acerca de si iba a ser Babel de Iñarritu, o Volver de Almodóvar, la película que se iba a llevar la Palma de Oro. Y de la nada, EL VIENTO QUE AGITA LA CEBADA, de Ken Loach, se la chingó. Almodóvar e Iñarritu no dijeron nada, pues no podían decir nada. Ken Loach es tan o más respetado que ellos dos, y reprocharle esa decisión el jurado sería como si alguien le reprochara a la academia que le dieran un oscar a Scorsese.

Yo fui ayer al cine con la intención de ver la nueva película de Cuarón y al llegar tarde me vi “obligado” a ver esta. Y fue un buen error.

Esta es la clase de películas que sólo la experiencia de tantos años puede salir de un cineasta. Sin prisas pero sin caer en el aburrimiento, y con atención al detalle sin caer en lo barroco. Loach, el cineasta británico con sentido social por excelencia, se vuelve contra su patria y denuncia con bastante crudeza la crueldad de la ocupación británica en la Irlanda de 1920, cuando el Imperio Británico todavía era LA POTENCIA MUNDIAL, y una rebelión irlandesa exitosa significaba un pase gratis para que se armaran rebeliones en todos lados, desde Australia hasta La India. Y eso, claro, no iba a pasar.
Loach retrata esto bajo la óptica de dos hermanos que deciden unirse a la lucha, y participar activamente, y como muchas otras películas, usa su relación para ilustrar la idea de que la guerra destruye hasta los lazos familiares. Nada nuevo bajo el sol, la única diferencia es la manera soberbia en que está narrada, filmada y ejecutada.

La mayoría de los actores son desconocidos, algunos se ven tan irlandeses que realmente se aproximan a lo tribal, pero el protagonista, Cillian Murphy (el malo de Batman Begins y el travesti genial de Breakfast on Pluto) vuelve a lucirse acá. Es chido cuando comienzas a ver que un actor va en ascendencia con pura demostración de talento. Es el centro carismático de la película y nunca deja de inspirar simpatía, a pesar de las cosas que las circunstancias llevan a hacer al personaje.

Loach saca provecho del verde de Irlanda, la película se ve hermosa y probablemente sea su filme más cuidado en los detalles técnicos.

Llevaba bastante tiempo de no sentirme agarrado por los huevos de esta forma por una película, pero la seguridad con la que se narra todo la hace bastante entretenida y poderosa emocionalmente. Algunas de las escenas violentas de plano me hicieron cerrar los ojos.
A pesar de esto, es un poquito demasiado larga, se pasa unos cuantos minutos y pierde algo de fuerza, pero no es lo suficiente como para no decir que está de poca madre. Lo fascinante de la película es esa manera en que logra combinar el intimismo de la historia personal con la imagen general del panorama de la guerra a nivel nación, sin nunca salir del territorio donde se desenvuelven los personajes. Hay una escena casi al final en el que los personajes se ponen a discutir puntos de vista políticos largamente, y no me dejó de sorprender que nunca se tornara aburrido, sino todo lo contrario.
Aunque la movie es deprimente y termina en una nota bastante triste, nada para levantar los ánimos como pensar que Ken Loach, totalmente inglés, sea capaz de asimilar la cultura irlandesa y hacer una película tan profundamente irlandesa, en todos los sentidos. Se siente como una celebración del espíritu de esa cultura, de su lenguaje, de su música y de su temple. Te hace pensar que la comunicación no está perdida, aunque a la gente le guste vivir en el malviaje.

SCAM

2006-10-20T07:04:00.000-07:00

Desde que llegué a Madrid me siento Tin Tan o uno de esos weyes, engañando al mundo entero en una elaborada estafa de la que salgo ganón todo el tiempo. No es que yo crea que no me lo merezco, es que no me la creo que otros estén convencidos de que sí. La sensación, creo, es medio compartida por el resto de los que caímos becados aquí. Te sube la autoestima y te cuestionas si no has sido demasiado desconfiado de tu propio valor como talento.

Aquí estamos, 18 latinos becados por la Fundación Carolina, más unos diez becados sólo por la Casa de América, en el curso de desarrollo de proyectos cinematográficos iberoamericanos. Hay gente de casi todo el continente: Argentina, Brasil, Ecuador, Colombia, Uruguay, Paraguay, Honduras, Cuba, Venezuela…yo soy el único mexicano. Todos venimos con un guión o un proyecto concreto, y la neta nos tratan como reyes.

Yo en lo personal no puedo creer que antes de salir para acá no tenía ni para la gasolina y ahora me la paso de lux. Nos quedamos en la residencia de estudiantes de Madrid, lugar donde, nunca te permiten olvidar por ningún motivo, se quedaron Dalí, Buñuel, Lorca y hasta Einstein. Te señalan constantemente que si Dalí y Buñuel no se hubieran conocido aquí, igual no hubieran hecho el Perro Andaluz, y quién sabe dónde estaríamos ahorita. Tal vez tampoco tendríamos Viridiana, o Los Olvidados. La onda es medio prepotente, cabe señalar.

La estancia es recool. Creo que venía preparado para lo que fuera. Beca completa me sonaba a dormitorio compartido con otros diez y a un comedor tipo prisión con una gorda sirviendo puré de papas en una charolita a una larga fila de estudiantes infelices. Lo que me encontré fue una habitación propia con tele, escritorio para trabajar, camas con sábanas que se lavan a diario, baño completo con tina y hasta una secadora de pelo. Las comidas son tan ricas que causan culpa, por la engordada y por el excesivo lujo. Muchas veces ni siquiera sé que es lo que me ofrecen, los nombres son raros. Ensalada de cangrejo, pastas con calamar en su tinta, hojaldre de cordero, bacalao a la no sé qué chingados, lasagna de vegetales. Todas las comidas de dos platos y postre, generalmente también algo ridículamente delicioso. No te dan de beber más que agua, pero sinceramente, te vale madre. Además, te pagan la transportación pública.

Luego a la residencia cae gente importante e interesante, hay conciertos de piano (el piano de Lorca, ni más ni menos), obras…ayer estuvo Joaquín Sabina leyendo poesía…Hay una biblioteca enorme con todo tipo de libros y películas, aquí al ladito…

Eso sin contar que básicamente lo único que tengo qué hacer es tallerear mi guión y trabajar con la gente de mi curso, que es de lo más chido. La verdad nunca había disfrutado tanto de estar en la escuela. Tal vez, de hecho, sea la única vez que realmente lo estoy disfrutando.

REALMENTE PINCHE

2006-10-20T06:44:00.000-07:00

Qué irónico que justamente una semana antes de visitar el Palacio Real de Madrid, el día 12 de octubre (que nosotros en América tenemos que tolerar como “el día de la raza”) yo descubrí de verdad asombrado que acá en España lo celebran como “el día de la hispanidad”. Mi reacción inicial no ha cegado, y es la de un mexicano encabronado por el cinismo con el que los españoles se jactan de tener una conexión con Latinoamérica, un concepto que aquí realmente no existe, aquí se le llama Iberoamérica. O sea que el 12 de octubre, mientras nosotros allá en el rancho “celebramos” de manera simbólica la diversidad, acá hacen fiesta, aunque no lo dicen, por la masacre que constituyen sus 400 años de imperio sobre el continente americano. No es cualquier celebración. No es como en México que el 12 de octubre nadie lo pela. Aquí es asueto obligatorio y hay un desfile que, me cuentan los que lo vieron, es espectacular, con despliegue militar y toda la cosa.

Irónico, repito, que una semana después me fui a meter al Palacio Real, construido en los 1700 básicamente con todo el oro que se trajeron de allá. El lujo de este lugar es obsceno, como normalmente sucede con la realeza, y va de lo asombroso a lo francamente insultante. Salas gigantescas con frescos, esculturas, objetos de arte por encargo. Ilustraciones en los techos que retratan los cuatro elementos, la vida planetaria, la iluminación, como hechos propios de la monarquía. Salas pequeñas designadas para todo tipo de actividades frívolas: fumar, tomar el té, platicar; en ocasiones al lado o no muy lejos de una capilla exclusiva o una sala de oración. La doble moral es el oxígeno del absolutismo.

El palacio gigantesco. Cuatro pisos en la superficie y cinco subterráneos. En dos horas vimos unas 25 salas de un total de 2400. Más un extensísimo, enorme bosque que los reyes utilizaban para su entretenimiento en actividades como la caza de jabalí, oso, bestias de ese tipo…Paredes de mármol, de porcelana, cubiertos, trofeos, armaduras. La colección más completa de violines Straduvarious del mundo.
El grupo con el que estaba, todos de América, observábamos con estados de ánimo que iban del asombro a la burla. En las salas para banquetes, con sus mesas largas para cientos de personas, ponían en medio centros de mesa gigantes para que la gente un lado no hablara con la del otro. Tampoco un individuo podía hablar con el que estuviera a su derecha, pues su menor rango se lo impedía, sólo podía hablar con el de su izquierda.

Todos los muebles, pinturas, platos, absolutamente todo conservado en perfecto estado. Algunas armaduras desde el siglo IX. Al salir, mi mente no podía deslindarse mucho de la idea de que si los españoles, al invadir América no hubieran sido tan idiotas e ignorantes y no hubieran decidido destruir todo lo que representara la cultura de esas tierras, tal vez hoy podríamos todos tener una idea más clara y fiel de la manera en la que vivían los pueblos mesoamericanos. Me refiero al esplendor, al lujo y la atención al arte que esos pueblos tenían también. Ver Tenochtitlán como la veían ellos, y no como un montón de ruinas. Contraponer su palacio con cualquier ruina nuestra es un recordatorio de la constante estupidez del ser humano.

EL LABERINTO DEL FAUNO

2006-10-15T09:44:00.000-07:00

Me siento como un completo idiota por no tener suficientes argumentos para opinar chido sobre EL LABERINTO DEL FAUNO. La razón es que me estaba quedando dormido al principio por exceso de cansancio, a pesar de que era evidente que la película funciona. Hice un esfuerzo sobrehumano para mantenerme despierto y creo que puedo decir, con reservas, que aunque no llega al nivel de coolness de EL ESPINAZO DEL DIABLO, sí es súper chido que Guillermo del Toro se dedique de vez en cuando a este tipo de cosas, que son su fuerte. Sí, me gustó HELLBOY y todo, pero es en las historias con background latino donde Del Toro se nota más cómodo, además del plus de estar trabajando con una historia escrita por él.

EL LABERINTO DEL FAUNO es la historia de una niña que al final de la Guerra Civil Española se va a vivir al bosque con su madre enferma y su nuevo padrastro, un sádico militar franquista empeñado en gobernar su casa con mano de hierro. Ante semejante realidad, la niña se refugia en un bizarro mundo de fantasía que, irónicamente, no resulta menos peligroso o aterrorizante que el real.
Del Toro está en top form. La experiencia de tantos años lo ha convertido en un maestro y se nota. Visualmente, no hemos tenido nada igual en el cine mexicano y su estilo es único y maravilloso incluso para el estándar mundial del cine de fantasía. Tuve la buena suerte de verla en un cine de Madrid old school, un antiguo teatro con techos altos, pantalla gigante, acomodador, toda la onda. Para mí eso fue un plus personal, un trip retro que me hizo recordar lo chido que era ir al cine cuando era niño. La película fue ideal para esto también.

La movie tiene textura en cada cuadro, casi puedes oler y tocar el bosque, la sensación de peligro es constante. Es todo un logro en muchos sentidos. Tiene momentos para la historia, específicamente una escena con una rana gigante y otra con un ogro comeniños que es bastante frikeante. De hecho no pude evitar pensar en la pesadilla mercadológica en que consiste esta movie, pues es una historia de hadas para adultos, algunas de las escenas son tan violentas gráficamente que si un niño las ve se puede traumar. Se requieren huevos para hacer una película así.
El principal problema de EL LABERINTO DEL FAUNO está en el guión, que no permite a los personajes avanzar más allá de su concepto. El malo es tan malo que se vuelve aburrido, y la madre de la niña, en su ingenuidad de enferma, resulta desesperante. Algunas de las reacciones de la niña ante los peligros y las cosas bizarras sucediendo a su alrededor: faunos, hadas, etc…se sienten poco desarrolladas. La escena del ogro es un ejemplo claro en el que, como espectador, simplemente no entiendes las acciones del personaje.

Pero en realidad, a pesar de cómo suenan, esos son peros menores, y son peros que debo poner con reserva, finalmente yo estaba en una constante lucha contra mí mismo para no quedarme dormido, y la película no tiene nada qué ver con el hecho de que yo no había hilado más de dos horas de sueño en las últimas 24.

Lo ideal sería verla de nuevo, pero aquí el cine es carísimo y hay muchas películas que quiero ver como para repetir. En todo caso, no ver EL LABERINTO DEL FAUNO en el cine es una tontería. No es normal que el cine de fantasía navegue tan comodamente en el terreno de lo cool, inteligente, sustancioso y entretenido. Podría hacer énfasis en el hecho de que la película es mexicana, y que como tal, es importante en cuanto a su manufactura y su atención al detalle, pero Del Toro ha rebasado esto, se siente tan cómodo que pareciera que la hizo en Estados Unidos pero en español, aunque es obvio que no es así. Es la primer película mexicana que se siente realmente internacional en varios años. Y seguramente será de culto en el cine fantasioso.

THE BIG SHAVE

2006-10-14T05:15:00.000-07:00

El frikeante cortometraje de Scorsese, en sus inicios. Véanlo aquí:
http://www.youtube.com/watch?v=QrCaJ-8Q1Y0

EN EL AVIÓN

2006-10-09T14:46:00.000-07:00

Tomar un avión de 11 horas puede ser una experiencia desesperante. No importa que vayas a Madrid. El trip avión-aeropuerto siempre es denso. Tienes que llegar con tres horas de anticipación, hacer fila, sentirte observado por los guardias, dejar que esculquen tus cosas, esperar por horas antes de abordar y ya dentro del avión, estar de 40 minutos a una hora sentado sin nada qué hacer.

Ir solo no ayuda, y me puse a hacer cuentas. He tomado 30 aviones en mi vida, de los cuales los últimos 13 han sido del 2003 a hoy, y todos esos más dos más han sido viajes que he hecho solo. Por eso me resulta cada vez más tedioso el prospecto de viajar en avión, pues lo asoció con soledad y tiempo muerto en el que intento todo para entretenerme: leer hasta etiquetas, dialogar conmigo mismo, viborear gente…todo eso…

Esta vez volé por Iberia, y estuvo bien, el problema es que 11 horas es más que suficiente tiempo para encontrar algo con qué malviajarte. Estar al lado de tres monjitas no es precisamente la receta del entretenimiento aéreo, pero no puedo negar que fue cool ver que las religiosas rezan en intervalos de más o menos veinte minutos, cantan cada vez que ingieren algún tipo de alimento (cocas incluidas), y al ver un reportaje sobre el fashion week de alguna ciudad europea su conversación se enfoca en la anorexia, además de decir: “que fea ropa”. Su equipaje de mano, además de galletitas, era un cuadro de San Judas Tadeo. El momento más revelador fue escuchar a una de las monjitas decir sorprendida: “No mames”: ¿Ante qué? No sé.

Es notable la cantidad de pendejadas que puede uno pensar al estar sólo en un avión y no tener absolutamente nada qué hacer. Una vez agotadas las revistas de la aerolínea (que incluían una entrevista con Maná, y sí, la leí…no han cambiado mucho en diez años, por lo visto), y de leerme una de chismes de la realeza española que alguien dejó de otro vuelo (el notición de que la princesa está embarazada tiene a todos hablando de la sucesión!!!), todo esto antes de siquiera despegar, me resigno a que me espera un largo vuelo.

Ya en el aire me pasan El Universal, y en las siguientes diez horas leería todas las palabras, avisos de ocasión incluidos, en un vano intento por entretenerme. Nunca me han dejado de parecer graciosos los anuncios “personales” de “Negro venezolano bien dotado, te hago lo que quieras, llámame”, son muy buen entretenimiento.

El deleite cinematográfico de Iberia constó de tres películas que hubiera preferido no ver, y que, de hecho, no vi del todo. No me estaba muriendo de ganas de ver “La Casa del lago”, y comprobé por qué…las otras dos películas ni vale la pena mencionarlas.

Después de unas horas, comencé a realmente desesperarme. Ir al baño a hacerme wey no ayudaba en nada, volver a leer las revistas tampoco, y yo simplemente no puedo dormir en un avión. Es ahí donde ir solo duele más, pues la gente que no se duerme ya va acompañada de alguien con quién hablar, pero de todos modos, la mayoría simplemente cierra los ojos, algunos hasta roncan. Los envidio, los envidio con ganas.

Todos sabemos que las comidas de avión son la prueba fehaciente de que para las aerolíneas, tu satisfacción es importante sólo hasta donde tu bolsillo te lo permite. Si eres de los de clase turista, te lo van a recordar. Me causa un ligero malestar ver la comida de avión. La manera pre-empaquetada en que se siente cada sabor, la forma matemáticamente perfecta en que los distintos tupperwares llenan económicamente cada rincón de la charolita en que la sirven, son para mí un recordatorio constante de en qué mundo vivimos, y qué es lo que realmente importa (Money).

Finalmente llegamos a Madrid, y podías sentir la urgencia con la que toda la tripulación quería salir de la nave. Lo más fascinante fue ver un aeropuerto gigantesco como el de Madrid absolutamente vacío a las 6 de la mañana. No había nadie excepto nosotros. Llegamos antes que los empleados. Incluso nuestras maletas tardaron media hora en aparecer en las bandas para recoger el equipaje. Hasta los de aduanas traían hueva. Nadie nos checó nada, simplemente pasamos y ya estábamos en territorio español. Fue lo mejor, un peso quitado de encima, casi compensó por el largo y tedioso recorrido a través del atlántico. And that´s that.

BAILAR CON LA GORDA

2006-10-03T12:04:00.000-07:00

Todas las personas sensibles de este mundo sabemos que los programas de televisión mañaneros tipo Good Morning America, Un Nuevo Día y Hoy son uno de los signos más representativos de la decadencia humana: la inherente superficialidad con la que se aborda cualquier tema, por más importante o desgarrador que pueda ser, la buena vibra artificial con la que sus conductores se presentan ante un público pasivo y poco crítico, la proliferación de la estupidez como la única alternativa para divertirse y pasar un rato agradable…la lista de atentados contra la belleza estética y la pureza espiritual del ser humano es interminable. Este tipo de productos televisivos lo que mejor hacen es promover la mediocridad como forma de vida: mediocridad en información, mediocridad en gustos estéticos, mediocridad en preocupaciones ciudadanas, mediocridad en reflexiones, mediocridad en diversión. Pero es todavía más malviajante ver que las personas que los hacen ni siquiera pueden tener al menos la decencia de disimular su falta de originalidad y esfuerzo para hacer algo medianamente interesante o al menos no completamente excrementoso, y con total descaro, copiarse unos a otros sus idioteces como si el público estuviera ansioso de verlas dos o tres veces cada mañana. Me refiero a la tortuosa práctica de dichos shows de, constantemente a lo largo de su generalmente larga duración (3 horas), poner a sus conductores, patiños e invitados a bailar como pendejos canciones de entre lo más chafo y denigrante que existe en la actualidad, con coreografías de nivel básico con la supuesta expectativa de que la audiencia en casa se pone a bailar con ellos. La noción de que hay gente ahí afuera de distintos niveles socioeconómicos que aunque sea se divierten con esto me da de bajón y me llena de impulsos suicidas y homicidas.

Realmente no quedan excusas para las televisoras, ni locales ni nacionales, respecto a la reglamentaria mediocridad con la que llenan los contenidos de sus programas. Económicamente, tienen tantos recursos como los mejores. Y sin embargo, pareciera que todos los programas matutinos tienen que ser exactamente iguales unos a otros, y padecer de la esquizofrenia del nuevo milenio, hablando un momento del cáncer de mama e inmediatamente después acerca de las hazañas de sus “estrellas” en shows deprimentes como “Bailando por lo que sea que se les haya ocurrido que tienen que bailar esta vez” o “La Academia Generación whatever”. Por eso es que es un signo del Apocalipsis ver que hay países con hambruna mientras Multimedios gasta dinero en que Mario Bezares tenga un programa al mediodía.

Sé que puedo sonar superficial, pero tal vez alguien pueda explicarme por qué en todos los programas de este tipo a nivel local hay forzosamente una mujer obesa vestida de criada o de señora de lavadero a quien supuestamente nosotros, solamente por esos atributos, debemos encontrar simpática. La verdad es que hay pocas cosas en el mundo más molestas que una mujer gorda que insiste en ser simpática para compensar su falta de apego a los cánones de belleza de la actualidad. Entiendo que esto puede sonar misógino y discriminatorio, y que los jales en la tele son escasos para las mujeres anchas, pero si yo fuera una de ellas, me sentiría un poco más ofendida si el único trabajo que parece tengo posibilidad de obtener, es el de ser una especie de patiño disfrazado de cliché, explotando de forma burlona mi aspecto, y además denigrando indirectamente a las pobres criadas y trabajadoras domésticas, que realmente no necesitan a estas alturas que la televisión propague imágenes estereotípicas de ellas.

No estoy diciendo nada nuevo, claro, pues yo sé que muy dentro todos sentimos un ligero malestar cuando pasamos por estos canales y atestiguamos el deplorable espectáculo de lo que se supone es divertido para la población mexicana. Ni modo.

APOLLO TRADE CENTER

2006-09-18T17:39:00.000-07:00

No iría tan lejos como para llamar a World Trade Center, o Las Torres Gemelas, una mala película. No lo es. Cumple como entretenimiento. Pero tampoco es realmente buena. Es demasiado tímida, tiene demasiado miedo de ofender, se mueve con guantes de seda, y finalmente, le quita la cáscara a la fruta, por decirlo de alguna forma, y al final te das cuenta que es tan genérica y poco específica que pudieron haber cambiado la locación por una mina, y los personajes por unos mineros, y llamarla La Mina de Carbón y básicamente hubiéramos visto la misma película.

Ese sería mi problema principal con World Trade Center, que en realidad de lo único que no se trata es del World Trade Center. Esta película es la manera que Oliver Stone tiene de decir: “Ok, I’m sorry, hice Alexander, fue un desastre, a nadie le gustó, pero puedo hacer algo comercial sin meter mi agenda política en la mezcla para que me den chance de hacer películas en Hollywood otra vez”. Y la verdad, lo hace. Pero para mi gusto, se pasa de complaciente y de culo, y desde mi perspectiva hasta termina haciendo una película oportunista.

¿Cuál es el punto de hacer una película usando como pivote el 9/11 y la caída de las torres gemelas, para relegarlos luego a ser simplemente el background de una historia que trata, aunque no lo logra, de ser como un Apollo 13 en Nueva York? ¿No hay una obligación moral de parte de un artista de al menos tratar de darle el 9/11 una dimensión única, que rebase la simple anécdota y contextualizarla como un hecho en lo que se podría decir es el evento más importante del siglo hasta ahora? Stone y compañía dicen que lo que intentaron hacer fue no politizar el 9/11 y dedicarse a contar la “fascinante” historia de dos rescatistas que quedaron atrapados debajo de las torres cuando cayeron y finalmente fueron rescatados. El problema es que su historia no es realmente tan fascinante. Los tipos iban a hacer su trabajo, las torres cayeron, quedaron abajo, y permanecieron ahí casi inconscientes, en la oscuridad, hasta que fueron y los sacaron. La película se queda mayormente en esos límites, intercalando escenas de los dos tipos enterrados con las de sus familias sufriendo en el exterior, y de un extraño e inquietante personaje que supuestamente es un Marine, y que actúa consistentemente como robot más que como humano, aunque la película se empeñe en hacer sentir emoción y buena vibra proveniente de un ser cuya mayor reflexión en toda la película es demasiado hollywoodense: “Es como si Dios hubiera puesto una cortina de humo para que no viéramos lo que no estamos preparados para ver”.

Para hacer la historia interesante, el guión trata de dar dimensión a los personajes retratando su vida familiar, pero incluso eso es limitado. Supuestamente el personaje de Cage tenía problemas con su esposa, aunque eso es algo que apenas y se menciona, Dios no quiera que se retrate a la familia de un héroe como disfuncional, o con dos padres encabronados uno con el otro. La verdad es que, por lo que se ve, los dos personajes principales no tenían vidas demasiado turbulentas, y la movie, en vez de hacer honor a eso o buscar otra manera de retratarlas, intenta darles arcos y elipsis propias de la cinta de acción de la semana Hollywoodense, pero sin atreverse a hacer un retrato más humano, o al menos más honesto de estos personajes o del momento por el que atraviesan antes y durante lo que ocurre en la película. Es tanto el miedo por no ofender, que nadie dice nada sobre los ataques de los aviones en toda la película. Ni la esposa de Cage, ni la familia de nadie hace un solo comentario como el que todos estaban diciendo ese día. No hay un verdadero contexto de nada. Para algunos eso es “no politizar el 9/11”, pero para mí más bien es un poco de miedo de decir algo medianamente interesante acerca de lo que está sucediendo. En ese sentido, creo que Spielberg dice cosas más interesantes sobre el 9/11 en La Guerra de los Mundos y Munich que Stone en WTC. Acá, sentí todo forzado para ser coherente en un discurso cursilón sobre la capacidad de las personas para unirse y hacer lo correcto. Eso es todo lo que la película quiere decir y lo hace, pero en el proceso sacrifica todo lo demás. Es tan estrecho el enfoque que inevitablemente, Stone se ve obligado a “crear” un suspenso inexistente: ¿Sobrevivirán? ¿No sobrevivirán? ¿Se reconciliarán los personajes? Cualquier espectador medio inteligente sabe desde el primer momento la respuesta a estas preguntas, por lo que el suspenso que se busca no cuaja.

De todos modos, hay cosas positivas. No es fácil enmarcar una historia, o la mayor parte de una historia, con dos personajes enterrados bajo los escombros en la oscuridad, y visualmente solucionar tal problema de forma que no se vuelva claustrofóbica o demasiado tensa. Y tiene, por default, un impacto emocional fuerte. Primero, por el background que, aunque la película se niega a darle, tiene el 9/11, y segundo porque las actuaciones son buenas y todos parecen estar en el bote navegando en la misma dirección: no controversia, es solo la historia de estos dos tipos ahí abajo.

El problema, repito, es que el miedo a ofender y el deseo de complacer acaban por generalizar la tragedia al grado de que la película se siente oportunista. Contando una historia única de una forma standard, llenándola de lugares comunes. De hecho, no veo otra razón para llamarla World Trade Center excepto para atraer al público, pues aunque los hechos se desarrollan ahí, la trama y lo que sucede en ella no encuentran eco alguno en el título de la película. Creo que, si bien gran parte del enfoque es sobre los dos personajes convirtiéndose en amigos durante su estancia bajo los escombros, al menos se pudo haber llamado Septiembre 11, como fecha emblemática en la vida de los dos rescatistas.

No quiero ser el negativo, pero si vas a contar una historia del 9/11, veo muchas más posibilidades de hacer algo realmente emotivo si cuentas la historia de una familia que perdió a alguien querido ese día, en vez de una historia “positiva” cuyo mensaje es que, aunque ustedes no lo crean, en momentos de angustia y necesidad, la gente se ayuda una a la otra (wow).

Para Oliver Stone, es una decepción, incluso después de Alexander. Sí, juega el juego bajo las reglas de Hollywood, demuestra que puede ser complaciente y anti controversial. Pero la neta, hay miles de cineastas ahí afuera que pueden jugar así, ser complacientes y anti controversiales, y hacer del 9/11 una fábula de buena vibra, pero Oliver Stone puede hacer mucho más que eso, puede iluminar lo que a muchos les parece oscuro. Ya probó que puede ser domado. Ok. Cool. Move on. A lo que sigue.

NAPALM IN THE MORNING

2006-09-18T17:30:00.000-07:00

La ambición es uno de los ingredientes principales de las grandes obras artísticas. No puedes llegar muy lejos si ni siquiera ambicionas llegar muy lejos. No puedes ser relevante si no te preguntas qué tan relevante eres en primer lugar. No puedes ser profundo si tu enfoque es limitado por una ambición diminuta. Bajo esos términos, Apocalypse Now de Coppola, tanto en su versión “corta” de 1979, como en la “redux” del 2001, es probablemente la película mas ambiciosa que se ha hecho, y el consenso general es que se trata de una de las mejores, más importantes, interesantes y logradas de la historia.

Con una turbulenta filmación que incluyó llevar a Coppola (el financiador con su propio dinero) casi a la bancarrota, un infarto del actor Martín Sheen, una estrella problemática que causó caos (Marlon Brando), ataques insurgentes de los rebeldes en la zona donde filmaban en las Filipinas, un huracán que destruyó todos los sets, amenazas e intentos de suicidio de su director, y finalmente 235 días de fotografía principal y años de postproducción, Apocalypse logró ser estrenada con cierto honor, aunque la prensa negativa rodeando la filmación fue en su momento más poderosa que la calidad misma de la película y su Palma de Oro en Cannes. Ganó el Oscar a Mejor Sonido en lo que más bien parecía una burla. El tiempo ha tenido un veredicto diferente y se ha convertido en un clásico y en una de las películas más influyentes de las últimas décadas.

Ya existía una versión en DVD de Apocalypse Now Redux, pero se trataba de un transfer menor, con sonido que apenas cumplía con la calidad requerida normalmente. Nada extraordinario. Por eso es bastante importante checar el nuevo DVD, al que titulan Apocalypse Now, The Complete Dossier, y que incluye las dos versiones, la corta y la larga, totalmente remasterizadas, reeditadas, y todos los otros res posibles. Yo he visto Apocalypse muchas veces. Cuando estrenaron Redux en el cine la fui a ver cuatro veces, nomás porque sabía que ver una película así en la pantalla grande es un privilegio que no llega a cada rato a ningún lado. Mi favorita, como quiera, es la versión original. Aunque Redux es más completa y más rica en contenidos y giros, la neta es demasiado larga y siempre que la veo a huevo llega un momento en que cansa. Eso nunca me ha sucedido con la versión original, que fluye como el río en el que se desarrolla la cinta, y te deja completamente rockeado sin que en ningún momento sientas que necesitas descansar o ir a echarte una meada o algo para despejarte. El trip es que, mencionó que he visto Apocalypse, como una de mis películas favoritas, decenas de veces, porque hace un par de días que vi el DVD nuevo (la versión corta), honestamente no podía creer lo que veían mis ojos. Fue como verla por primera vez.

El transfer es simplemente espectacular. Las imágenes están claritas, llenas de color, cada pinche detalle es apreciado. Se ve como si la hubieran hecho ayer. Los negros están negros, los blancos blancos, la paleta completa se siente viva. Y particularmente, el sonido es toda una experiencia envolvente. La mezcla es perfecta. La música, los efectos y las voces están todos en el justo nivel. Básicamente te sientes ahí. Los que vean la película por primera vez en un Home Theathre de 5.1 canales van a tener un contacto inicial con esta película, probablemente mejor que si la fueran a ver al cine, al menos en términos de sonido, pues no sé que trip traen en el cine de un tiempo para acá que nunca le suben bien al volumen y todas las películas se oyen medio pinches.

Verla con esta calidad me hizo descubrir o ponerle atención a detalles que en muchas otras ocasiones no se me habían hecho tan llamativos o logrados. La música original de “orquesta sintética”, y la súper alucinante secuencia psicodélica del puente Hao Phat cobran una nueva vida.

El fotógrafo Vittorio Storaro, con autorización de Coppola, hizo un cambio al aspecto radial de la película en este DVD, abandonando el widescreen original por un intermedio entre el standard de las televisiones rectangulares y lo que tenían antes y creo que fue una buena decisión. El enfoque épico de la película la hace tener pocos close ups, y gestos y detalles mínimos de las actuaciones y los sets se pierden en el rectángulo “pequeño” que se hacía anteriormente. Con este cambio, la película se vuelve emocionalmente más directa. Aunque como quiera, deberían de dejarle al público la opción de ver la película como el público prefiera.

Vienen una decena de documentales cortos sobre la filmación, pero sobre todo la postproducción de la película, incluyendo algunos sobre el exhaustivo y detallado trabajo del diseño de sonido y la música, así como escenas borradas y grabaciones de Brando leyendo las poesías de T.S. Elliot.

El comentario de Coppola es entretenido y fascinante en sus detalles, aunque se le nota algo tímido para hablar abiertamente de los momentos más densos de la producción de la película.

Es bueno ver que, de vez en cuando, un DVD de una película importante es tratado con el respeto y el cuidado que se merece. Se le hace justicia a la película y probablemente la estemos viendo mejor que como se veía cuando originalmente la estrenaron.

Dicho esto, ningún DVD de Apocalypse Now puede llamarse The Complete Dossier sin incluir el documental making of nominado al óscar “Hearts of Darkness: A Filmmaker’s Apocalypse”, filmado por la esposa de Coppola, a veces sin que él se diera cuenta, durante el rodaje de la película, y donde vemos al tipo casi volverse loco, bajar y subir de peso dramáticamente, gritarle a todo el mundo, exhibir el orgullo y la pedantez de un egomaniaco y después casi llorar. En conjunto un fascinante retrato de un artista al borde del abismo, tanto creativa como económica como personalmente. Si alguien quiere verlo, vayan a
http://www.youtube.com/watch?v=LN5IfpEwPEw
donde de momento está, pero quien sabe por cuanto tiempo.

Para cualquiera que le guste el cine, este es uno de los pocos que realmente es obligatorio.

99 PROBLEMS BUT A BITCH AIN'T ONE

2006-09-13T15:20:00.000-07:00

Llevo meses, tal vez años pensando en escribir un pequeño texto acerca de cómo en 1999 hubo más películas chidas de lo normal. A estas alturas, cinéfilos y críticos coinciden en que el 99 fue el último gran año del cine hasta el momento. Por lo menos del cine hablado en inglés.

Lo que sucedió en el 99 fue inaudito. De hecho, las películas eran tan buenas y tan diferentes que no fueron pocos los que se preguntaron si el buen cine de ese año era un síntoma de que las cosas estaban cambiando, de que los estudios iban por fin a empezar a apostarle los billetes a películas menos convencionales, a romper el molde, a arriesgar algo para variar, en aras del buen cine. Y había razón en preguntarse eso, pues la mayoría de las películas chidas del 99 (muchas) no fueron independientes, sino productos directos de la maquinaria hollywoodense.

The Straight Story, de David Lynch
American Beauty, de Sam Mendes
Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick

Y probablemente esa fue la gran diferencia. Películas arriesgadas contaron con el respaldo económico de los estudios, y así obtuvieron una mayor audiencia y reconocimientos más notables. Increíble que una película tan extraña como Being John Malkovich, de Spike Jonze, haya sido de estudio.

Y miren la lista. El 99 fue el año de Eyes Wide Shut, la última película de Kubrick, ninguneada en su momento y que con cada año que pasa crece en estatura y aprecio. Fue el año de The Matrix, que revolucionó el cine de acción para la nueva década, y no sólo eso, sino que se trataba de ALGO, en oposición a lo que el cine de acción normalmente es. Y fue el año en que una película como American Beauty no sólo ganó el oscar, sino que además fue éxito de taquilla.

Being John Malkovich, de Spike Jonze

Todo Sobre mi Madre, de Pedro Almodóvar

Sweet and Lowdown, de Woody Allen

Muchas cosas extrañas sucedieron en el cine del 99: tal vez la más extraña fue atestiguar que una película del maestro del freak, David Lynch, The Straight Story, comenzara con el título de Walt Disney Pictures Presenta, y todavía más loco, que esa película, en toda su dulzura clasificación A, resultara ser una obra maestra (mi favorita de ese año, lo cual es decir mucho).

Summer of Sam, de Spike Lee

Dogma, de Kevin Smith

Man on the Moon, de Milos Forman

El 99 fue el año de Magnolia, de PT. Anderson, fácilmente la película más influyente de los último diez años. Y fue el año de Fight Club, una película tan subversiva que la única manera de hacerla más subversiva fue ponerle de estrella a Brad Pitt. Hay pocas películas que hablen tan claramente del momento histórico en el que se filmaron como Fight Club.

El cine de horror tuvo dos exponentes que se convirtieron en clásicos instantáneos: The Sixth Sense, de Shyamalan, y el fenómeno cibernético de The Blairwitch Project. David Cronenberg brindó una de sus películas más extrañas: Existenz.

Magnolia, de Paul Thomas Anderson

Limbo, de John Sayles

The Insider, de Michael Mann

Hasta las comedias prepoides de adolescentes encontraron una voz inteligente y mordaz en la sátira política Election, de Alexander Payne, previo a sus éxitos con About Schmidt y Sideways. Kevin Smith, quien usualmente maneja un humor más puberto, se puso polémico con su irreverente crítica a la iglesia católica Dogma. Hubo una explosiva mezcla de farsa y acción con Three Kings, de David O. Russell, la primer película de estudio americana que trataba con algo de cerebro el tema de la guerra del golfo pérsico del 91.

Parecía que cada director respetable estaba bateando homeruns por su lado. Además de Kubrick, Anderson, Jonze, Lynch, Cronenberg y Shyamalan, estaban Oliver Stone, con su ácido estudio del fútbol americano Any Given Sunday, Martín Scorsese con la deprimente Bringin Out the Dead, Pedro Almodóvar con su masterpiece Todo sobre Mi Madre, Anthony Minguella con el elegante misterio The Talented Mr. Ripley, Tim Burton con su divertida y lúgubre mezcla de horror y comedia en Sleepy Hollow, Michael Mann con la mitad thriller mitad drama contra las corporaciones, The Insider, Neil la Bute con la desoladora misoginia de Your Friends and Neighbours, Robert Altman con su alegre y despreocupada Cookie’s Fortune, John Sayles con la atrevida y abierta Limbo, Spike Lee con su excesiva Summer of Sam, Milos Forman con Jim Carrey completamente transformado en Man on the Moon y hasta Woody Allen, quien suele ser irregular, se puso a la altura con su tragicomedia Sweet & Lowdown.

Election, de Alexander Payne

Bringing out the Dead, de Martin Scorsese

Any Given Sunday, de Oliver Stone

En México tuvimos al menos dos películas valiosas: la adaptación totalmente sin concesiones de Arturo Ripstein de El Coronel no Tiene quien le Escriba, y la fascinante Bajo California, el Límite del Tiempo, una de las películas mexicanas más cool de los ultimos años.

Lo que me pasó ese año es que por un periodo de dos o tres meses, cada vez que iba al cine salía tan feliz que no daba crédito. Todas estas cintas no tienen nada en común una con la otra, son visiones únicas con estilos personales, es cine de autor a gran escala. Críticas, fuertes, inteligentes. Y todas son realmente muy buenas. Pronto serán diez años de esto, y ninguno de los años subsecuentes han estado ni cerca de lo que sucedió en aquel entonces. Al contrario, cada vez es más difícil toparse con películas tan libres en el cine, y cada vez tiene uno que conformarse más con productos más convencionales. Imagínense que nos hemos vuelto tan fresas, políticamente correctos y predecibles que a Crash y a Brokeback Mountain se les considera películas atrevidas...

POOL CREEP

2006-09-04T17:51:00.000-07:00

Hay un video en vivo de Radiohead tocando Creep en algún tipo de show sabatino de MTV grabado en los early 90's que a veces hace las rondas en telehit, y que siempre me ha parecido gracioso y elocuente, porque ilustra con dulzura el horrible momento estético por el que la humanidad del mundo occidental estaba pasando en aquellas épocas.

Es fácil olvidar que Radiohead, junto con Nirvana, Pearl Jam, Stone Temple Pilots y toda la onda grunge "todo es deprimente y triste" que se puso de moda en los noventas tuvo que convivir por un tiempo con trips como New Kids on the Block y Madonna. La gente olvida que, previo al grunge, los 90's no sabían exactamente qué hacer consigo mismos y los excesos chafoides y ridículamente superficiales de los ochentas aún hacían ruido y buscaban sobrevivir en la nueva década. Por eso había Milli Vanilli, Vanilla Ice, y toda esa parodia de la parodia involuntaria. Todo ese techno que ponían en los quince años y las graduaciones, "saturday night, ta rarararara", etc...Sí, mi cerébro se retuerce cuando tales sonidos olvidados regresan a mi mente.

Y en lugares menos glamorosos del primer mundo se gestaba el movimiento musical que iba a mandar el glamour tanto al diablo que durante cuatro o cinco años, lo más in era verse como pordiosero. El grungo de la segunda mitad de los noventa es tan pesado en contenidos y tan lleno de principios que hasta es chocante, pero supongo que era necesario contrarrestar tanta banalidad con algo igual de radical.

Lo chistoso de este video de Radiohead es ver como ambas corrientes estaban todavía ocupando el mismo espacio. Este show matutino se desenvolvía en una especie de motel con alberquita y todo, los chicos y chicas de la época que "rapeaban" con Ice, Ice Baby salían en sus trajes de baños de colores chillantes estilo Salvado por la Campana y bailaban lo que les pusieran a sus fresas existencias. Y luego llegan los Nirvanas y Radioheads del mundo y supongo que, su repentino éxito agarró sin estrategia a los de MTV y compañía y decidieron, como buen éxito de top 40 que fue Creep, ponerlos a tocar semejante rola de alto nivel de elementos depresivos en su show good vibe tragate tu cereal no te preocupes de nada interesante de sabado por la mañana. Y ahí están Thom Yorke y sus secuaces, todos vestidos de negro o blanco y negro con las miradas cabizbajas y la vibra pesada de alguien que canta que "i'm a creep, i'm a weirdo, what the hell i'm doing here, i dont belong here"...y es, por supuesto, de lo más bizarro verlos mientras el público con sus trajes de baño de estampados de Traper Keeper sonríen y tratan de bailar el que se convertiría en uno de los himnos más mamucas de la juventud de los noventas.

Que las cosas iban a cambiar casi hasta dar un giro de 180 grados en los próximos años es obvio ahora, en perspectiva, como debió de haber sido obvio que todo se iba a ir al carajo cuando de pronto, Ricky Martin se colaba con La Vida Loca y Britney Spears con Baby One More Time entre videos de Radiohead y Nine Inch Nails, hace apenas seis o siete años...

NIGHT vs. THE WORLD

2006-08-24T14:34:00.000-07:00

Por días he tratado de encontrar una manera de hablar de La Dama en el Agua sin caer en los lugares comunes que he encontrado en la mayoría de los críticos y escritores que he leído en internet al referirse a esta película. La respuesta de la crítica ha sido tan casi unánimemente negativa, y en la mayoría de los casos tan agresa que incluso me da miedo recomendarla aunque sea con un poco de timidez. Pero tengo qué decirlo. Tengo que salir y dejar testamento que el domingo que vi La Dama en el Agua la disfrute un chingo. Igual que las tres personas que iban conmigo, y por lo que vi, del resto del público de la sala, casi llena.

Ya leí todas las críticas, ya he visto todos los comentarios. El mundo se une en su odio. La Dama en el Agua es un “desastre”. “Absurda”. “Completamente inverosímil”. “Falta de lógica”. “Aburrida”. “Sentimentaloide”. “Mal escrita”. “Incoherente”. “Ridícula”. “La peor película en años”. Y M. Night Shyamalan es un “arrogante”, “narcisista”, “inepto”; “cada vez peor”...su decisión de darse a sí mismo el papel de un escritor cuyas palabras, eventualmente cambiarán el destino de la humanidad es una muestra de sus “delirios de grandeza”. Honestamente, desde Oliver Stone y sus Asesinos por Naturaleza, o desde que Woody Allen se casó con Soon Yi Previn, no había leído tantas críticas a una película donde la mitad de los ataques son personalmente dirigidos al cineasta. No ayuda en nada el libro autobiográfico de Shyamalan en el que narra con lujo de detalles la manera en que cuando en Disney no les gustó su guión para esta película, se sintió tan “devastado” que “lloró”, y se fue de la compañía con la Warner (no sin hacerle los cambios que la gente de Disney le sugirió a dicho guión).
Pero tengo que estar en desacuerdo. Cada vez que un odio así surge en los medios, como dice Robert Altman: “nunca eres tan bueno como dicen cuando eres bueno, ni tan malo como dicen cuando eres malo”.

Neta. El domingo el público cayó con Lady in the Water. Se la creyeron toda. A nadie pareció importarle su “incoherencia”. Se rieron. Se emocionaron. Yo estaba ahí, y casi estaba igual. Y en los días consecuentes, he pensado en ella y en lo que Shyamalan intenta hacer con su historia y hasta me ha llegado a parecer brillante.

Nadie niega, ni siquiera sus más fúricos detractores, que M. Night Shyamalan es un cineasta ultra talentoso. Una visión única en medio de una industria llena de copiones, específicamente en el ramo de los cineastas que se dirigen a las grandes audiencias. Pero su enorme talento y su necedad para seguir su visión parece molestarle a algunas personas. O algo así. El Sexto Sentido lo convirtió en uno de esos pocos directores estrella y desde entonces, en vez de jugársela seguro ha pasado los años ofreciendo siempre creaciones originales, distintivamente suyas, a riesgo de alienar a la masa gigantesca que solo quiere entretenerse un rato con películas desechables, predecibles y a la larga aburridas por su inofensividad, como Superman Regresa.
Intenté escribir una descripción de la historia de La Dama en el Agua, pero es inútil. Es demasiado extraña para detallarla sin que suena a marihuanada total (porque de hecho lo es). Lo que sucede básicamente es que un hombre solitario con una historia trágica (Paul Giamatti) que vive en un complejo de departamentos, por cuestiones que sólo la película puede explicar, tiene que ayudarle a una ninfa marina que aparece en su alberca a regresar a su mundo, no sin antes descubrir su propio lugar en lo que parece un cuento de hadas, y el de todos los vecinos de los departamentos. Es mejor dejarlo ahí, pues La Dama en el Agua es mucho más metáfora que historia, y es sólo en esos términos que comienza a tener sentido. El simbolismo es pesado casi al punto de ser obvio, pero la película siempre se mantiene ligera.

Eso es, claro, si como espectador damos el salto de fe que Shyamalan pide, y no es poco. De hecho, sé que la gran mayoría no va a poder darlo, pero los que sí, les espera algo cool. Casi todos los críticos han sido rápidos para señalar los “defectos” de esta película. La historia absurda, la manera casi ridícula en que Giamatti acepta la realidad que la ninfa le presenta, y peor aún, la facilidad infantil con la que el resto de los personajes no solo le creen cuando les cuenta, sino que se apuntan para ayudarle. Los “hoyos” en la historia, de cómo se presentan situaciones y luego son abandonadas sin resolución. Esto ha sido interpretado por algunos como auto indulgencia, falta de ganas al escribir, o simplemente desconexión total por parte del guionista y director a la hora de estructurar su historia. Pero creo que quien piense así está perdiendo el punto. Es inútil criticar a una película así por su falta de lógica.

La Dama en el Agua es primero que nada una película sobre como las historias son inventadas y contadas de persona a persona, y de cómo sobreviven por medio de la capacidad de cada quién de imaginarlas y encontrarles un sentido en su propia vida y marco de referencia. La secuencia inicial, de pinturas rupestres animadas hace una conexión entre esa antigua forma de contar cuentos y la más moderna, que sería un medio audiovisual como el cine. Tener poder para imaginar las cosas más locas y creerlas, dice la película, es la salvación. Sin eso, nada tiene sentido.
Sí, los críticos han notado la aparente ligereza con la que todos los personajes de la película creen y cooperan con Giamatti y la ninfa para lograr su objetivo, sin importar lo improbable que suene. Y tienen razón en eso, los personajes felizmente aceptan creer en lo que Giamatti dice y le ayudan. De hecho, todo el tiempo mencionan lo bizarro del asunto. Uno de los aciertos de la película es su tono juguetón, medio en broma, medio en serio, con los personajes constantemente reconociendo que lo que está sucediendo es completamente inverosímil y tonto, y sin embargo se entregan a la misión con la seriedad y la fe de alguien que no le importa que sea tonto. Esto se acentúa por la estrategia de Shyamalan de nunca salir del complejo de departamentos, y es rara una película Hollywoodense que piense en grande y actúe en pequeño como esta. De hecho el único personaje que parece pensar que todo a su alrededor está de hueva, es precisamente el crítico, quién tiene una gran escena casi al final, cuando comienza a narrar lo que está sucediendo en pantalla con el tono cínico de alguien que sabe lo que va a suceder para luego ser sorprendido.

Lo que los críticos han descalificado como el mayor defecto de la película, para mí es su más grande virtud. Hay algo acerca de la desvergonzada y risible mensez con la que todos los personajes se dejan llevar por lo que sucede en la historia que se vuelve irreverente y casi mágico espiritualmente. ¿A quién le importa la lógica? ¿Cuál es el punto de que una película tenga “sentido”? ¿Qué importa más, la lógica o el corazón? Todo esto hecho evitando casi cualquier lugar común o volteándolo contra sí mismo. Es tan deliberado lo que hace que creo que, lo que sucede, es que hay gente ahí afuera que necesita relajarse y disfrutar cuando una película se atreve a ser tan relajadamente pacheca. Hay una escena en la que Paul Giamatti pasa tanto tiempo bajo el agua que cualquier intento por mantener la credibilidad “normal” de cualquier otra película tiene que ser desechado. En otra, Giamatti tiene qué comportarse como niño chiquito para averiguar cierta información sobre la ninfa, y si ahí no te has dado cuenta que estás viendo algo infinitamente descabellado a propósito...the joke’s on you. Y eso es lo que me sorprende más: La gente no tiene problemas para creer que una ninfa acuática aparezca en una alberca en la noche, o que un monstruo la persiga, pero sí para creer que una bola de vecinos van a salir de la burbuja de sus vidas para unirse y ayudarla. ¿Qué dice eso sobre la gente en todo caso?

Y nadie se merece los aplausos más que Giamatti. Él mantiene toda la ridícula historia en pie, está al centro de ella y va con facilidad de la comicidad a la tristeza al miedo. No puedo pensar en ningún otro actor, de ahorita o de cualquier momento que hubiera podido armarla así con un guión y un concepto tan difícil.
Como todas las otras películas de Shyamalan, La Dama en el Agua es impecable en todos los aspectos técnicos. Y el tipo sigue experimentando. Casi una toma por escena, con un estilo visual diferente (acentuado por la colaboración en esta ocasión con el fotógrafo Christopher Doyle, famoso por su enfoque improvisacional y su trabajo con Wong Kar Wai, y básicamente lo opuesto a Shyamalan, un control freak), y un énfasis en el mood más que en efectos especiales o intenciones de shock o sorpresa. Cualquier persona que se tome en serio el cine debe de ver las películas de Shyamalan simplemente por el rigor con el que son conceptualizadas y realizadas, independientemente de si el producto final gusta o no.

La neta, a pesar de las críticas, en el peor de los casos, Shyamalan y Lady in the Water son admirables. Los insultos y los ataques son consecuencia natural cuando un artista es honesto y le vale madre y sigue su visión sin importarle lo que sea aceptable o comercial o correcto. Todos los verdaderos cineastas tienen tantos fans como detractores, y todas las películas que realmente son diferentes son maltratadas por quienes no las quieren entender. Ser acusado de narcisista, egomaniaco y chafo es normal para cualquier artista respetable, desde Kubrick hasta Fellini. Pero la tenacidad y la originalidad viven más que una mala crítica. Prefiero cualquier día de mi vida ver La Dama en el Agua en vez de Superman, Cars, Piratas, Misión Imposible 3, todas películas mediocres por definición, sin personalidad, sin alma de verdad, complacientes y por ende decepcionantes, y que por cierto, tuvieron mejores críticas. Shyamalan es un necio arrogante, como todo buen artista tiene que ser para hacer realidad su visión. Su agente le dijo que no la hiciera, Disney le dijo que no, los medios le auguraron un fracaso, y no le importó. Era un cuento que le contaba a sus hijos antes de dormirlos y tuvo los huevos de dar el salto de fe como para hacerla hasta el final. Hasta las últimas consecuencias. Y tal vez sea mucho pedir que el público de un salto de fe como el suyo, aunque en comparación sea una miniatura. Ha tenido las peores críticas de su carrera y su recepción en taquilla no ha sido nada ejemplar, incluso se podría decir que es desastrosa. Pero la hizo. Y el día que yo la vi en el cine, la sala estaba casi llena y el público entusiasmado y feliz desde que empezó hasta que se terminó, y en lo más profundo, eso es lo que como cineasta realmente quieres a la hora de la hora: una sola sala, con un grupo de gente que te agarra la onda. Que se la creen tanto como tú. He wins.

OCULTO

2006-08-24T14:17:00.000-07:00

Una de las cosas que más me encabrona sobre este mundo es la historia de la dominación europea sobre los otros continentes, y cómo las consecuencias de su colonización y genocidio humano y cultural, y de su gigantesco robo de bienes materiales durante siglos sigue impactando la economía de hoy. Pero lo que más me caga del asunto es como Europa y las naciones que se desprendieron de ella en otros continentes pero que continuaron con una marcada influencia europea (como Estados Unidos y Canadá, Australia, etc...) han mantenido un free pass respecto a sus crímenes contra la humanidad simplemente porque siguen siendo del club de los poderosos, mientras voltean la cara y se hacen pendejos ante su propia culpa. Es imposible ver la calidad de vida de un país como España o Francia y no remontarse a la época de la colonia cuando masacraban indígenas y aborígenes en América y África mientras les robaban el oro y se enriquecían cochinamente, y no hacer una conexión entre esos hechos y su riqueza actual.

Las consecuencias de esa violencia gangsteril, sin embargo, no han quedado flotando en el aire sin hacerse notar. Las minorías respiran resentimiento y están listas para explotar en cualquier momento. Y lo han hecho, como el año pasado en Francia o en el 92 en Los Ángeles.
A simple vista, Caché, la más reciente perturbadora película de Michael Haneke (La Pianista, Funny Games), no tiene nada que ver con esto. Aparenta ser y se desenvuelve como un thriller sobre una pareja de intelectuales burgueses franceses que comienzan a sentirse amenazados al recibir videocintas con imágenes del exterior de su casa, haciéndoles saber que están siendo observados. Él es un escritor que tiene un programa de tv sobre libros, y su casa tiene tantos como quepan en sus paredes. Tienen un hijo cuya vida es tan complaciente que se la pasa malviajado simplemente porque no tiene nada de qué malviajarse. Pero el acoso de las videocintas quiebra su aparente estabilidad y provoca en el padre de familia un reencuentro con su infancia olvidada, sus pecados pasados y su culpa de rico gracias al sufrimiento de un inocente de otra cultura.

Revelar más detalles acerca de la trama sería arruinar el suspenso. Caché es fácil de ver y de seguir, y no hay una sola escena desperdiciada. Casi cada movimiento o línea de los personajes incluye información vital. Hasta las tomas donde nada parece estar sucediendo están llenas de datos. Como espectador, no puedes evitar estar atento y tratar de unir las piezas del rompecabezas. Pero Caché, finalmente, y aunque lo aparente, no es realmente un thriller, ni está interesado su director en “resolver” el “misterio”. Tales mecanismos son el gancho para mantener al espectador interesado mientras se permea la info realmente importante. Comenzamos a notar la culpa del protagonista, y los extraños paralelos entre las noticias que ve en la televisión y lo que sucede en su vida. La traducción del título (Hidden, u Oculto), funciona como revelador e ironía. Todo está oculto en esta película. Los motivos, los dolores, la culpa, el rencor. Realmente no sabes qué creer o qué pensar, pero eso no evita que estés frikeado.
Haneke tiene una habilidad natural para mantenerte preocupado durante toda una película sin recurrir a los trucos normales del cine. Sin música, sin movimientos de cámara, sin persecuciones o explosiones emocionales. Todo por debajo. La quietud provoca más terror. Muchas de las tomas de la película están encuadradas de la misma forma que las supuestas tomas de video que les mandan al matrimonio, y hubo muchas veces en que me preguntaba si lo que estaba viendo era una toma dentro de la película o una del video. Todo el trip es bastante inquietante.
El pasado del protagonista se va revelando como uno de oscuridad, y bajo el manto de la estética thriller yace una crítica a la sociedad europea contemporánea y su aparente despreocupación acerca de su propia historia como asesinos y opresores del resto del mundo. Sus personajes centrales, dos burgueses franceses son simpatéticos pero no inocentes. La manera en la que Haneke desarrolla la historia nos hace, como espectadores, ponernos de su parte y juzgar lo que sucede con el filtro de nuestros propios prejuicios. Queremos buscar un culpable y mediante las pistas y la información que nos da la película lo “encontramos”. Pero pongan atención a la última toma de la película, y eviten que su mirada vaya a donde naturalmente va por la composición del cuadro. Noten a dos personas que platican en el extremo derecho de la pantalla y vean quiénes son. ¿Por qué están ahí hablando si ni se conocían? ¿Qué nos quiere decir? Tal vez quienes pensamos que eran los culpables realmente no lo eran y fuimos tan arrogantes como los protagonistas. O tal vez no tiene nada qué ver con nada y yo estoy leyendo de más en esto.

Lo más chido de Caché es que deja todo abierto y cada quién le va a encontrar un sentido que, involuntariamente, refleja quiénes somos y qué pensamos de lo que ha pasado frente a nosotros por dos horas. Y no necesariamente va a ser bonito. Eso es arte.

OZU

2006-08-24T14:05:00.000-07:00

El tiempo pasa. Los tiempos cambian. La gente dice esto todo el tiempo. Es parte de la vida, es inevitable. Los rucos sobre todo, lo dicen mucho. Un día te despiertas y te acuerdas de algo que pasó en tu niñez y se siente realmente lejano. Otros días vives el cambio segundo por segundo, en toda su importancia e inevitabilidad. Pero las cosas tienen que cambiar para poder continuar. He ahí la paradoja que por toda la historia ha regido nuestra existencia. Lo que casi nadie menciona nunca es como los cambios duelen. Cómo el tiempo pasa y con él las cosas cambian y como incluso aunque sea en nuestro beneficio, los cambios que vienen con el paso del tiempo duelen.

En el cine, por lo que he visto, nadie ha podido expresar este pensamiento tan bello de forma tan elocuente como Yasujiro Ozu. He visto solo dos películas de él y hay algo casi zen en la manera en que narra sus historias con imágenes. Casi, digo, porque para llegar a un trip zen se necesita de un cierto desapego emocional, y las películas de Ozu escurren sentimiento, aunque sea al estilo japonés, siempre oculto bajo la buena cara y el comportamiento propio y educado.

El tipo sabía qué pedo. Sus películas parecen hechas por un anciano contemplando la vida en la paz de la vejez, pero no era un anciano cuando las hizo todas. Trabajó primero en el cine mudo, luego en el sonoro en blanco y negro, y finalmente en color, antes de morir en los 60’s. Le tocó vivir el principio de siglo, el cambio de Japón de imperio cerrado a nación poderosa a derrotados y masacrados en la Segunda Guerra Mundial, y a su renacimiento como potencia económica. Tal vez por eso meditaba tanto acerca del paso del tiempo y los cambios, la muerte, la destrucción de una cosa para el nacimiento de otra, el dolor de seguir para disfrutar. Y no lo hace con imágenes de horror o de sangre o de caos. Sus películas transcurren pacíficamente. Sus personajes siempre encuadrados entre las paredes de sus casas, su cámara casi siempre estática, atenta a los sonidos naturales, fascinada por los barcos y los trenes que recorren la tierra con gente adentro.
Historia de Tokio y Late Spring, ambas consideras obras cumbre de la cinematografía mundial, hablan con imágenes de estos temas. En la primera, una pareja de ancianos visita a sus hijos en la capital japonesa sólo para descubrir que están muy ocupados para atenderlos. Pero Ozu no es mexicano, su cine no es melodrama, sus personajes no lloran y se quejan porque sus hijos no los pelan. Aceptan las cosas, al menos en apariencia, y responden como todo japonés, con dignidad y meditación, con una conmovedora aceptación de los cambios de la vida.

En Late Spring, una chica casi solterona vive contenta con su padre viudo hasta que las presiones sociales comienzan a hacerle ver que se tiene que casar pronto. Su resistencia tiene más que ver con el miedo al cambio que con el amor a su papá, pero eso es irrelevante, pues las cosas tienen qué cambiar para poder continuar, aunque duelan.
Ambas películas comparten un final conmovedor, en el que un personaje, solo, confronta el paso del tiempo y sus consecuencias. En La Historia de Tokio, el patriarca mira el mar y observa el tren que pasa mientras se echa aire con un abanico. En Late Spring, después de la felicidad de la boda de la hija, de la peda con los amigos, de las pláticas y de los consejos, de la sonrisa y la tranquilidad por ver a su hija finalmente casada, el viudo se va a su casa, se sienta en su sala, y mientras lo observamos con tres cuartos de su espalda hacia la cámara, sin verle los ojos o el rostro, se inclina hacía abajo y pone sus manos en su cara, como llorando. La vida duele, pero está bien. El tren seguirá pasando, y todo va a continuar.

FUEGO EN EL HOYO

2006-08-24T13:58:00.000-07:00

La naturaleza humana es sobre repetición. Seguir los mismos esquemas una y otra vez hasta que un número considerable de personas se hartan y los destruyen temporalmente, solo para caer de nuevo en los mismo esquemas de siempre. Siempre hay esa resistencia al cambio, a nivel individual (chequen lo de Ozu), o más notablemente de manera grupal, como sociedad.

Esto se me ocurrió al ver Harlan County, Usa, un documental de Barbara Kopple hecho en los setentas, sobre una huelga de mineros de Kentucky, cansados de los maltratos y buscando pertenecer a un sindicato. Es una pieza de cine emotiva, íntima, que humaniza enormemente a ese personaje que labora en uno de los jales más peligrosos y peor pagados del mundo.

Su historia es la misma de todos. De ser tratados como animales (o como uno de ellos menciona, peor, ya que “siempre puedes contratar un nuevo minero pero a una mula la tienes que comprar”, en palabras de su capataz), a obtener cierta dignidad por medio de la violencia para unas décadas después decidir que ya tuvieron suficiente y que quieren un poco más de dignidad, sólo para recibir resistencia de los dueños de las minas, quienes no importa lo razonables que sean las peticiones de sus empleados, no las quieren realizar nomás porque les cuesta dinero y, en su marco de referencia, eso simplemente no es justo.
Los mineros tienen fácilmente uno de los peores jales del planeta. Generalmente acaban en él por vivir en lugares remotos sin acceso a una mejor educación o cualquier otro tipo de fuente de trabajo, competitivo o no. Desde adolescentes tienen que trabajar jornadas largas sin luz solar respirando gases tóxicos que a la larga les provocarán la destrucción de sus pulmones, con constante peligro de muerte por explosiones y accidentes. Viven en el frío de las minas y sacan apenas lo suficiente como para alimentar a sus familias.

En la época en que se hizo esta película, lo único que los mineros pedían era que la compañía para la que trabajaban aceptara que pertenecieran al sindicato nacional que les daría ciertos beneficios. No demasiado, honestamente. Pero la compañía minera no iba a hacer eso pues si lo hacía, una reacción en cadena con otros mineros de otras localidades podría hacer que pronto los salarios de sus casi esclavos los llevaran, si no a la banca rota, al menos sí a tener un poco menos de lana para que sus esposas se compren una bolsa cool o un carro más chiquito.

Es chistoso, no veo otra palabra como definirlo, ver a los dueños de la mina, con sus abogados, declarar a los medios que según los médicos, trabajar en una mina “no necesariamente” es causa de la enfermedad conocida como Pulmón Negro. Esto es como las compañías tabacaleras diciendo en los ochentas que fumar “no necesariamente” causa cáncer, o cómo Bush y sus serpientes diciendo que el calentamiento global “no necesariamente” está realmente sucediendo. Esto es lo que la gente en el poder hace. Niegan la realidad hasta que ya no hay manera de hacerlo, hasta que la gente se encabrona y hace algo al respecto y los obliga.

Da rabia ver que a unos mineros que sólo piden algo razonable se les responda con balazos e insultos, como uno de los jefes de la compañía diciendo que el comportamiento de las esposas de los mineros, al ayudarles en la huelga, “no es digno de las mujeres americanas”.
Es bullshit, claro. Y hoy en día estamos rodeados de bullshit de todos lados, excusas que los que destruyen a la gente y al mundo se inventan a sí mismos para justificar sus estupideces. Y es como siempre ha sido.

Sí, puede ser deprimente, pero Harlan County, USA, no es sobre la maldad de las corporaciones, sino sobre el impulso natural de los seres humanos a luchar por su bienestar. Lo chido es ver que la gente se puede unir y hacerla de pedo y ganar su pequeña batalla. Tal vez no sea mucho, pero es algo, y para cada pequeña lucha hay un gran significado.

No hay nada peor que la apatía, y cuando hay personas que se empecinan en lograr algo que les parece justo es inspirador. La huelga de los mineros duró más de un año, y mientras casi no tuvieron para comer. De por sí sus condiciones de vida ya eran bastante precarias, en lo que uno de los líderes de la huelga llama “un sistema feudal”, pues en pueblitos así, o jalas en la mina o no jalas, y hay ricos muy ricos, y mineros.

Esto es muy cool especialmente con todos los assholes hoy en día criticando a la gente que protesta por las mamadas del PAN, del IFE y whatever. No importa si hubo fraude o no, lo que es chido es que la gente, por primera vez en años, realmente hace algo respecto a su descontento, su voz se escucha. Los otros assholes que viven en Disneylandia y prefieren a todos callados y que lo único que sugieren es que la gente se “ponga a jalar” claramente no tienen un contacto directo con la realidad, porque tienes que creerte muchos cuentos de hadas para asumir que la única solución para todo en esta vida es nomás trabajar, como si fuéramos hormigas. Pero suficiente sobre eso...

Harlan County, USA es una gran película porque realmente te hace sentir parte del mundo donde ocurre la historia que cuenta. La gente del campo de USA, siempre blanco fácil de las burlas por su manera de hablar y su supuesta ignorancia, es humanizada al punto de la hermandad, casi. La película es una celebración de su cultura, con sus bailes, tradiciones y composiciones musicales producto de sus vivencias y experiencias.

Y gracias a la naturaleza humana, su historia no tiene tiempo. Hace apenas unos meses explotó una mina en Coahuila y al ver la película no pude evitar sentir un poco de deja vu. Era como ver todo lo mismo una vez más. Como en la rola de los Proppellerheads: “just a little bit of history repeating”.

SUFRIMIENTO ANUNCIADO

2006-08-09T16:56:00.000-07:00

Llegar al cine temprano se ha convertido en una nueva forma de tortura. Es un completo malviaje cuando voy a ver una película donde sé que la sala va a estar llena y habrá que hacer fila, porque eso me obliga invariablemente a echarme los veinte minutos de insufribles comerciales y trailers donde generalmente se rebela mucha más información sobre la trama de una película de la que yo quiera saber. Peor aún si vas al cine seguido, y basicamente una vez a la semana tienes que sentarte y someterte a los mismos quince excrementosos anuncios.

El rey actual del sufrimiento es un anuncio de Telcel, o Telmex, ni siquiera me acuerdo del producto. Es tan malo que cuando empieza cierro los ojos y he llegado a rogar que alguien me rebane la garganta con un cuchillo y tire mi cabeza lo más lejos posible de la pantalla. Me refiero a ese pedazo de mierda donde sale Andres Bustamante como una especie de combinación entre Einstein y un Dr. Chunga alemán, el frikeante Marco Antonio Regil, el gordo de La Cosa, la buena bien buena de la novela que hubo con Barbara Morí, y Juan Manuel Bernal, un tipo que actúa pero que desde hace años es la imagen de Prodigy Infinitum (otro anuncio insufrible). Cualquiera que lo haya visto no me puede negar que se trata de uno de los comerciales más desagradables que hayan tocado la pantalla grande, desde que esta deprimente tendencia de forzar a la gente a ver 20 minutos de anuncios comenzó. Increíble que hasta se las arreglan para que Bustamante no sea gracioso. Es una mezcla frankestiana de ideas y conceptos que los publicistas ñoños de México (los que no son cocainómanos) forzaron a converger: gente famosa, una "fórmula" para explicar de forma simple algún tipo de plan o promoción, y efectos de sonido que usan las Muñequitas en sus "sketchs cómicos". Es tan caca este anuncio que aunque lo he visto como quince veces todavía no he entendido qué chingados es lo que quieren vender realmente. Supongo que en algún nivel sensitivo mi mente simplemente se va, como cuando una persona es secuestrada y ultrajada sexualmente por extraterrestres. Es Dantesco.

Hay otro que ha estado rondando, bastante creepy, de Bridgestone. Sí, la marca de llantas, algo que yo nunca había notado hasta que ví dicho spot. Es un visualmente frío (con colores blancos y grises) "relato" en el que las llantas Bridgestone, tal como todos las conocemos, sin ser caricaturizadas de ninguna forma, son presentadas como si fueran seres vivos a los que ejecutivos y científicos de la compañía les "enseñan" a tener calidad. Las llantas no hablan ni se mueven ni tienen ninguna característica humana, son simplemente llantas. Y las ves ahí, inmóviles, distantes, acomodadas una tras de otra, mientras seres humanos las miden, las prueban y les ponen películas educativas donde les enseñan valores como la seguridad, la familia y así...Todo esto con una musiquita de guitarra tipo el puñetas ese que cantaba la de "Santa Lucía" (uno de los más bajos momentos lo que se conoce como "buen gusto"). En algún momento, increíble, una de las llantas, así como las que tiene su carro, al ver una película sobre una familia feliz, derrama lágrimas y llora. En otro, una de las llantas no "pasa" una prueba de calidad, y el piso debajo de ella se abre y cae a algún lugar vacío y oscuro que no aparece en el comercial, solo para ser reemplazada por otra exactamente igual. Supuestamente este anuncio es conmovedor, es lindo, te llega al gaznate. Yo creo que está de miedo, mi piel se enchina y los pelos de todos lados se me erizan cuando lo veo. Es como Kubrickiano, 2001, Inteligencia Artificial. Llantas que lloran.

Lo más oscuro de todo es que el proceso por el que las llantas pasan no es nada distinto del que seres humanos comunes y corrientes tienen que vivir todos los días al ser contratados por gigantescas corporaciones orwellianas, con sus cursos de capacitación, sus "valores", su "misión" y "visión". Eso es lo que somos: llantas. Completamente reemplazable y servibles solo para propósitos prácticos. Al final del comercial, ya listas las llantitas para colgarse en algún estante de alguna espantosa tienda, salen rodando de su capacitación, de una forma lenta, triste, de bajón total, excepto por la música. Totalmente deprimente.

Podría seguir, pero debo terminar mencionando un cagadísimo trailer para una estúpida película para adolescentes traducida al español cuyo nombre no puedo recordar. Se trata de un chico lindo de la secundaria que decide combinar su pasión como estrella del equipo de basquetball con su faceta de cantante de baladas pop. Como es costumbre, toda la puta película incluyendo el final se cuenta en el trailer, y te puedes dar una probadita del cheesefest y la cursilería y cruda idiotez de lo que se le alimenta a los cerébros adolescentes de hoy. Es tan cómico que llegué a preguntarme si no era a propósito, especialmente en el momento en que su mejro amigo le dice: "nos estamos preparando para la final y todo lo que te preocupa es una estúpida canción" y cuando su entrenador le pregunta: "eres basquetbolista o cantante", y este joven en la decisión má trascendente de su vida dice: "¿Acaso no puedo ser ambos?" mientras mueve los brazos con ademanes hiphoperos. Esta película se ve tan virginal que no sabes si cogértela o dejarle el paquetón a alguien más. Supongo que paso.

Bye.

MOMENTO

2006-08-09T08:10:00.000-07:00

El lunes me sentí afortunado de estar vivo en el lugar preciso en el momento preciso. No sé si alguien más lo notó, pero el atardecer de el lunes en Monterrey fue tan extremedamente cool y colorido que casi llegó a ser una experiencia psicodélica. Yo estaba en el carro bajando por Leones, donde llovía. Pero la llúvía solo abarcaba la zona del cerro y saliendo de Cumbres y por detrás de mí, el cielo estaba limpio. Al mismo tiempo, el sol estaba ya bajo en el poniente, pero como aquí el sol aunque esté bajo sigue pegando duro y brillante, el efecto que provocó fue que frente a mí, por primera vez en mi vida, apareció el arcoiris completo. O sea no eso que a veces sale cuando medio llueve y que llamamos arcoiris porque se ven dos tres colores en algun lugar del cielo, sino el real deal, el arcoiris completo de un extremo a otro, como medio aro, como en las caricaturas de los ositos cariñositos. Podías ver donde empezaba y terminaba, casi querías seguirlo para ver si había una pinche olla llena de oro al final.

Miré a los lados, al congestionamiento vial permanente que es Leones a las casi 8 de la noche y poca gente observaba con atención. Yo casi choco, no me iba a concentrar en el pinche tráfico de hueva cuando después de 26 años en este desolado planeta vi lo que creía era una ocurrencia fantasiosa de gente que cree en duendes y en ponis de colores pastel. Y eso no fue todo.

De regreso, con el sol ya bajo el horizonte, los colores estaban tan pachecos que parecía que me había metido en una pintura. Rosas intensos, amarillos, naranjas, la neta ni parecía Monterrey, y además las nubes atoradas en los picos del cerro con la luz del sol reflejándose desde abajo...oh man...mejor que cualquier droga en el mundo. Truly beautiful.

No tengo foto de esto, por supuesto, y tal vez sea mejor. Este tipo de cosas mágicas es mejor tenerlas presentes con el aderezo de la memoria que verlas como fueron en realidad, las hace más especiales.

MANN'S WORLD

2006-08-08T12:21:00.000-07:00

MIAMI VICE es una rareza. Es al mismo tiempo totalmente convencional y totalmente diferente a cualquier otra película que hay ahí afuera. Es tan complaciente con la audiencia como exigente. Citando la crítica del New York Times: "Es una película de acción para los que les gusta el cine de arte experimental y viceversa".

Sin ninguna explicación tradicional, somos literalmente tirados en medio de una historia confusa que ya comenzó, y levantados de ella lejos de algún final. Vemos durante dos horas desenvolverse un pedazo de lo que parecen ser dos vidas en el límite. La sensación es de voyeurismo, como si vieras en ese rato un gigantesco mundo subterráneo que lo mismo añoras que repeles. Dos agentes undercover que parecen uno, que casi no hablan y cuando lo hacen, es en su jerga policiaca, tan dedicados a su trabajo que sus vidas fuera de él son un vacío impenetrable o un sueño. No muy diferentes de otros personajes en las películas de Michael Mann, que parecen ser un reflejo del director mismo, con una dedicación al trabajo que raya en el fetichismo, como el detective de Al Pacino o el robabancos de De Niro en Heat, o el frío asesino a sueldo de Tom Cruise en Colateral. MIAMI VICE deja atrás la nostalgia de las películas basadas en series de televisión y ofrece toda una reinvención del concepto. No hay un solo segundo kitsch o irónico. Es una rareza también por la manera en que confía en la inteligencia del público no sólo para seguir los nombres, lugares y hechos de la historia sin explicarlos tres veces, como normalmente se hace hoy en día, sino en la capacidad de ese público para apreciar los detalles, las cosas no dichas. Muchos de los momentos más logrados de MIAMI VICE son abstractos, llenos de silencio.

Es raro que la trama sea un simple episodio de giros y sorpresas en una misión undercover que abarca narcos, neonazis y ejércitos, y al mismo tiempo haya una corriente emocional nunca desglosada, nunca explicada, con detalles aquí y allá, que serán notados por el expectador antento. Y de eso se trata, finalmente, pues MIAMI VICE, a pesar de su campaña publicitaria y su exhorbitante costo de producción, no es una película para verse en un cine lleno de gente. Es mejor ir temprano, verla con la sala casi vacía, y dejar que entre en ti.

Michael Mann tal vez sea uno de los pocos directores del mundo que ha elegido usar video digital en vez de cine por propósitos artísticos en vez de económicos. La fotografía del genial Dion Bebee es absolutamente espectacular, y ayuda a crear un "mood" durante toda la película que la hace sentir única. Un "mood" de inseguridad, de melancolía, de vacío. La fotografía, como pocas veces se usa en el cine, expresa más de la vida interna de los personajes que sus diálogos.
Mann es realmente un auteur, y su cine, a pesar de regodearse en el rango de lo comercial, es más artístico y con menos concesiones que muchas de las dizque películas serias de hoy. De hecho, lo que ha logrado a a través de Heat, El Informante, Colateral y Miami Vice es distintivamente suyo, y no sabría como llamarle, excepto como una nueve especie de film noir ultra moderno, donde todo es peligroso, el amor es imposible, y todos los personajes son hombres de honor. Nunca vas a ver un traidor en una película de Mann, y si lo hay, el resto de los personajes lo tratarán como una broma, sin darle siquiera la oportunidad de redimirse con dimensiones trágicas. Y hay un detallismo brutal. Mann tiene un fetiche por los métodos. Cada cosa que hacen los personajes, cada palabra, cada arma, juguetito especial, procedimiento que deben seguir en su misión está tan cuidado que logra convencerte de la realidad que te presenta, sin importar si tiene algún parecido con la realidad real.
Admito que tuve mis problemas con MIAMI VICE al principio. Las actuaciones de los protaginistas no me gustaron hasta que comencé a reflexionar sobre lo que estaban tratando de hacer. Habría que verla de nuevo, cosa que no me resulta nada desagradable. Y de hecho, hay que dejar claro, que VICE no está en los niveles de entretenimiento amigable de COLATERAL o HEAT. Ya que lo pienso, uno no disfruta MIAMI VICE, es demasiado seca y melancólica, y eso la hace especial.

Todo esto es imposible de hacérselo entender a la gente cuadrada que no va a a ver en MIAMI VICE más de lo que han elegido ver: una simple película de acción más. No importa mucho. Los que saben de cine saben que lo más difícil de lograr es trabajar en los confínes de un género y aún así ser fresco, atevido y exitoso. Lo más cabrón es colar una visión personal y artística en una película palomera de verano de 135 millones de dólares. Cuando sucede, es casi un milagro. Y casi siempre el público no ve lo que tiene frente a sus ojos. Hitchcock tuvo que llegar a ser un viejito para que Francois Truffaut lo entrevistara con el respeto que un pupilo le tiene a un maestro, y fue entónces que el mundo comenzó a notar que no sólo era el "mago dle suspenso", sino un artista completo como Kurosawa o Bergman. Michael Mann está por ahí, y es cuestión de tiempo para que ese dato se vuelva lugar común también.

DANNY BOY?

2006-08-07T16:27:00.000-07:00

Ok, no quiero ser un fanboy total, pero debo admitir que esta still (la primera que ha salido a la luz pública) de la nueva movie de Paul Thomas Anderson (Boogie Nights, Magnolia, Punch Drunk Love) me ha puesto en un estado de completa expectativa. Cuando supe que PTA iba a hacer una película sobre un magnate petrolero del siglo XIX basada en alguna novela, la verdad no sentí gran entusiasmo, pero esta foto simplemente me atrapa pues, si bien la película no está terminada y todavía no se puede opinar nada concreto al respecto, basado en el historial de su director y del actor de la foto, al menos creo que podemos esperar una actuación de poca madre del protagonista, como es su costumbre...El actor de la foto y protagonista es Daniel Day Lewis, ni mas ni menos...Yo tampoco lo reconocí al principio.

MEH

2006-07-28T16:56:00.000-07:00

So....Johhny Depp es oficialmente la estrella más grande del cine. Piratas del Caribe 2 ha roto records de entradas, superó al hombre araña, era imposible negar que Piratas era la única película veraniega por la que la gente realmente sentía un entusiasmo notable. Podías sentirlo.

Whatever. Seamos honestos y aceptemos la neta. Piratas 1 fue una película excesivamente larga y algo aburrida salvada por una actuación medio brillante de un actor genial que ha tenido muchos otros mejores y menos valorados momentos. La razón principal por la que Depp la hizo es por lo que yo llamo el “Síndrome de Mal Juicio Paternal”, que le ocurre a muchos de los grandes actores cuando tienen hijos y sienten un ardiente y a veces nada sano impulso de hacer películas con el único objetivo de que sus hijos las puedan ver. Esa es la principal razón, también, por la que Depp se embarcó por primera vez en dos secuelas (y por la diversión, según él), aunque yo pienso que el dinero no le viene mal a nadie, especialmente a los estudios Disney, quienes están haciendo su agosto en este momento.

Y de alguna manera, supuse que en la secuela iban a tratar de hacer las cosas mejor (después de todo la idea no es mala) y a corregir los errores y resaltar las virtudes. Bueno, pues evidentemente su lógica fue la lógica común de que una secuela tiene que ser “bigger”, más, más, más que la anterior. Cuando supe que Piratas 2 duraba 135 minutos, visualicé el festival de excesos vacíos que eso significaba, y creo, después de haberla visto el viernes, que no me equivoque.
Igual que la 1, Piratas 2 es una película excesivamente larga y algo aburrida no del todo salvada por una actuación un poco menos brillante de un actor genial que debería pensar en que sus hijos van a crecer y van a preferir verlo en Ed Wood que en este producto mcdonelsco que abusa de su bienvenida al durar 135 largos minutos. Yo esperaba que esos minutos volaran, pero más bien nadan con dificultad en el disparatado mar de secuencias de acción poco inspiradas que inundan la película. A pesar de esto, hay que reconocer que no todo en Piratas es malo.

Primero que nada, hay un villano increíble, al que no puedes evitar mirar con asombro. Un nuevo nivel en diseño digital, en combinación humano-máquina...al menos en esta entrega no llega a las notas dramáticas de un Gollum, pero sí es bastante impresionante. Además, el resto de los efectos visuales superan por mucho a cualquier cosa que haya visto este año. Kiera Knightley, aunque saliera sin decir una sola palabra, es un buen atributo. Depp también. Y especialmente, hay una secuencia a media película con unos caníbales, una jaula redonda, y Depp amarrado a un palo como si fuera jabalí a punto de ser cocinado, que es genio puro. De hecho, nada más por esa secuencia vale la pena ver toda la película. Es este tipo de ideas, de secuencias de acción con más humor que necesidad de impresionar, las que hubieran hecho de Piratas algo verdaderamente distinto y único, algo que hubiera terminado con cualquier comparación a las otras tontas películas de acción que ha habido últimamente. De haber mantenido el tono de esa secuencia, Piratas hubiera sido una delicia, y yo hubiera sido el primero en regresar al día siguiente para verla otra vez. Sobra decir que no es el caso, y que la movie transcurre con torpeza entre secuencias de acción que de tan elaboradas dan hueva, escenas con el villano que impactan, escenas con Depp en la que la audiencia despierta, y el resto, con Knightley, Orlando Bloom, y todos los otros actores diciendo cosas aburridas en escenas aburridas...
Para cuando la película terminó, con el gancho para la 3, yo ya había decidido que una vez más no me estafaban. Creo...

En cualquier caso, lo mejor de Piratas fue ver el trailer de El Hombre Araña 3...y se ve realmente ultra cool...¿Podrán superar la perfección, la mezcla ideal entre cine palomero y buena narrativa de la segunda? Parece que sí...

Puta, ya quiero que estrenen algo interesante...

VIRI

2006-07-28T16:53:00.000-07:00

Imagino a Silvia Pinal en sus momentos más introspectivos, sentada en algún rincón de su hogar, a punto de dormir, pensando sobre sus acciones en este planeta, poniendo las cosas en la balanza: “Sí”, se dice a sí misma, “hehecho muchas pendejadas en esta vida: ‘Mujer, Casos de la Vida Real...Mame...fui diputada...permití a Alejandra Guzmán ser cantante de rock...pero al menos, hice Viridiana...y El Ángel Exterminador”...

No creo estar exagerando. En más de una ocasión he visto a Pinal hablar de sus colaboraciones con Luis Buñuel, y es evidente como le brillan los ojos, levanta la frente, un dejo de orgullo se dibuja en su rostro. Ella sabe, claro. Ella sabe que no importa lo que haya hecho en su carrera, nada va a trascender tanto como Viridiana y El Ángel Exterminador. Y lo disfruta.

Y yo también. No puedes evitar respetarla. Un loco como Buñuel le pide hacer una película de humor negro sobre una monja santurrona con delirios de salvadora en la que se van a burlar de la iglesia católica y ella estuvo a la altura del reto. Se fue con todo, se entregó.

Viridiana es una de las grandes películas de Buñuel. Siempre provocador, siempre retador, es obvio al verla que necesitamos Buñueles por ahí, que sólo se sientan cómodos incomodando a los demás, que sean duros con todos por igual, que no tomen partido, ni siquiera el propio. Chequen: El mismo Franco, intentando demostrar que la realidad en España bajo su mando no era tan fascista y represora como se decía, le da la bienvenida a Buñuel y le permite hacer una película en España por primera vez en años. Buñuel, genio que es, hace lo que todo artista respetable y con conciencia hubiera hecho: prueba lo contrario.

Muerde la mano que le da de comer, y hace una película tan irreverente que es inmediatamente censurada y provoca que lo corran de España y lo vete el Vaticano para siempre. Imaginen quién rió al último.
La historia de Viridiana es un pretexto para que Buñuel se burle de todos, y tal cinismo lo hace tan refrescante que la película se niega a envejecer. Es sorprendente lo entretenida y divertida que llega a ser a momentos. Sí, Buñuel critica a la iglesia, critica a la monja, critica a los ricos, pero ojo, no hay víctimas. Los pobres, los mendigos, son tan o peor criticados que los demás. Su visión de la humanidad es casi de horror, pero da comfort saber que alguien al menos se la estaba curando de tanta desesperanza.

La gran ironía se expresa en una sola acción a mitad de la película, cuando el cuñado de Viridiana, un hombre pragmático y materialista, detiene una carreta que pasa por su casa con un perro amarrado y lo compra para darle de comer. Inmediatamente después pasa otra carreta con otro perro igual, y sin embargo, para el final de la película, él ha logrado hacer más por un indefenso (el perro) que lo que Viridiana logra por sus “pobrecitos”.

Viridiana también sobresale por ser visualmente rica y sugerente. Las posteriores cintas de Buñuel son un poco estáticas, pero aquí la cámara se mueve, las sombras y luces son expresivas, es un agasajo visual a momentos.

Para verla propiamente, busquen el DVD de Criterion con su transfer en widescreen digitalmente masterizado.

WHAT THE BLING?

2006-07-28T16:51:00.000-07:00

Los que sí leen lo que escribo recordarán que hace unos meses tuve una de las experiencias “cinematográficas” más desagradables cuando renté la insufrible, fea, chafa, new agy, semi hippy, por todos lados absurda “película” hitazo de los gemelos tec llamada “What The Bleep do You Know?”. Este desperdicio de mi tiempo provocó, como pocas cintas que he visto, una sensación inmediata de repulsión, desesperanza, y sobre todo una cierta soledad, al sentirme rodeado por zombies que al parecer habían encontrado en semejante burla a mi inteligencia, una especie de descubrimiento filosófico/científico acerca de la naturaleza de la realidad que nos rodea. Gente cercana a mí a quienes considero brillantes, inteligentes, vivaces seres me llegaban con ojos maravillados a contarme de este parteaguas humanístico de los medios masivos, este documental increíble en el que decían cosas “que ni te imaginas”. Fue una tremenda decepción cuando comencé a ver tal mugre, con su estética de infomercial madrugador y sus verborreas simplonas disfrazadas de teorías científicas, en las que la conclusión es que los seres humanos no sabemos “nada” de la realidad, un argumento que al menos es debatible, y en el que paradójicamente, cualquier duda razonable acerca de tan arriesgada afirmación, era inmediatamente descalificada como un síntoma de un ser “encerrado en el paradigma, incapaz de ver más allá de lo que considera realidad”.

Luego descubrí que dicha “película “ (y no dejaré de usar comillas para describirla) estaba de hecho financiada por un grupo al que no llamaré religioso pero que sí tienen una base firme de creencias que repiten los “científicos” que aparecen en la película, uno de ellos una médium canalizando al viejo espíritu Ramtha, or whatever.
En aquel momento y ahora, repito que “What the Bleep” es una gigantesca estafa y sus razonamientos tan infantiles que no comprendo como pueden ser tomados en serio por gente que ya se graduó de alguna carrera o que lee cosas que no sean revistas como Muy Interesante solamente. Ahora, para los que no creían que esta gente solo busca estafar y quedarse con su mugre dinero para seguir comprándose ranchos en el medio oeste de USA y pensar que son más sabios que el resto de nosotros porque piensan positivamente, hoy en Monterrey se estrena la “secuela” de “What the Bleep”, llamada en inglés “Down the Rabbithole” y en español: “La secuela”. Noten de nuevo las comillas, porque lo que está en los cines (y que ha estado en Sahari’s por algunas semanas) NO ES una secuela. Es una versión extendida de lo que ya vieron, para ser exactos, con 51 minutos más de barbaridades, afirmaciones ilógicas y sin fundamentos, y filosofías baratas, ordenadas con la misma estética chafa para que ustedes les den su mugre dinero y se sientan muy bien consigo mismos pensando que con solo creerlo lo suficiente, ya son dioses creadores del universo y así, olvidarse por momentos de las cosas REALES que están sucediendo a su alrededor. Disfruten, si es su estilo.

ESPERANDO

2006-07-21T15:13:00.000-07:00

"FRAUDE"

2006-07-19T15:39:00.000-07:00

La situación que México está viviendo respecto a la elección presidencial es en todas sus deprimentes facetas un recordatorio para todos los mexicanos, y para cualquier ser humano con capacidad de raciocinio que la “democracia” y lo que supuestamente representa no es más que una más de las fantasías modernas. No me refiero al supuesto fraude electoral que impugna el PRD, sino a la visión global que me llega a mi en lo personal de todo el espectro político-medios-ciudadano-empresarial.

¿Qué es lo que tenemos? Un candidato de izquierda con más colmillo que astucia, cegado por su visión apasionada de una realidad obvia (la de los extremos de México: ricos y pobres) y la idea de que con tal de salir avante en esta situación, se puede decir lo que sea sobre quien sea. Declarar a los medios que incluso los mismos observadores de su Partido estaban vendidos es una de las movidas más torpes que López Obrador ha hecho desde el 2 de Julio, aunque no ha sido la primera. Esas cosas, incluso si son ciertas, no se dicen. Eso es por puro sentido común. Era obvio que la percepción y la credibilidad del candidato iban a sufrir un revés por eso.

Tenemos un candidato de derecha que no tiene empacho en declararse ganador cuando un proceso no ha terminado, y que cada vez que abre la boca, perdónenme, pero suena como un secretario del secretario. A nivel personal, me parece imposible que Felipe Calderón no sea otra cosa que un monigote al que alguien puso ahí para mangonearlo por seis años, sirviendo a intereses empresariales más que poblacionales.

Tenemos también un aparato de gobierno empeñado en voltear la tortilla una y otra vez. Increíble que Fox, quien descaradamente ha hecho uso de todo su poder y recursos desde antes que iniciaran las campañas para desacreditar a AMLO y apoyar a Felipe Calderón (una acción por sí sola más antidemocrática que cualquiera de cualquier otro partido) se la pase diciendo ahora que las elecciones fueron hechas por los ciudadanos solamente, sin su intervención.

Tenemos unos medios de comunicación masiva evidentemente, de una forma casi absurda, al servicio de lo que el gobierno quiera decir. ¿Pero qué podíamos esperar? Hace tres meses Televisa y TV Azteca se beneficiaron enormemente de una ley que nos da en la madre a todos los que nos dedicamos a la comunicación, una ley que mayormente fue apoyada por el PAN. Es decir, la idea de medios de comunicación independientes del gobierno es simplemente imposible. A tal grado, que de parte de periodistas y programas televisivos de los cuales uno esperaría al menos un poco de criterio, hemos tenido que escuchar argumentos como que “cuestionar la validez de las elecciones es un insulto a la ciudadanía”. Como ciudadano, yo me pregunto por qué. ¿Y qué es esta fe ciega, ingenua, torpe hacia el IFE? ¿Por qué cuestionar al IFE es algo tan intransigente? ¿En qué visión infantil de las instituciones nos quieren enfrascar? ¿El IFE no se puede comprar, no se puede equivocar? ¿El padrino de la boda de Calderón y Presidente del IFE no puede tener una inclinación por el PAN, más que evidente? Si algo he aprendido en mis 26 años de vida, si algo me ha quedado claro acerca de este planeta y de los seres humanos, es que TODO SE PUEDE COMPRAR. Esa es la principal lección que he aprendido y creo que es la principal lección que todos hemos aprendido.

¿De qué se trata esto de no dudar del IFE y de los ciudadanos? ¿Por qué? Yo, como ciudadano, ¿tengo qué tener completa fe en todos los demás? Habrá quien diga que hay un dejo de cinismo en lo que estoy diciendo, pero yo lo llamo inteligencia.

Finalmente, tenemos una ciudadanía totalmente dividida en posturas pero unida en algo fundamental: falta de visión crítica. Están los que gritan “fraude” de forma apasionada y cuya inconformidad amenaza con algo de anarquía. Por otro lado, están los excesivamente conformistas, que prefieren una calma aplastante que toma forma en la falta de capacidad para cuestionar a cualquier personaje, institución o poder. Una ciudadanía que se cree lo que la tele le dice, no importa lo desafiante a la lógica que sea. Me parece notable cómo a López Obrador se le acusa por todos lados de dividir al país, cuando lo único que ha hecho es decir en palabras simples lo que todos sabemos: que en México hay de dos, o ricos o pobres, y que es necesario bajarle a esa brecha. Nadie necesitaba que AMLO nos dijera eso, ya todos lo sabíamos desde hace mucho. Notable me parece también porque, desde donde yo lo veo, la principal causa de tanta división de ideas ha sido el miedo irracional, verdaderamente ridículo que el PAN ha infundido acerca de una posible victoria del PRD. Sé que en algunos años, nos vamos a acordar de los miedos que hubo acerca de esto y nos vamos a reír, pero por lo pronto el panorama es sombrío en ese sentido. Incluso gente del mismo PAN me ha dicho que se sorprenden de lo efectiva que ha sido su estrategia, que les parece exagerada la reacción de la gente, pero que les da gusto, obviamente, que así sea. En ese sentido, algo que me parecía inimaginable ha sucedido en México: estamos al borde de entrar en un periodo casi de McCarthismo, con la mitad del país temerosa de “los comunistas”.

Entre tanta tontería, siento que la mayoría hemos perdido de vista el meollo del asunto, que es que la elección presidencial no es finalmente una cuestión política, sino de ciudadanos. Si los Partidos accedieron a ciertas reglas y rompieron otras, o si el IFE hizo esto o aquello, no es el punto. Digo esto porque hay quienes me han dicho que el conteo voto por voto no se debe hacer por ley, porque los partidos accedieron a que así no fuera. Pues los partidos no son los únicos que participan en este asunto, y yo como ciudadano, quiero el conteo voto por voto porque simplemente me parece lo más sensato. Ante tantas irregularidades previas, durante y después de la elección, ante cuestionamientos válidos sobre conflictos de intereses entre las instituciones y candidatos participantes, pero especialmente, y quiero recalcar esto porque es lo más importante: ante el hecho de que la diferencia entre los dos candidatos es de nomás 0.58%, por sentido común, por sensatez, por inteligencia, por prevención, y sin faltarle al respeto a nadie, y sin dudar específicamente de nadie, se deben de contar los votos uno por uno, despacito.

De todos modos, eso no cambia la percepción que me ha quedado de todo esto, el sabor de boca. Me parece obvio que el IFE no es tan independiente, que el PAN no es tan transparente, que Calderón no tiene un pelo de Presidente, que AMLO está más interesado en su triunfo que en mantener su propia credibilidad, que Fox no sirve más que a los intereses de su partido, que la libertad de prensa es un mito, que las empresas controlan TODO, y que por consiguiente, hasta la ciudadanía se puede comprar, porque no tienes que aceptar una mordida para corromperte, basta subordinarte ante los intereses de empresas que no te pertenecen para ser un peón más del cacique. Tal pareciera que el fraude, más que un incidente aislado, es nuestro modo de vida.

MIERCOLES BLUES

2006-07-19T15:29:00.000-07:00

Hoy, toda la televisión mexicana es un circo de tres pistas, tal vez de diez. Honestamente, sinceramente, sin ironía, me da lástima la pobre gente que no tiene otra opción de entretenimiento televisivo en sus vidas que no sea lo que Televisa, TV Azteca, etc les ofrecen.

Digo esto porque en los últimos meses viviendo con mi novia, sin la comodidad del cable, ocasionalmente he visto la televisión local, y neta que es algo perturbador.

Hoy en día, todo es sobre sexo. Y no quiero ser malinterpretado. Me gusta el sexo. Me gustan las cosas cachondas, me gusta ver viejas bien buenas en shortcitos, no tengo nada en contra de la explotación de los cuerpos de los seres humanos, si eso es lo que esas personas están felices de hacer de sus vidas. Para mí sería chido que la televisión abierta transmitiera películas porno en las noches. Sería un hombre feliz, no habría quejas de mi parte en ese sentido. Lo que no me gusta es la extraña sensación que me da, la incomodidad que me hace sentir ver la doble moral, la sucia manera en que el sexo, las cosas sexuales, los “taboos” se han mezclado en la televisión con todas las otras cosas que hay dentro de la cajita del infierno. Ahora te despiertas un sábado a las 9 de la mañana y el Canal de las Estrellas, con sus colores chillantes, rosas, morados, azules, verdes, rojos, te pone a Maribel Guardia semidesnuda con Latin Lover en un bizarro programa de concursos en el que todos los concursantes son modelos, y de alguna u otra forma siempre terminan quitándose la ropa, tocándose, y bailando alrededor de un tubo. Todo esto ante un público en vivo conformado por señoras, niños, abuelitas, y amigos de los empleados de Televisa. Luego de un corte pasan a un “homenaje”, una “semblanza” a la trayectoria de grandes figuras de la televisión mexicana como Paty Navidad, en el que incluso hay tiempo para las remembranzas tristes y que la “actriz” en cuestión se eche una lagrimita, con un subtítulo debajo de ella que dice: “sus inicios fueron muy humildes”, acompañada de música sentimental de piano. Esto, por supuesto, es extremedamente pacheco y pesadillesco para mí. Especialmente un sábado a las 9 de la mañana, recién despertadito, echándote un café.
Es esta esquizofrénica capacidad de la tv actual de ir de la cachondez gratuita total al sentimentalismo barato en cuestión de segundos lo que me perturba profundamente. Especialmente porque siento un elemento común debajo de ambos estados de ánimo: el morbo. Es lo mismo, se dan cuenta, ver a una vieja bien buena encuerarse a ritmo de regaetton que ver a otra vieja bien buena darse una vueltecita y llorar al recordar sus humildes inicios. La revolución sexual ha desembocado no en una apreciación inteligente de las cuestiones sexuales por las masas, sino en su asimilación superficial y mórbida. Todo lo que sea sobre sexo es válido excepto reflexionar al respecto.

Y por alguna razón, al estar meditando sobre esto, recordé que a la par de esta explosión de “liberalismo sexual vacío” en la tele (no sólo en México, sino en el mundo entero), se ha desarrollado otra corriente que cada día es más fuerte: el fervor religioso. Sí, desde el 9/11, en Estados Unidos y el mundo, la religión se ha hecho más importante, la búsqueda espiritual. Y al mismo tiempo, el sexo domina los mensajes que recibimos de los medios. Es como ese hecho innegable acerca de que las películas más repudiadas públicamente son las pornográficas y también las más vendidas.
Se podría explicar en términos puramente biológicos. Ante una realidad desesperanzadora, ante la posibilidad de muerte y destrucción como algo tangible, el impulso de vida, el sexo, toma fuerza. Mientras, la necesidad del hombre de “algo más”, también. En cualquier caso, el elemento común de estas dos corrientes, además del morbo, es la negación.

Y hasta el momento, creo que el siglo XXI será recordado como el siglo de la negación, de predicar una cosa y hacer otra, de tener la realidad enfrente y voltear la cara.
Los contrastes son dramáticos. Lo que sabemos de la realidad y lo que decidimos tomar de ella son visiones casi opuestas. Tenemos un planeta al borde de irse a la basura, con calentamiento global y contaminación casi irreversibles, con sistemas económicos y políticos que asesinan a la mayoría de los seres humanos que habitan este lugar, con guerras, diferencias milenarias, enfermedades sociales y odio. Y nunca en nuestra historia habíamos tenido una conciencia global tan completa de nuestra propia situación como ahora. ¿Y qué hacemos nosotros? Elegimos ignorarlo. Tomamos comfort en universos seguros donde lo atrevido es ver a Maribel Guardia en calzones a las 9 de la mañana. A juzgar por la televisión, el sexo es básicamente la única preocupación que tenemos. El sexo y nuestras ipods, compus, carros, ropa...y nuestra fe en Dios, o la religión, o lo que cada persona elija como creencia ante el vacío de lo que encuentra alrededor.
Yo, por supuesto, creo que si queremos evolucionar, esto tiene que cambiar. Llevamos muchos siglos haciendo todo al revés, y en algún momento, simplemente las cosas van a cambiar.

Algún día, los seres humanos van a voltear al pasado y se asombrarán de lo banales que fueron. Les parecerá gracioso que las calles estaban llenas de anuncios espectaculares que bloqueaban la vista del cielo, que un siglo se fue en pelear un combustible fósil que de todos modos se iba a terminar, que hubo una ocasión en que mientras un país como Estados Unidos sufría por el sobrepeso de su población, un continente como África moría de hambre, que los seres humanos se peleaban por cosas tan poco importantes como preferencia sexual y fe, que la gente disfrutaba más la idea del sexo que el sexo en sí, que se interrumpían las películas para poner comerciales, que el arte era la última preocupación de los gobiernos, que había gobiernos, que había dinero y era importante....o tal vez no, tal vez simplemente yo también esté instalado en mi propia negación, porque nada de lo que describí en los primeros párrafos de este escrito da algún indicio de que lo que describo en este último vaya a suceder, no por el momento al menos. Tal vez todos deberíamos de aceptar nuestra derrota, prender la tele y verla contentos. Quejándonos, pero contentos.

DUMBLAND

2006-07-12T10:49:00.000-07:00

Imagina que eres uno de los cineastas más respetados del mundo. Universalmente reconocido como un original, tal vez uno de los pocos verdaderos originales que hay, con una obra que incluye cine, video, televisión y pintura. Parece que todo lo que haces le resulta a la crítica y al público al menos interesante, a lo más, soberbio. ¿Cuál es tu siguiente paso? Animación en Flash, por supuesto.
Esa es la lógica de David Lynch, quien además de ser cineasta impulsa un programa mundial para enseñar a los jóvenes a practicar la meditación trascendental y maneja su propio website, davidlynch.com, en donde por primera vez aparecieron los cortometrajes animados en flash de la serie Dumbland, cuyo nombre lo dice todo. Dumbland es primeramente diversión tonta. Monitos mal dibujados en líneas negras sobre un fondo blanco, con trazos irregulares y gestos nerviosos.

De hecho, “monitos” no es la palabra correcta, porque los hace sonar cutes. Estos monos son inquietantes, insoportables a veces. Los personajes son un padre ebrio que no parece tener inteligencia para decir frases que no incluyan la palabra “fuck”, su esposa constantemente nervios, y un hijo que tiene forma de esperma.

Las historias, si es que se les pueden llamar historias, son simples, y su ejecución raya en un minimalismo surreal. No quiero sonar a que estoy dándole a estos cortitos más significado del que tienen, lo que pasa es que mientras la mayoría usa el Flash en internet para hacer animaciones poco interesantes (conejos asesinos, mucha sangre, fun just for fun), lo que Lynch hace es, además de una serie de piezas bastante frikeantes, algo así como...arte. Yep. Arte.

Aunque algunos son lo suficientemente agresivos como para verse tentado a apagar el televisor, otros son simplemente joyas. Lo que ya nos acostumbraron los medios a ver caricaturizado de una forma amable (el papá alcohólico tipo homero, por ejemplo) aquí no se duda en plasmarlo en su más oscura representación. Hay un episodio en particular que trata sobre una mosca que me parece singularmente interesante. Como curiosidad, Dumbland cumple si no eres fan de Lynch o si no estás particularmente interesado en las formas en que los nuevos medios de expresión están siendo utilizados por los artistas. De otra forma, this is good. Es chido ver que Lynch se va a lo básico, y que los ocho episodios de Dumbland fueron animados y musicalizados por él. De hecho, nadie más es responsable por nada en Dumbland excepto Lynch, lo cual por sí solo los hace especiales. Es como ver el trabajo de un artista que toda su carrera se ha apoyado en su equipo, finalmente sin el filtro de los otros. Así que sí, me parece recomendable.

Como nota aparte mencionaría que, probablemente ver estos episodios bajo la influencia del LSD debe ser una experiencia bastante perturbadora, pero definitivamente interesante.

PRICELESS

2006-07-11T14:07:00.000-07:00

Nada redime más a una estrella de acción ochentosa que decidir antes de su crisis de mediana edad que lo que realmente necesita es rockear y darle al mundo imágenes como esta, que compensan con risas cualquier malviaje del pasado.

La foto me la traje del blog de Daniela Elbahara, pretty interesting stuff: http://laelbahara.blogspot.com

¿CARROS QUE DICEN QUÉ?

2006-07-10T15:58:00.000-07:00

Honestamente, tenía muy bajas expectativas con CARS. Por alguna razón, el trailer me aburría inmensamente. Qué diferencia de la primera vez que vi el trailer para LOS INCREÍBLES, y cómo estaba erizo de ver esa movie hasta que por fin pude hacerlo. CARS simplemente me parecía un concepto bastante equis: “¿Carros? ¿La película se trata sobre Carros?”. Sé que la lógica detrás dePixar, John Lasseter y Disney es que la gente normal ama los carros. Así que por eso yo pensé que a lo mejor el que estaba predisponiéndome negativamente era yo. Después de todo, Pixar es Pixar, y sólo ellos han tenido el impecable record en el cine animado americano de los últimos diez años, de hacer puras películas que van de la categoría de muy buenas (BICHOS, MONSTERS, INC-), a la de clásicos instantáneos (TOY STORY 2, THE INCREDIBLES)...cuando fui a ver FINDING NEMO supe que si tuviera 6 años la vería pirata todos los días. Luego la vi en el cine cuatro veces más, y la he visto un video un chingo de veces, como si tuviera seis años, con la diferencia de que ahora me fumo un churro ocasionalmente antes de verla, pero ustedes me entienden.

CARS, por otro lado, es una falla. No es mala. No es un desastre como cuando fui a ver VACAS VAQUERAS (ahora comenzarán a notar que soy un entusiasta de las películas animadas de Disney), y me quedé dormido por gusto, no por aburrimiento. Pero sí es una tacha en el historial de Pixar, que hasta ahora parecía incapaz de manufacturar algo medianamente equis. Ha sucedido, tristemente.

El problema es que Pixar se ha vuelto más predecible de lo que debería. Sus conceptos ya se sienten gastados. Los niños seguramente la disfrutarán, pero los adultos no. Estoy seguro de eso. No como LOS INCREÍBLES o NEMO. Para nada. Su formulita de “personaje se pierde y acaba en un lugar donde todos los nuevos personajes le ayudan a aprender una lección” ya se siente más forzada que naturalmente surgida de una idea original.

El “funny sidekick”, el personaje secundario que parece vivir en una realidad alterna y por lo consiguiente es gracioso ha sido repetido hasta el cansancio, aunque siempre de formas ingeniosas: Buzzlightyear, Dory, el mismo Señor Increíble. Ahora tenemos un camión chimuelo que lucha por tener una característica original, por sobresalir por algo chido, pero se queda en solo ser gracioso porque está tonto.
Hay un momento desvergonzado de autoplagio cuando uno de los personajes de CARS resulta ser una combie hippy que vende combustible orgánico, muy parecido, demasiado diría yo a esa maravillosa tortuga surfer de NEMO. Casi pude ver a Lasseter y equipo analizando sus gráficas: “El 70% de la gente consideró que el personaje más gracioso después de Dory es la tortuga, así que hay que meter algo así en CARS”.

El otro punto bajo de CARS son las canciones de Randy Newman. Chafitas, inapropiadas, incómodas, se sienten tan fuera de lugar que lo mejor hubiera sido omitirlas del todo. Las películas de Pixar nunca han brindado una sola canción memorable, la verdad no sé por qué siguen insistiendo.

Respecto a la animación, pues no esperaba y creo que no habría de preocuparse por eso, obviamente es otro pedo, pero eso es irrelevante si la historia no funciona. Y no funciona porque han ido de mensajes o ideas centrales en su historia acerca de la amistad, el amor de padre a hijos, la decadencia familiar, al simplón y choteado mensaje de que los tiempos viejos eran mejores porque todo era más lento, y a veces se nos olvida detenernos para disfrutar de la vida. Sí, sí, sí, todos sabemos eso...¿Realmente necesito ver una película de más de dos horas sobre carros que hablan para que me digan eso? ¿Nunca vieron Doc Hollywood, con Michael J. Fox? (I know, I know).

En resumen, probablemente sea mejor ir a ver VECINOS INVASORES. Y siempre tendremos a Miyazaki...

BAILE DE MÁSCARAS

2006-07-10T13:26:00.000-07:00

Un extraño impulso hizo que el otro día sacara de un olvidado estante donde se empolvaba desde hace años el cd de Maldita Vecindad "Baile de Máscaras", y me di cuenta de lo mucho que extraño la presencia de un grupo de rock latinoamericano, o al menos mexicano, que hable de temas socialmente relevantes, incluso de protesta, de una forma elocuente, inteligente y rica musicalmente. También me sorprendió lo vigentes que están los tópicos de canciones que compusieron en 1995, con el levantamiento de Chiapas y el salinismo aún muy frescos en la memoria colectiva mexicana. Es casi como si estuvieran hablando del mismo país, sólo que ahora con un gobierno panista.

Entre el pópulo, el consenso general es que La Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio tienen UN disco grande y ese es "El Circo". Y nada más. Su primer LP es casi desconocido, y su último es desgraciadamente muy mediocre, llamado "Mostros" mismo que vino a evidenciar al menos un estancamiento creativo de sus integrantes, tanto lírica como musicalmente, y que puso fin a su carrera discográfica hasta el momento. No han vuelto a sacar otro LP y se han dedicado ocasionalmente a temas en los “homenajes” a José José, Los Tigres del Norte, etc.

No voy a negar que “El Circo” es su disco más popular, y que fue vital en su momento. Su importancia histórica no tiene discusión. Fue uno de esos discos que ayudaron a crear conciencia sobre un movimiento musical rockero real en México, y además uno que no era solamente una imitación de lo que se hacía afuera, sino una verdadera asimilación de lo externo mezclado con lo interno. La verdad es que cuando Maldita Vecindad comenzó a pegar en la radio, los tocaban por igual en las estaciones de cumbias que en las de pop. Desafiaban la etiqueta. Junto con Caifanes, Café Tacuba, entre otros, le dieron voz a todo una generación de chamacos.

Pero eso eran finalmente, chamacos. Por lo mismo, “El Circo” es un disco de crítica social como la haría un adolescente. De forma superficial, como descubriendo apenas el hilo negro, con más rabia que raciocinio. Ahí radica la causa de su éxito, su atemporalidad. Las rolas de “El Circo” hablan primeramente de las cosas que se ven en la calle y que causan dolor, como el niño que limpia vidrios de coches o se echa maromas en los cruceros. La desigualdad social es retratada como algo casi incomprensible. Fue un disco que tocó una vibra precisa en un momento preciso, su éxito tal que el grupo hizo una extensa gira por America Latina y Europa que llamaron “Pata de Perro”. Pero eso, ladies and germs, no significa que musicalmente o líricamente o ideológicamente sea el mejor disco de La Maldita Vecindad.

Creo que “Baile de Máscaras” es uno de los discos más subestimados del rock mexicano. Con las expectativas por los cielos, Maldita Vecindad tuvo chance de grabar el disco que querían, donde querían y cómo lo querían. Se fueron a Memphis con todos los recursos, y afortunadamente para ellos, en su mejor momento creativo. Hay en “Baile de Máscaras” un constante feeling de estar escuchando a una bola de músicos nada temerosos o tímidos, dispuestos a experimentar en todos los géneros, a buscar el sonido más refinado, a encontrar, de hecho, un punto medio entre todas sus muchas influencias, que van desde la música popular mexicana al rock de Peter Gabriel o el extraño pop egipcio de Nusra Fateh Ali Kahn. Rocco, vocalista y letrista, parece sentirse libre por primera vez, con canciones cuyo contenido social deja de ser general y se vuelve específico, y donde la poesía pesa tanto como la idea detrás del verso. Ya no le basta con reclamar las injusticias del mundo, sino que va de lleno contra quienes desde su punto de vista las provocan y alimentan. Hay una diferencia aquí, entre el chamaco renegón de “El Circo” y el adulto informado que critica y medita en “Baile de Máscaras”.

En “Por ahí”, el track número 3, directamente se ataca por nombre al neoliberalismo. O sea, hay que pensar que para un grupo de rock juvenil esto es altamente sofisticado. ¿Cuántos en su audiencia tenían idea de lo que significaba el neoliberalismo? ¿Cuántos lo tienen hoy en día? En “No les Creo Nada” básicamente hay una completo descrédito a los medios informativos: “la calle no está en la pantalla”, concluyen. Y en “El dedo”, qué actuales se escuchan hablando del proceso electoral. El clímax político del disco viene en dos partes: “Aunque”, una rola donde por igual también logran echar en la mezcla efectivamente el aspecto poético, trágico del resto del álbum, en una reflexión furiosa sobre la sangre inocente que derraman los poderosos; y “Salta pa’tras”, otra canción iracunda donde una por una, nos muestran como los nombres de castas y los apodos que usamos a diario reflejan un constante odio latente entre las personas, mismo que sólo beneficia a las instituciones de poder.

Toda esta elocuencia es un contraste dramático con lo que otros grupos después que ellos han intentado hacer pasar por música con contenido social o de protesta (Panteón Rococo, los hiphoperos regios de los noventas) y especialmente con el clima musical actual, en donde muchas veces las letras de las rolas ni siquiera se tratan de algo, olvídense de que tengan algún tipo de contenido social. No estoy diciendo que me gustaría que todos fuéramos muy serios y que buscáramos retratar la sociedad tal cual con la música. Yo creo en la creatividad en todas sus formas, pero sí me resulta desalentador, algo preocupante, que chavos que hoy tienen la misma edad que los de la Maldita en el 95, no tengan idea o interés de la situación social que se vive en el mundo, en el páís, o en su ciudad.

Musicalmente, Baile de Máscaras hace palidecer incluso a discos chingones de hoy, como Cuatro Caminos de Café Tacuba. Este es un pinche disco donde todo puede pasar. Del ska al punk al rap al rap core al jazz al bolero al tango. Hay dos rolas, como las describe Rocco: “onomatopéyicas”, o sea que no tienen letra, solo música y sonidos hechos con la voz. Hay infinidad de juegos con las percusiones. Y las cosas más triviales son convertidas en poesía: “de boca en boca viajan los sueños, el tiempo vive en la memoria” dicen en Don Palabras. “No existe peor esclavitud que la esperanza de ser, ser feliz”, dicen en Vida Vidrio. “Carga sobre su espalda nuestra agonía en viejas canciones”, dicen al hablar de un organillero en “Vuelta tras Vuelta”.

No es coincidencia que un disco tan elaborado haya sido un éxito mediano, que yo diría más bien fue consecuencia de la expectativa creada por el anterior más que por el producto en sí. Yo garantizo que de diez personas que tengan los dos discos, ocho contestarían que el mejor es “El Circo”. Al rock, históricamente, se le ha negado la capacidad de ser sofisticado. Como si no pudiera ser tan intelectual. Como si en cuestiones musicales rockeras, el juicio de la cultura pop pesara más que el del arte.

Los Beatles podrán ser unos genios. Su reparto extenso y rico, pero a la gente le sigue gustando más “Love Me Do”. Jim Morrison se puso cada vez más poeta, pero nunca le dejaron de pedir “Light my Fire”. Radiohead ha tenido que declarar que nunca más va a tocar “Creep”, porque les parece una canción “idiota” y sus fans se las siguen exigiendo. En el reciente concierto de Beck al que fui, dejó a unas marionetas tocando un playback de “Loser”, para no hacerlo él mismo. Café Tacuba nunco tuvo tanto éxito como con “Eres”, que neta, no es más que una simplona canción de amor que objetivamente no está a la altura de casi nada que hubieran hecho antes, ciertamente no de su disco doble “Revés/Yosoy”, que yo considero fácilmente como el mejor disco de rock mexicano de la historia. Aparte debo mencionar a Los Fabulosos Cádillacs, quienes antes de vender millones con su disco en vivo doble, hicieron su mejor trabajo, el más refinado y casi completamente ignorado disco llamado “La Marcha del Golazo Solitario”. Irónico que siempre la canción más tonta de un artista es su más popular.

De la misma forma, La Maldita ha tenido que vivir bajo la sombra de su ingenioso e ingenuo primer álbum, y tuvo que ver como su mucho mejor, más elaborado e inteligente segundo fuera medio ninguneado. La pregunta que queda en el aire es, ¿Qué es más importante a la larga: la calidad musical de un disco o su oportuna injerencia en la cultura popular?

Y a pesar de esa tendencia histórica a tratar de hacer del rock una simple faceta más de la cultura pop, la verdad es que del 98 para acá la música ha ido perdiendo conciencia social, incluso artística. Hasta en propuestas estéticamente interesantes se nota un extraño vacío. Más actitud que contenido. La desigualdad social, siempre reprobable, no es la principal preocupación de nadie ahora, mucho menos de los jóvenes. Basta ver MTV una tarde, con sus videos de hip hop donde lo cool es traer zorras, billetes y carros con stereos chidos, o con Paris Hilton para darse cuenta que históricamente no es el momento para eso. Hasta Julieta Venegas ha vivido en carne propia las consecuencias de volverse light: inmediatamente eres una estrella y haces tu comercial de Pepsi.

De los grupos de rock que surgieron en décadas pasadas, sólo Café Tacuba ha logrado sobrevivir con un balance sólido entre la exploración musical y la posibilidad de ser comercial. Jaguares es una broma, haciendo covers de Juan Gabriel como cualquier exintegrante de La Academia, El Tri vive en la autocomplacencia de creerse los papás del rock mexicano sin proponer nada nuevo o presentar algo mínimamente respetable en los últimos quince años, y mejor ni hablo de La Lupita, Cuca, y tantos otros que o desaparecieron formalmente o nomás no han hecho nada en años. Maná sigue siendo el monumento al conformismo tanto de público como de artista. Como un wey que creció con esto, que escuchó a estas bandas y que ha visto a MTV transformarse en una zorra de la payola como nunca antes, todo este asunto es bastante triste para mí. Poner un disco como Baile de Máscaras es refrescante. A través de sus 15 tracks te susurra al oído algunas cosas que nunca deberíamos de olvidar: “la música no tiene por qué ser repetitiva, no tiene por qué ser de moda, no tiene por qué ser vacía, tímida, copiada...puede ser diferente, puede ser impopular, inteligente, accesible, puede ser lo que sea”.

HUMOR FRAUDULENTO (gracias carla)

2006-07-05T13:34:00.000-07:00

PAN y CIRCO

2006-07-03T16:22:00.000-07:00

El mensaje del domingo fue claro. No me refiero al "ejemplar desempeño ciudadano" o a que "la ciudadanía mostró su madurez democrática" al ir a votar, cosa que yo al menos esperaba que sucediera y que no me sorprende ni me parece nada dramático qué celebrar. O sea chido, pero eso era de que, nuestro deber. Cualquier persona que no haya ido a votar, no importa lo elocuente de sus argumentos me parece, al menos, torpe. No votar no sirve absolutamente de nada excepto para reafirmarle a la persona que no lo hace su sentido de autoimportancia. Como votar y no votar es basicamente anónimo, sólo el votar tiene una utilidad real. Lo otro es como protestar sin micrófono.

El mensaje de la ciudadanía del que hablo es para el PAN. Lo que la ciudadanía dice es muy simple: "Ok PAN, tu campaña funcionó. Ibas mal, pero en cuánto comenzaste a sacar spots agresivos, a esparcir el miedo y la desinformación entre la gente subiste hasta ganar la elección". Así que prepárense, porque si esta fue nomás la primera, a ver cómo se ponen las que siguen. Gracias a todos los que mandaron mails absurdos sobre el mal que se iba a apoderar de México si ganaba el Peje, gracias a las familias de Chipinque, por sus reuniones con sus empleados domésticos y por sacrificar tiempo de trabajo de ellos en sus mansiones para que Fernando Elizondo les dijera lo mal que les iba a ir con Lopez Obrador. Gracias a los jóvenes que ni trabajo tienen pero que pregonaron que a las empresas les iba a ir muy mal también.

Y neta que no mamen, si alguien polarizó al país fue el PAN, con sus mensajes de miedo y algo de odio.

De todos modos, no nos deprimamos, nada malo va a pasar. Calderón no va a mandar el país a la chingada ni mucho menos. Simplemente va a seguir sonriendo y diciendo que todo va bien mientras el país entero le dice que todo va mal, como con Fox. ¿Pero qué más es nuevo?

TEDDY

2006-07-03T13:17:00.000-07:00

Pobre Ted Danson. Sin tener una carrera ejemplar, se la pasó ocupado en todo tipo de proyectos y películas durante los ochentas y parte de los noventas, y hoy en día lo único que puedes ver de él en la tele es esa cheesy y visualmente barata película para tv de Los Viajes de Gulliver. Nunca la he visto (ni pienso hacerlo) pero me imagino que para alguien que fue una estrella big en los ochentas y que se esmeró de vez en cuando en hacer algo decente debe ser desesperante verse a sí mismo con esa peluca en medio de esos sets chafos casi cada semana en el Hallmark. Bueno, eso era todo.

GOOGLE SEARCH: ¿Quizás quiso decir MALO?

2006-06-27T12:14:00.000-07:00

Ok panistas, lo lograron. Les tomó meses, chingada madre, pero lo lograron. Me han convencido. Voy a votar por AMLO. Parafraseando a Renton en Trainspotting: “¿Las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes a una bola de bullys emprendiendo la campaña de fomento de miedo más agresiva de la que yo tenga memoria en este país?”. Francamente, no creo que AMLO vaya a cambiar mucho a México, no creo que vaya a lograr que la pobreza desaparezca. La verdad ni siquiera creo que me vaya a ayudar mucho que él esté de presidente. Puta, he jalado en campañas políticas del PAN de una forma u otra en los últimos cuatro años, así que desde el punto de vista práctico, por pura conveniencia, debería votar por el PAN. Pero estoy harto. No que antes no tuviera suficientes razones para decirles a todos que el PAN probablemente no es la opción que buscamos, pero la manera en la que se han encargado de difundir mensajes de odio contra un candidato me asquea. Usar los temores de la gente para ellos quedarse con el lonche me repulsa. Ni por un segundo voy a creer que Felipe Calderón y su partido trabajan por el bien de este chingado país, porque una persona que trabaje por el bien del país no fomentaría tal sucia y chafona manera de hacer política.

La neta es que el PAN no ha hecho campaña para Felipe Calderón. Lo que han hecho es una campaña antiAMLO. Y solo eso es suficiente para que se den una idea no del amor que le tienen a México, sino del tamaño que se les está haciendo el culo pensando en que hay amplias probabilidades que a partir de este año se les acabe el cochinito.

Lo más molesto de todo este malviaje son los mails que la banda ha estado mandando con todo tipo de afirmaciones absurdas. Decir que AMLO es mentiroso, como si eso no fuera un atributo de cualquier otro político de cualquier otro partido no es ingenuo, es francamente estúpido. Trashearlo por su desempeño en el DF es la más grande pendejada. Así que el DF, la ciudad más grande y poblada del tercer mundo tiene problemas...PUTA, pinche AMLO pendejo que no supo resolverlos. La neta, hasta me siento imbécil refutando semejantes tonterías. Le daba mucho más crédito a la gente educada de este país, pero es triste ver que seguimos siendo una bola de incongruentes.

Así que espero que este desagradable circo termine, y realmente espero que los panistas pierdan. Porque hay demasiados huevones en cargos públicos, y gente que me ha dicho que jalar en el PAN es lo mejor porque: “está con madre, nomás te haces pendejo”, e ideas estúpidas como que Elena Poniatowska es una pobre viejita que “da lástima”. El último que recibí, decía que AMLO: “No habla inglés”, como si eso tuviera la más mínima importancia para entender los problemas sociales y económicos de este país. Me da coraje. Un diputado panista enfrente de mí se indignó porque la gente pide que les bajen sus ridículos sueldos. Seguro habla inglés. Y qué pedo con gente de mi generación que juzga a un candidato por si habla inglés o no??? Es triste ver que el pensamiento corporativo ha eclipsado los valores y ahora todo está al revés.

Fuck you PAN, espero que pierdas.

WHAT'S HE THINKING?

2006-06-27T09:59:00.000-07:00